La excelsa isla avant-jazz-progresiva del ensamble francés FREE HUMAN ZOO

 

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la muy especial ocasión de presentar al grupo francés de música avant-jazz-progresiva FREE HUMAN ZOO y su álbum “The Mysterious Island”, una auténtica maravilla que se publicó el pasado 3 de febrero.* Haciendo un poco de historia, FREE HUMAN ZOO fue fundado es el año 2011 por dos amigos de infancia, Gilles Le Rest y Laurent Skoczek, siendo así que desde el año 2013 pudo comenzar a concretar sus ideas por primera vez con el EP “Aïki Dõ RéMy”, (publicado al año siguiente), el cual fue sucedido por los álbumes “Freedom, Now!” y “No Wind Tonight…” (de los años 2016 y 2019, respectivamente). Ahora, por vía del sello Odusseia, el grupo ha publicado “The Mysterios Island”. La alineación actual de FREE HUMAN ZOO consta de Le Rest [batería, glockenspiel, otras percusiones, canto y recitaciones], Skoczek [trombón y efectos], Béla Bluche [bajo y contrabajo], Alexis Delva [guitarras], Matthieu Metzger [saxofones alto y soprano] y Camille Petit [piano y teclados]. Ha habido colaboraciones vocales de parte de Stella Vander (sí, ella), Marie-Caroline Revranche y Marcus Linon (hijo de Stella y Francis Linon), además de Jocelyn Mienniel a las flautas. Resulta que este vínculo con Francis Linon y Stella Vander viene desde que el ensamble FREE HUMAN ZOO firmara un contrato de grabación con el sello EX-TEENSIONS Records (a su vez, subsidiaria del sello Seventh Records). Eso sí, el disco que ahora reseñamos fue publicado por el sello Odusseia. La impresionante arte gráfica de “The Mysterious Island” pasó por varias manos: Alphonse de Neuville, Édouard Riou, Jorge Molina, Charles Barbant y Jules Férat. A través del continuum conformado por las 14 piezas contenidas en este álbum, hay algunas que se destacan simbólicamente por estar dedicadas a alguien en particular: la #7 está dedicada a la memoria de Manu Dibango, saxofonista camerunés radicado en Francia y que fue una figura importante dentro de la escena jazzera europea; la #9 está dedicada al legendario Christopher Daevid Allen, el hombre de GONG; en fin, la antepenúltima está dedicada a Louis. Bueno, vayamos a los detalles del repertorio entero.

‘Incipit’ es el prólogo de poco más de minuto y medio: ruidos de cálidas mareas en una playa sobre los cuales se explayan un breve monólogo, unas cautelosas líneas de piano y unas minimalistas notas de violoncello. A partir de aquí se expande la secuencia de ‘L’île Mystérieuse (L’Isola Misteriosa – Part 1)’, ‘L’île Mystérieuse (L’Isola Misteriosa – Part 2)’ y ‘L’île Mystérieuse (L’Isola Misteriosa – Part 3)’. La Parte 1 ostenta un aura ceremoniosa arropada por una sobriedad expresiva que se sitúa entre lo introspectivo y lo místico. Al inicio, la pieza prosigue por la línea contemplativa de la pieza inaugural, pero en una segunda instancia, el bloque instrumental entra a tallar para instaurar un ejercicio de jazz contemporáneo bajo un enfoque meticulosamente melódico. Estamos aquí en un terreno intermedio entre el paradigma de NUCLEUS y los WEATHER REPORT del primer álbum. Al llegar el turno de la Parte 2, las cosas se sofistican un poco más por vía de un tratamiento impresionista del discurso jazz-progresivo. El hermoso motivo central es ornamentado con mesurada majestuosidad y los cánticos muestran un calculado aumento de apasionamiento. De esta manera, cuando emerge la Parte 3, ese tentativo desborde halla su oportuna contraparte cuando el ensamble regresa a la dimensión introspectiva que prevaleció en la Parte 1 dentro de un retorno masivo al patrón del jazz-fusion de los 70s. Eso sí, hay unos instantes finales de tensión vocal que abren la puerta a ‘L’Essentielle Ascension’, tema que sustenta la primera expresión de vivaz luminosidad del álbum. El lado jazzero de MAGMA, las aventuras jazz-progresivas al estilo de los SOFT MACHINE de la fase 1971-73 y la prestancia de SUN RA se funden en una sola energía sónica en la amalgama grupal que tiene lugar aquí. Las enhebradas solturas de los vientos, la guitarra y la batería cuentan con la firmeza del ancla fabricada con las cadencias hermanadas del piano y del bajo. Cuando llega el turno de ‘La Splendeur Du Volcan’, esas mismas cadencias que llegaron a apoderarse del espacio central de la pieza anterior llegan a erigirse como un motif en sí mismo. El fulgor permanece imponente a través de su inacabable florecimiento... hasta que un sereno pasaje liderado por el piano deja que sus espacios vacíos siembre el terreno para el pronto arribo de ‘Les Vasques D’Eau Turquoise’, un tema signado por una encantadora gracilidad que guarda ciertos tintes Motown en su groove básico. Dicho sea de paso, hay un fabuloso solo de bajo a mitad de camino, y más adelante, un explosivo solo de saxofón que dirige un crescendo absorbente y contundente.

La misión principal de ‘Premiers Craquements’ consiste en tomar la posta climática de ‘Les Vasques D’Eau Turquoise’ con un incandescente jam que, debido a su esencial musculatura, resulta idóneo para albergar un excelente solo de guitarra. Es como si los ESKATON del primer álbum y los MAGMA de la fase 74-76 se hubiesen hibridizado con toda la naturalidad del mundo. ‘Eruption’ perpetúa este dinamismo y lo eleva hacia un garbo progresivo notablemente incrementado. Aunque hay ciertas connotaciones amenazantes en el modo en que el piano y el bajo se engarzan en el empuje del cuerpo central de esta pieza, la vivacidad exuda una extraña y, a la vez, inocultable aureola festiva. ‘Ton Nom Est Personne’ marca el regreso de los arreglos vocales y lo hace de una forma masiva, ocupando ahora el centro neurálgico del esquema melódico de turno. La pieza ceremoniosamente exorcista que viene a continuación se titula ‘Les Mouettes De L’Île (I Gabbiani Dell’Isola)’ y está marcada por una majestuosidad progresiva que emana de su propia serenidad. Las florituras del piano hallan una adecuada complicidad en las de la batería mientras los vientos ornamentan el desarrollo temático con un mágico talante aristocrático. El centro coral es menos expansivo que en la pieza precedente, pero también resulta relevante para el paisaje sonoro integral. El conclusivo y minúsculo solo de batería es funcional a la siembra de las evocadoras vibraciones de ‘L’île Mystérieuse (L’Isola Misteriosa – Part 4)’, las cuales reposan mayormente sobre la labor del piano. ‘La Nef Des Hommes De L’Ombre (La Nave Dei Pirati)’ irrumpe con una bien perfilada autoridad, la cual exhibe un señorío tan puntilloso como delicado a la hora de apoyar el entramado de guitarra y vientos sobre un swing cuasi-marcial. Una orquestación catártica que llega al punto de lo tanático con el caos controlado del intermedio, antes de que el swing se remodele con un aire un tanto juguetón. Durando 8 minutos y segundos, ‘Excipit’ cierra el repertorio con una ambientación muy peculiar. La narrativa del soliloquio masculino y los sortilegios de los susurros y cantos femeninos se dejan llevar mientras los instrumentos actuantes gestan ornamentos y efectos que evocan un manto de arcana oscuridad que se ha ceñido sobre la playa que se había manifestado al inicio del álbum. Nada queda del relax del prólogo: ahora todo es inquietud ante algo que ha surgido y que no soltará nunca su mando sobre las cosas vivientes.

 

Toda esta fue la magnificencia de “The Mysterious Island”. la misma que brotó de las mentes y músculos del colectivo francés FREE HUMAN ZOO. Un excelso disco que brilla con luz propia dentro de la producción progresiva de los primeros meses del año 2023; es más, amenaza con erigirse en una de las obras cumbre del año entero. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestras de “The Mysterious Island”.-

L’Essentielle Acension: https://www.youtube.com/watch?v=JKv7eFKlUsw

Le Splendeur Du Volcan: https://www.youtube.com/watch?v=9HSn09TtnKc

Eruption: https://www.youtube.com/watch?v=RLNKUgoU8e4

Les Mouettes De L’Île (I Gabbiani Dell’Isola): https://www.youtube.com/watch?v=Z2vB4_Ai-F4

* Hubo una limitada edición previa disponible para suscriptores en diciembre del pasado año 2022.

Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

Programa #326 - Música (PROG) diversa

 

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 326 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con música (PROG) diversa para todos ustedes. Disfruta gran material de Phil Marinucci, Frits & The Highest Band, Great Wide Nothing, Ripio, Zahorí y Rioghan.

Podcast:

Lista de canciones:

Luz Natural - Artista Frits & The Highest Band*

Time - Artista Rioghan, disco Different Kinds of Losses

Reflection - Artista Rioghan, disco Different Kinds of Losses

Fly - Artista Phil Marinucci

Anochece - Artista Zahorí , disco El doctor don Worry y los don Worry doctor's

Sin miedo a caer - Artista Ripio, disco La furia que hay en mí

Voy por el bastón - Artista Ripio, disco La furia que hay en mí

To Find The Light, Part Two - Artista Great Wide Nothing, disco Hymns for Hungry Spirits, Vol. II

Ficha técnica:

Fecha de publicación: 16/marzo/2023

Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)

Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech

Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos progresivos!

*Cita tomada de: Bandcamp de Frits & The Highest Band

El nuevo dominio del dúo anglo-italiano ZOPP

 

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el turno de presentar el nuevo álbum del colectivo anglo-italiano ZOPP, el cual se titula “Dominion” y fue publicado el día 3 del presente mes de febrero por el sello Flat Circle Records (perteneciente al propio grupo). Se trata del segundo disco realizado por este dúo conformado por el multifacético Ryan W. Stevenson [órgano Hammond, mellotrón, piano de cola, pianet Hohner, pianos eléctricos, guitarras eléctrica y acústica, bajo, sintetizadores, flauta, percusión, grabaciones de campo y voz] el baterista Andrea Moneta. En esta ocasión, el dúo contó con las colaboraciones ocasionales de Sally Minnear (voz), Caroline Joy Clarke (voz), Mike Benson (saxo tenor), Rob Milne (flauta y saxo tenor), Tomás Figueiredo (trombón), Jørgen Munkeby (saxo tenor y flauta) y Joe Burns (gong y platillos). “Dominion” sucede al homónimo disco debut que se publicó en abril del año 2020 para convertirse en una de las obras más celebradas de ese año y erigir a los propios ZOPP como una brillante promesa para el rock progresivo de nuestros días. Adelantamos que, con lo bueno que es este nuevo disco, podemos afirmar que los Sres. Stevenson y Moreta han reforzado su dominio dentro de la inmensa campiña progresiva con ingeniosa eficacia. Casi todo lo que suena en este nuevo álbum fue grabado y mezclado a partir de diversas sesiones que tuvieron lugar desde el año 2021 en el estudio doméstico de Stevenson, quien es también el compositor de todo este material; la excepción está en las partes de batería, que fueron grabadas y mezcladas por Moneta (quien es también miembro de LEVIATHAN). Las ilustraciones son de Tom Adams mientras que el propio Stevenson se hizo cargo del diseño gráfico. Bueno, ya es hora de repasar los detalles del repertorio contenido en “Dominion”.

‘Amor Fati’ abre el álbum al modo de un prólogo para la segunda pieza del álbum, la cual ostenta el lacónico título de ‘You’ y dura poco menos de 11 minutos. ‘Amor Fati’ comienza con un talante lánguido marcado por las escalas de piano eléctrico y poco a poco se torna en algo envolventemente solemne mientras el esquema instrumental gana en capas. La emergencia de ‘You’ se da a partir de las escalas de piano con las que termina el susodicho prólogo, siendo así que, a partir de allí, elabora unos climas majestuosos donde conviven grácilmente el preciosismo del sinfonismo (YES) y la vitalidad sofisticada del jazz-prog (LOST CROWNS). El fulgor de las orquestaciones de los múltiples teclados y los precisos delineamientos de los vientos conforman el núcleo central del efectivo desarrollo temático. Mientras tanto, la batería arma un swing versátil con iguales dosis de elegancia y punche, encontrando en el bajo el cómplice perfecto para el embellecimiento de las pautas melódicas en curso. Un gran tema cuyo sucesor es ‘Bushnell Keeler’, un instrumental signado por atmósferas ampulosas que se insertan cómodamente sobre los grooves sobriamente ágiles y razonablemente complejos armados para la ocasión. Esto suena como una pieza perdida de los primeros años de NATIONAL HEALTH que ha sido remodelada por HOMUNCULUS RES. A pesar de la patente complejidad de las bases armónicas y la diversa arquitectura rítmica, el tema preserva una calidez muy especial. Sin duda, se trata de un cénit decisivo del repertorio. ‘Uppmärksamhet’ vira drásticamente hacia una ambientación introspectiva con matices bucólicos en base a la comunión entre la guitarra acústica y el órgano, cuyas cadencias sutiles y mágicas pronto se dejan ornamentar por aportes de la guitarra y el mellotrón. Suena aquí una cruza entre el MIKE OLDFIELD de 1974 y los JADE WARRIOR de 1975. ‘Reality Tunnels’, por su parte, se erige como la expresión más muscular del ideario de ZOPP y lo hace desde el primer instante. Los complejos y vivaces grooves armados por la batería y los contundentes armazones sonoros gestados por la asociación de los teclados y la guitarra hacen que esta pieza concrete todo su potencial de garra y luminosidad. Es como si THE WINSTONS y HOMUNCULUS RES se hubiesen fusionado en una sola fuerza musical que es remodelada por una coalición de músicos de EGG y HATFIELD AND THE NORTH. Otro pasaje culminante del álbum.

Wetiko Approaching’ cumple la misma función que la pieza inicial del álbum: ser un preámbulo a un tema particularmente extenso (de hecho, el más extenso del álbum). Lo peculiar de ‘Wetiko Approaching’ es que tiene una inicial expresividad onírica mientras el canto porta un talante evocativo; más adelante, emergen unos retazos abstractos y misteriosos de connotaciones minimalistas, casi a lo krautrock (los primeros años de CLUSTER). De esta manera se abre camino a ‘Toxicity’, que no solo cierra el disco sino que también es, como dijimos unas líneas más arriba, el tema más largo del mismo, ocupando un espacio de poco más de 14 ¼ minutos. El enfoque general del vitalismo que atraviesa a este tema a lo largo de sus diversas ilaciones temáticas se orienta claramente hacia el predominio de lo sinfónico, tanto de ayer como de hoy. Notamos influencias de YES, GENTLE GIANT y CAMEL, así como confluencias con THE TANGENT, ADVENT y THIEVES’ KITCHEN. En general, el órgano se erige como el instrumento líder dentro del desarrollo musical mientras el canto se muestra más extrovertido que en cualquiera de los temas cantados precedentes. Las estratégicamente ubicadas florituras del bajo y los ocasionales solos de flauta y saxofón ayudan bastante a mantener las persistentemente caleidoscópicas agitaciones elaboradas por el bloque instrumental en nombre del dinamismo inherente al esquema multitemático. El disco termina con su máxima expresión de luminosidad sónica. En fin, todo esto fue “Dominion”, el nuevo testimonio de grandeza progresiva de parte del dúo anglo-italiano ZOPP: nos parece superior a su estupendo álbum de debut, y eso es decir mucho. Un disco así es totalmente recomendable dentro de una buena fonoteca progresivo debido a la mezcla de agilidad y colorido que aporta para la sana preservación del género en lo que va de este (no tan) nuevo milenio.

Muestras de “Dominion”.-

You: https://zopp.bandcamp.com/track/you-2

Bushnell Keeler: https://zopp.bandcamp.com/track/bushnell-keeler

Reality Tunnels: https://zopp.bandcamp.com/track/reality-tunnels

Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

El tercer triunfo progresivo de los brasileños CARAVELA ESCARLATE

 

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tenemos hoy el gran deleite de presentar el nuevo disco del grupo brasileño CARAVELA ESCARLATE, el cual simple y llanamente se titula “III”, pues es, efectivamente, su tercera obra fonográfica. El colectivo conformado por Jove David Paiva [bajo, guitarras y voz], Elcio Cáfaro [batería] y Ronaldo Rodrigues [teclados] se ha vuelto a lucir en este nuevo disco publicado el pasado 27 de enero (hace muy poco) tras dos discos previos que cimentaron su actual posición como una de las más grandes revelaciones de la nueva generación del rock progresivo de Brasil. El sello noruego Karisma Records publica este ítem en CD y vinilo: esta anécdota sola revela el alcance internacional que ha alcanzado este trío. Haciendo un poco de historia, CARAVELA ESCARLATE se originó en el año 2010 en Rio de Janeiro por las iniciativas conjuntas de Rodrigues y Paiva, quienes formaban parte de distintos grupos. Recién en el año siguiente pudieron concretar la idea de este grupo con el ingreso de Pires, siendo así que el año 2015 marcó un proceso de intensificación de los ensayos y, sobre todo, la grabación del primer disco “Rascunho”, publicado en 2016. Fue en el año siguiente que el trío llamó realmente la atención con la publicación de su segundo álbum, llamado como el grupo mismo: su propuesta de prog sinfónico fiel a las tradiciones europeas mientras traza algunas conexiones estilísticas con el retro-prog del nuevo milenio fue bien recibida en blogs y fanzines virtuales. Pues bien, “III” reafirma ese momentum con una nueva serie de composiciones efectivas y vibrantes que se llevan a cabo con gran solvencia performativa; veamos ahora los detalles de su repertorio.

Con un esplendor frontal abre el disco el tema titulado ‘Bússola Do Tempo’, un esplendor que efectivamente se explaya con solvente expresionismo dentro de una cruza entre los GENESIS de 1976 y los PREMIATA FORNERIA MARCONI de 1974, añadiendo algunos grooves compactos al estilo de RARE BIRD, además de ciertos matices retro al modo de unos WOBBLER. Los llamativos desarrollos temáticos y el permanentemente ágil swing sobre los que éstos se asientan son bazas seguras para gestar esta apertura tan atractiva del álbum. El segundo tema del disco capitaliza la herencia sónica de la pieza de apertura y se titula ‘Castelos De Céu’. Su enfoque consiste en una estrategia doble de enfatizar el dinamismo preciosista sinfónico y añadir elementos jazz-rockeros a varios pasajes de la ingeniería rítmica en curso. Los ornamentos y solos de los teclados se sitúan a medio camino entre el refinamiento romántico de un Tony Banks y el barroquismo suntuoso de un Rick Wakeman. Por su parte, la batería da rienda suelta a una vitalidad sofisticada. Las reminiscencias de la leyenda compatriota SOM NOSSO DE CADA DIA son fáciles de advertir, así como algunos factores Yessianos de la etapa 71-72. En líneas generales, tenemos aquí un primer momento culminante del repertorio de “III”. Cuando llega el turno de ‘Sonhos Medievais’, pieza que dura poco menos de 8 minutos, el trío se proyecta hacia un incremento del señorío prog-sinfónico en torno al cual gira el eje estilístico de la banda. Aplicando tonalidades más fastuosas que en cualquiera de los dos temas precedentes y elaborando recursos moderadamente más filudos, el trío se siente cómodo volando como lo hace a lo largo del trayecto multitemático creado para la ocasión. Este trayecto crea un espacio intermedio entre los YES de 1972 y el filtro Emersoniano de los TRIUMVIRAT de 1974. ‘Mandala’ encarna un momento de espiritualidad contemplativa en base a la serenidad inherente a su estructura melódica. Los serenos fraseos del órgano y las inmensas capas del mellotrón se conjugan con impoluta fluidez; mientras tanto, algunas líneas del bajo realzan eficazmente las cadencias iniciadas por la batería. La breve coda entusiasta nos toma por sorpresa gratamente, es un simpático final para un tema particularmente estupendo.

‘Cruz Da Ordem’ es la pieza más extensa del álbum con su espacio de 10 ¼ minutos. Unas ceremoniosas capas de mellotrón arman un prólogo que no tarda mucho en abrir el camino a un enérgico cuerpo temático que retoma las mismas influencias que se hicieron sentir en los temas #2 y #3. Un poco más adelante, el trío gesta un motif solemne al estilo de PINK FLOYD y ELOY, haciendo que la presencia dominante de los teclados le dé al bloque sonoro un talante etéreo. Alrededor de la frontera del séptimo minuto, el grupo regresa a su faceta enérgica con una dosis extra de musculatura en los sucesivos solos de sintetizador y órgano. El trío ha sacado muy buen provecho a su espacio de trabajo. ‘Ciclos’ se focaliza en la faceta más sosegada e introspectiva del grupo, aunque apelando a varios recursos de vigor sonoro reflejados ya en varios temas precedentes (especialmente, el inmediatamente anterior). La última pieza del repertorio es ‘Filtro Dos Sonhos’, la cual se centra en un nuevo ejercicio de mescolanza de los legados de YES, PFM y GENESIS, haciendo que las variadas alternancias entre los pasajes extrovertidos y los ceremoniosos se conecten con total naturalidad. Una vez más, resulta muy eficaz el bajo en esos parajes donde decide acicalar las claves melódicas y las armonías de los teclados. Es entre los minutos cuarto y sexto de este tema que Rodrigues gesta los más electrizantes solos de sintetizador de todo el álbum. Como balance final, declaramos a “III” como un estupendo triunfo musical del trío CARAVELA ESCARLATE, lo cual significa que está garantizado el refuerzo de su buen nombre dentro del actual escenario del rock progresivo sinfónico. Definitivamente, este grupo brasileño ha puesto en claro que dejó de ser una promesa para elevarse al status propio de los jóvenes veteranos. Otro gran álbum que nos ha dejado el primer mes del año 2023.

Muestras de “III”.-

Castelos De Céu: https://caravelaescarlate.bandcamp.com/track/castelos-do-c-u

Cruz Da Ordem: https://caravelaescarlate.bandcamp.com/track/cruz-da-ordem

Filtro Dos Sonhos: https://caravelaescarlate.bandcamp.com/track/filtro-dos-sonhos

Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

Programa #325 - The Aaron Clift Experiment

 

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 325 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión dedicada por completo al grupo estadounidense de prog The Aaron Clift Experiment, donde además de apreciar su más reciente trabajo en estudio The Age of Misinformation, tuvimos una amena charla con su líder y fundador: el músico Aaron Clift.

Agradecemos la colaboración especial de Liliana Camacho en la traducción de la entrevista.

Podcast:

Lista de canciones:

The Age of Misinformation - Artista The Aaron Clift Experiment, disco The Age of Misinformation

Málaga - Artista The Aaron Clift Experiment, disco The Age of Misinformation

Bet on Zero - Artista The Aaron Clift Experiment, disco The Age of Misinformation

L.I.A.R. - Artista The Aaron Clift Experiment, disco The Age of Misinformation

Rise - Artista The Aaron Clift Experiment, disco The Age of Misinformation

Ficha técnica:

Fecha de publicación: 27/febrero/2023

Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)

Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech

Traducción: Liliana Camacho

Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos, texanamente progresivos!

Renaissance - 50th Anniversary: Ashes Are Burning – An Anthology: Live In Concert With The Renaissance Chamber Orchestra

 

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos un ítem fonográfico muy especial que fue publicado por el sello Esoteric Antenna en la segunda mitad de abril del pasado año 2021 en formato de doble CD + DVD: se trata de “50th Anniversary: Ashes Are Burning – An Anthology: Live In Concert With The Renaissance Chamber Orchestra”, el cual recoge un concierto que realizó la renacida banda británica RENAISSANCE para conmemorar, tal como dice el título, el quincuagésimo aniversario de su fundación. El concierto en cuestión tuvo lugar en el Keswick Theatre, Glenside, Philadelphia, el 12 de octubre de 2019, un año y medio antes de la publicación de este ítem. Dado que RENAISSANCE, durante su época de mayor pegada comercial, tuvo más recepción en los escenarios estadounidense, era lógico que la celebración de esta efemérides tuviese lugar en este país. La alineación de RENAISSANCE que actúa aquí está integrada por su frontwoman histórica Annie Haslam [voz], Mark Lambert [guitarras y coros], Rave Tesar [teclados y dirección musical], Geoffrey Langley [teclados y coros], Leo Traversa [bajo y coros] y Charles Descarfino [batería, percusión y coros]. También se hace presente la Renaissance Chamber Orchestra, la misma que está conformada por Won Allen (flautas y clarinetes), Bob Magnuson (oboe, corno inglés, flauta y clarinete), Vinnie Cutro (trompeta y fliscorno), Bobby Ferrel (trombón), Joe Deninzon (violín), Eddie Venegas (violín), Orlando Wells (viola) y Leo Grinhauz (cello). Además, aparece un miembro fundador de la banda en dos canciones: Jim McCarty... más detalles luego. Por lo pronto, hagamos un poco de historia reciente de esta importantísima entidad para la tradición progresiva británica desde fines de los 60s. Tras una primera intentona en el año 2000 con el álbum “Tuscany”, Annie Haslam y Michael Dunford (guitarrista y principal compositor del grupo desde los tiempos del tercer disco “Prologe”), volvieron a unir fuerzas a inicios de la segunda década del nuevo milenio para crear un disco de retorno con un nuevo empuje para la reactivación de RENAISSANCE: el disco concluido se llama “Grandine Il Vento” y fue publicado en edición limitada en mayo de 2013, pero mientras se estaba finiquitando la postproducción del disco en cuestión, Dunford falleció (20 de noviembre de 2012). A pesar de esta fatalidad, Haslam y el teclista Rave Tesar (una persona muy importante para el armazón sonoro del actual RENAISSANCE) reorganizaron a la agrupación y, de paso, prepararon una reedición del nuevo disco bajo el título de “Symphony Of Light”, el primer tema del mismo. Con un nuevo ítem fonográfico en el mercado y unas ganas enormes de rendir tributo a Dunford, Haslam, Tesar y co. emprendieron algunas series de conciertos para mantener viva la llama nueva. Así las cosas, en algún momento, tenía que llegar el año 2019, que es el del aniversario #50 del disco debut “Renaissance” (también llamado “Kings And Queens”), publicado en diciembre de 1969. Esto tenía que ser celebrado por todo lo alto.

Veamos ahora el repertorio de concierto aquí registrado. El evento comienza con la deliciosa dupla de ‘Carpet Of The Sun’ y ‘Ocean Gypsy’, dos de las muchas canciones definitorias de la leyenda inmortal de RENAISSANCE: la primera de ellas destila un candor pastoral que se explaya a través de un fineza melódica entrañable, mientras que la segunda se adentra en un terreno más majestuoso en medio de las vibraciones dramáticas que se generan a partir del cósmicamente perpetuo desencuentro entre el sol y la luna. Eso sí, la majestuosidad abierta y directa se eleva hacia un fulgor hermosamente suntuoso cuando el grupo se embarca en sus composiciones más extensas, y la primera demostración de ello se da cuando llega el turno de ‘Running Hard’, la excelente pieza que abre el álbum de 1974 “Turn Of The Cards” (el mismo que inició la trilogía climática que se completa con “Scheherazade And Other Songs” y “Novella”). Así las cosas, el impulso creativo del ensamble y la vitalidad compartida con el público se asientan con firmeza. Tras el despliegue de bucólica ceremoniosidad del cantico anti-capitalista ‘Midas Man’ llega el turno de ‘Symphony Of Light’, una canción muy acorde con la faceta más pomposa de la banda que se inspira en la belleza de los cuadros del maestro LEONARDO DA VINCI. La propia Annie Haslam le menciona como uno de sus pintores favoritos. Tanto esta pieza como ‘The Mystic And The Muse’ (que aparece en el segundo volumen) forman parte de “Grandine Il Vento”, el disco de retorno que se gestó en 2013 en torno a Michael Dunford y Anne Haslam junto a nuevos compañeros instrumentistas y que mencionamos antes. La presencia de estas dos canciones refleja la valía que ellas tienen para afirmar la legitimidad estética de esta idea de unos RENAISSANCE renacidos. Claro está, en el caso particular de ‘Symphony Of Light’, que dura alrededor de 12 minutos, tenemos un nuevo ejemplo de conexiones multitemáticas que se concretan en una elocuente suite progresiva donde el grupo y la orquesta se hermanan para dar un trasfondo ampuloso al magnífico canto de Haslam. La otra canción es un raro pero excelente ejemplo de manejo de variables melódicas densas e inquietantes. En las instancias actuales de la carrera de RENAISSANCE, Annie se hace cargo de las letras.

Una de las más agradables sorpresas del repertorio escogido para esta ilustre ocasión es el espacio que se brinda para “A Song For All Seasons”: tres canciones son tomadas de allí para la segunda parte del evento, la sublime dupla de ‘Opening Out’ y ‘Day Of The Dreamer’ más la épica canción titular. Este álbum de 1978 es percibido como el último que aún preserva el cénit estilístico del paradigma estilístico de RENAISSANCE al recibir los ecos musicales de los cuatro álbumes precedentes. Definitivamente, estas tres canciones pueden demostrar esta noción bajo el calor impulsor de la actuación que tuvo lugar aquí, además de la prestancia esencial de sus desarrollos multitemáticos, transitando fluidamente entre lo grave y lo luminoso en medio de un colorido que se regocija en su propia abundancia. Otra agradable sorpresa – a la que ya aludimos más arriba – es la presencia de un integrante fundador de la banda, el baterista-percusionista y compositor Jim McCarty para dos canciones, tocando ahora la segunda guitarra acústica y haciendo coros. La primera de esas canciones es ‘Island’, extraída del homónimo álbum debut de 1969 y que la propia Annie cantó como parte de su exitosa audición para entrar a la banda el 1 de enero de 1971 (y todo ello mientras aún no se publicaba el segundo disco grabado por la alineación original de RENAISSANCE).* La segunda es la infaltable y extensa coda ‘Ashes Are Burning’, que, con los espacios que abre para los diferentes solos, también permite a Mark Lambert lucirse por única vez a la guitarra eléctrica. Mientras tanto, la presencia de McCarty hace que esta canción simbolice la fusión de las dos grandes épocas del grupo, la de 1969-71 y la de 1972-78. No hay mejor manera de terminar el concierto que ésta, con una canción que comienza con una sucesión de solemnes estructuras melódicas y termina con una vibrante soltura que se extiende sin que nadie, en medio de la gozosa camaradería, quiera que termine.

Bueno, vamos terminando esta reseña señalando que el personal de RENAISSANCE sigue activo; de hecho, el grupo realizó varios conciertos a lo largo del año 2022 – incluyendo unos donde compartían cartel con CURVED AIR, que también fue reactivado hace unos años por su frontwoman Sonja Kristina – bajo la nomenclatura de Renaissance: The Legacy Tour 2022, en celebración de los 75 años de Haslam. Por nuestra parte, este registro en vivo nos demuestra que, junto a la capacidad de los nuevos músicos de dar nueva vida al legado de sus antecesores, existe todavía una solvente capacidad performativa en la radiante Annie haslam, independientemente de que en algunos momentos se le note, como es natural, el paso de los años y las décadas. Finalmente, dedicamos esta reseña a las respectivas memorias de los grandes personajes que aportaron grandes cosas a la leyenda de RENAISSANCE y que ya no están entre nosotros: Keith Relf († 1976), Betty Thatcher († 2011), Michael Dunford († 2012) y John Tout († 2015).

Muestras de “50th Anniversary: Ashes Are Burning – An Anthology: Live In Concert With The Renaissance Chamber Orchestra”.-
Running Hard: https://www.youtube.com/watch?v=Vc_Y7sWbob0
Symphony Of Light: https://www.youtube.com/watch?v=X2Ttr9EYteM
A Song For All Seasons: https://www.youtube.com/watch?v=FCuCZQaUWNU
Ashes Are Burning: https://www.youtube.com/watch?v=pIt2UrzQC6s

* Como anécdota relevante, resulta que McCarty y Keith Relf, el otro compositor de la primera etapa del grupo, mientras estaban coordinando el nuevo camino de RENAISSANCE previamente a la salida definitiva de ambos, atestiguaron esa audición de Haslam y ambos quedaron, como puede suponerse, altamente impresionados por su rango vocal y su carisma.

Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

Programa #324 - Cerca de la Orilla en radio Asunción FM 98.1

 

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 324 de Cerca de la Orilla.

En esta ocasión con un episodio distinto a lo habitual, en donde la producción de Cerca de la Orilla estuvo charlando progresivamente en la estación de radio mexicana Asunción FM 98.1 sobre lo que ha sido este proyecto podcastero a lo largo de todos estos años. Además de disfrutar gran material musical de Alpha Lighting System, Aisles, La Secuela, Art Velmor y The Flying Caravan.

Agradecemos la invitación de César Santiago para participar en su estacion.

Podcast:

Lista de canciones:

Takeoff - Artista Art Velmor, disco 36000ft

Columna de pez - Artista La Secuela, disco Teleprompter

Alisson - Artista Alpha Lighting System, disco H+

Get Real - Artista The Flying Caravan, disco I Just Wanna Break Even

Revolution of Light - Artista Aisles, disco In Sudden Walks

Ficha técnica:
Fecha de transmisión: 26/enero/2023
Horario: 20:00 hrs. Centro de México
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

Locución y produccion en radio Asunción FM 98.1: César Santiago


¡Saludos progresivos!