lunes, 23 de mayo de 2022

THE LIGHT IN THE OCEAN y su tercer sueño progresivo

The Light in the Ocean - Deep Reef Dream

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el placer de presentar el nuevo disco del grupo estadounidense THE LIGHT IN THE OCEAN, el tercero en su haber, siendo así que el grupo está conformado por el cuarteto de Jared Emery [guitarras, saxofón, sintetizador y voz], Jacob Ewert [batería, percusión, piano y voz], Chris Lyons [bajo, trompeta, sintetizador y voz] y Stephen Decker [violines]. Este tercer disco en cuestión se titula “Deep Reef Dream” y fue publicado el 15 de abril pasado, sucediendo por poco menos de dos años a “The Pseudo​-​Scientific Study of Oceanic Neo​-​Cryptid Zoology”, el cual brindó grandes réditos a la banda mientras ésta pasaba por una crisis de personal. Ahora, con alineación reformada y constante (al menos, hasta ahora), el ensamble puede presumir de tener un esquema sonoro más lleno con los ingresos de Lyons y Decker. El disco que ahora reseñamos se empezó a gestar y grabar durante los primeros meses de distanciamiento social sistemático. Mientras se iban acumulando las canciones de este nuevo álbum, éstas se iban grabando bajo la supervisión del ingeniero de sonido Chris Johnson, quien también se hizo cargo de la mezcla y la producción; la masterización ulterior estuvo a cargo de Bruce Templeton. Vayamos ahora a los detalles del repertorio contenido en “Deep Reef Dream”.

The Light in the Ocean

‘Things Inside’ inaugura el repertorio instaurando un groove que es bastante optimista y grácil a la vez, muy metido en el paradigma Yessiano con algunas instancias paralelas a las de sus compatriotas de FARMHOUSE ODYSSEY y los RUSH de la fase 1993-96; respecto a lo último, ello supone el impacto de cierto filo sonoro en algunos lugares estratégicos dentro del paraje general que delinea la serie de riffs. El siguiente tema se titula ‘Parthenon’ y exhibe, en su espacio poco menos de 3 minutos y medio, un vuelo instrumental ceremonioso donde, en buena parte, se desarrolla una prolongación del groove general de la pieza de apertura, pero esta vez, con una espiritualidad más ceremoniosa. Hay elementos de KANSAS y HAPPY THE MAN que se insertan dentro del persistente modelo Yessiano. La tercera pieza es ‘Tijuana Sunset’ y dura poco menos de 4 minutos, siendo su misión la de imponer un señorío aguerrido y contundente dentro de una bien estilizada cruza de space-rock, sinfonismo y jazz-rock. Definitivamente, el cuarteto está determinado a avivar su propuesta sonora con un dinamismo llamativo y razonablemente sofisticado. La batería sabe hacerse notar en medio de este rico entramado sonoro que está convenientemente delineado por las interacciones entre el sintetizador, el violín, los vientos y la guitarra. Dicho sea de paso, tenemos aquí uno de los solos de guitarra más impresionantes del repertorio. ‘Smee’ consiste en una relativamente breve expansión de climas misteriosos cósmicos, lo cual abre camino al arribo de ‘Psyclops’, una canción estilizadamente potente que se sitúa a medio camino entre el legado de los primeros álbumes de WISHBONE ASH y el paradigma de RESISTOR, con la adición de algunos matices prog-metaleros al estilo de TILES. La dupla de la miniatura ‘Underwater Cigarettes’ y ‘Deep Reef Dream’ permite a la gente de TLITO expandir su paleta sonora. Todo comienza con una descendente escala de piano de tenor romántico que se va hundiendo dentro de un clima cinematográfico, algo que abre vía a la canción homónima para que nos muestre una combinación de climas intimistas de tenor neo-prog (al modo de una cruza entre KARMAMOI y FROST) y jazz-rock con comedidos matices ambient. La solidez de la arquitectura melódica es la clave del magnetismo peculiar de esta pieza que se aparta notoriamente de los variados recursos de exuberancia y vigor expresivo que habían signado a las piezas precedentes.

‘Mr. Pippy’ es un breve instrumental que ostenta una calidez flotante y ensoñadora, lo cual contrasta abiertamente con la espiritualidad expresiva de ‘Big Reef’, el ítem más extenso del repertorio con sus 8 minutos y medio de duración, y que también trae su instancia final. La enérgica intrepidez y la contundente musculatura del compás que sostiene al cuerpo principal no se presta a confusiones. Tenemos aquí un ejercicio de prog-metal melódico que explora a fondo los territorios anteriormente señalados en ‘Psyclops’: notamos nuevamente algunas afinidades con TILES. En el último tercio, emerge un pasaje más calmado donde la soltura atmosférica permite el lucimiento paralelo del saxofón y el violín, siendo así que el asunto termina virando hacia la dimensión space-rockera (un poco a lo MOTORPSYCHO). Con este viraje que nos toma totalmente por sorpresa, el disco nos dice adiós exhibiendo tonalidades oníricas mientras el fade-out hace que la canción aterrice en el valle del silencio. Todo esto fue “Deep Reef Dream”, un disco poderoso y llamativo que nos pone al tanto de la nueva vitalidad creativa que tiene el colectivo de THE LIGHT IN THE OCEAN. Este grupo afincado en Mineápolis, Minnesota, está bien encaminado dentro de su gradual posicionamiento dentro de la élite progresiva estadounidense de los últimos años.



Muestras de “Deep Reef Dream”.-


Más reseña de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

domingo, 15 de mayo de 2022

Programa #312 - Lo mejor del rock progresivo 2021 (segunda parte)

 Steve Hackett - Surrender of Silence

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 312 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con el segundo, de cinco programas, dedicados por entero a lo más destacado en el rock progresivo durante el 2021. Disfruta gran material de Mahogany Frog, Leprous, The Emerald Dawn, Fleesh, Steve Hackett y Between the Buried and Me.

Agradecemos la participación especial de Andrea Selene para esta serie de programas.

Podcast:


Lista de canciones:

Running Low - Artista Leprous, disco Aphelion

Shanghai to Samarkand - Artista Steve Hackett, disco Surrender of Silence

No Rewind - Artista Fleesh, disco Eclipsed

Octavio (Including: The Ascension of the Moonrise Children) - Artista Mahogany Frog, disco In The Electric Universe

Fix The Error - Artista Between the Buried and Me, disco Colors II

The Awakening - Artista The Emerald Dawn, disco To Touch the Sky


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 15/mayo/2022
Locución: Andrea Selene
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Burn Again de Zózimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Muchos saludos progresivos sinfónicos!

lunes, 2 de mayo de 2022

ASCETA: la altura del chamber-rock en la vanguardia progresiva chilena de hoy

Asceta - Asceta

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CESAR INCA.

Hoy tenemos el enorme placer de presentar al ensamble avant-progresivo chileno ASCETA y su disco debut homónimo, el cual fue publicado a inicios del presente año 2022 por el sello mexicano Azafrán Media (con la colaboración de Musea Records). La alineación de ASCETA consiste en Alfonso Vergara [clarinete], Efra Vidal [fagot], Eduardo Rubio [bajo eléctrico y contrabajo], Christian Peralta [cello], Leonardo Saavedra [batería y percusión], Arianne Guerra [violín], Oscar Pizarro [pianos acústico y eléctrico] y Rodrigo Maccioni [guitarras eléctrica, acústicas de 6 y 12 cuerdas, flauta y sintetizadores]. Este último, Maccioni, se hace cargo de todas las composiciones y de la dirección musical del grupo. Si nos suena de algo su nombre es porque se trata de uno de los integrantes de esa fabulosa banda llamada ÁBRETE GANDUL. Si hacemos un poco de memoria, el hasta ahora último disco de ÁBRETE GANDUL “Referencias Circulares” (publicado en 2018) significó una incursión en elementos de corte RIO que eran novedosos para la susodicha banda, ahora, en este disco “Asceta”, Maccioni y el resto de este nuevo grupo se dedica a explorar a fondo los legados del chamber-rock continental de bandas como UNIVERS ZERO, ART ZOYD y PRESENT, además de tener algunas conexiones con otros grupos más cercanos como el mexicano ARTERIA, el argentino ORQUESTA METAFÍSICA y el estadounidense FAR CORNER. Estas conexiones se hacen notar especialmente en la agilidad sonora que invade a varias instancias del disco. La musa vanguardista de Maccioni se reveló a lo largo del año 2020, y el repertorio concreto se grabó y mezcló en los Estudios Paraíso de Santiago de Chile, entre el 2 de junio y el 30 de agosto de 2021. Más adelante, la masterización fue realizada por el prestigioso ingeniero de sonido Udi Koomran en Tel Aviv. Este señor tiene un amplio currículum como ingeniero y músico colaborador para bandas como PRESENT, GONG, 5UU’S, SOFT MACHINE, YUGEN, INNER EAR BRIGADE, ACCORDO DEI CONTRARI, PANZERPAPPA, ORPHANED LAND y un largo etcétera. Como dato curioso, el nombre de este ensamble proviene de un juego de palabras con las letras a y z, como se nota en su logo, y no de algún ideario místico.

Integrantes del grupo chileno Asceta

Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Asceta”. El inicio del álbum se da con ‘Fobia’, tema que dura 8 ¾ minutos, erigiéndose como el más extenso del mismo. Comenzando con un prólogo minimalista impulsado por un empuje misterioso y tétrico, más adelante entra a tallar el ensamble entero para desplegar un motif más expresionista donde opera un colorido arcano y moderadamente inquietante, no exento de cristalina delicadeza en algunos pasajes estratégicos. Los juegos de síncopas que predominan en la ingeniería rítmica permiten a la fastuosidad reinante dejarse envolver por una gracilidad muy peculiar. También hay un interludio nebuloso que permite a la dimensión fastuosa de la pieza coger un nuevo brío para la siguiente exhibición de colorido sónico. Todo termina con un epílogo de claro talante mortuorio. Con la dupla de ‘Virusmosis’ y ‘Gigantes Microscópicos’, el ensamble sigue afinando su paleta sonora. La primera de estas piezas mencionadas se enmarca dentro de un dinamismo particularmente ágil desde el cual se desarrolla una serie de esbozos razonablemente saltarines, casi diríamos celebratorios. En cuanto a ‘Gigantes Microscópicos’, éste se encarga de revisar los aspectos más extrovertidos de la pieza inaugural para remodelarlos con una dosis mayor de solemnidad. Esta vez, el aura de distinción reemplaza a las vibraciones nebulosas que habían predominado en ‘Fobia’. ‘Los De Afuera’ es el cuarto tema del álbum y encarna uno de los cénit decisivos del mismo. Desde el mismo punto de partida se destaca un manejo meticulosamente sofisticado de las interacciones entre los diversos instrumentos, así como la convicción para armar una ingeniería rítmica que sepa transmitir oscilaciones gráciles mientras instaura su propia trama compleja. Los pasajes marcados por una cierta suntuosidad luminosa son mayoritarios, asociándose con otros pasajes moderadamente oscuros con perfecta fluidez. ‘Ameba’ sigue, en buena medida, el sendero suntuoso y vivaz de la pieza precedente, tal vez con una dosis de musculatura expresiva un poco mayor. No falta el paraje sutil epilogar que añade un oportuno toque de variedad al asunto.

Asceta - Asceta

‘Movimiento Estático’ comienza con una atmósfera abstracta que nos hace sospechar que tenemos frente a nosotros un ejercicio de dinamismos oscurantistas, pero, en realidad, tenemos aquí la pieza más cálida del álbum. Su envolvente lirismo destila una aureola evocadora que se siente cautivadora en grandes proporciones. El final del álbum llega de la mano de ‘Sistemas Alterados’, un tema empieza explorando atmósferas oscurantistas a las que se añade un talante melancólico, para luego virar hacia un groove extrovertido de tenor jazz-progresivo. Este nuevo vitalismo es manejado con rigor arquitectónico desde el encuadre general, pero el vitalismo expresivo se advierte claramente en los matices y melodías que aportan las maderas y el violín, principalmente. El epílogo se centra en un breve juego de tensiones que completa ingeniosamente el ya predominante fulgor musical. En conclusión, los nombres del grupo ASCETA y del disco “Asceta” deben ser escritos con letras doradas en el calendario de publicaciones progresivas del año 2022: Rodrigo Maccioni y sus compañeros de viaje se han lucido a lo grande con este repertorio que dura 44 minutos y pico. Desde Chile se proyecta al mundo este excelente catálogo de chamber-rock revitalizado para nuestros tempos, un catálogo totalmente recomendable para cualquier fonoteca dedicada al rock progresivo y experimental. De lo mejor que se nos ha brindado desde tierras sudamericanas para el actual escenario progresivo mundial en lo que va del año 2022.



Muestra de “Asceta”.-


Más reseña de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

lunes, 25 de abril de 2022

Programa #311 - Lo mejor del rock progresivo 2021 (primera parte)

 Transatlantic - The Absolute Universe: The Breath Of Life (Abridged Version)

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 311 de Cerca de la Orilla.

Con esta emisión empezamos el primero, de cinco programas, dedicados por entero a lo más destacado en el rock progresivo durante el 2021. Disfruta gran material de Dave Bainbridge, Mastodon, Transatlantic, Accordo dei Contrari, Art Velmor y Soen.

Agradecemos la participación especial de Andrea Selene para esta serie de programas.

Podcast: 


Lista de canciones:

Overture - Artista Transatlantic, disco The Absolute Universe: The Breath Of Life (Abridged Version)

Reaching for the Sky - Artista Transatlantic, disco The Absolute Universe: The Breath Of Life (Abridged Version)

Dissident - Artista Soen, disco Imperial

Girl And The Magical Sky - Artista Dave Bainbridge, disco To The Far Away

Turbulence - Artista Art Velmor, disco 36000ft

Gobblers of Dregs - Artista Mastodon, disco Hushed And Grim

Tergeste - Artista Accordo dei Contrari, disco UR-


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 25/abril/2022
Locución: Andrea Selene
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Burn Again de Zózimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Progresivos saludos a todos!

viernes, 15 de abril de 2022

Hiromi Uehara en Guadalajara

Hiromi Uehara en México 2022

10 de abril 2022 
Conjunto de Artes Santander
Zapopan, Jalisco, México

Por: Javo Aguirre

Después de más de ¡dos años! (c&@$#/° pandemia) por fin volvía a ir a un concierto, y que mejor que reanudar esta sana y maravillosa actividad que viendo a la virtuosa pianista Hiromi Uehara, con esa fabulosa propuesta que ofrece de jazz rock, fusión, rock progresivo y música académica. Y a quien por cierto podemos decir que “todo el mundo la vio” el año pasado, ya que tocó en la inauguración de los Juegos Olímpicos Tokyo 2020.

No era la primera ocasión que tenía oportunidad de ver a esta talentosa japonesa, ya en el 2015 ella había pisado tierras tapatías, aunque fue bajo su proyecto The Trio Project, acompañada de Anthony Jackson en bajo y Simon Phillips en batería; conciertazo que dio aquella vez. En esta ocasión Hiromi venía de manera solista como tal y enfocándose de lleno en su disco Spectrum del 2019, el segundo (el primero fue Place to Be del 2009) en donde ella no está acompañada de otros músicos.

Arribando al recinto, público treintañero para arriba en su mayoría, más o menos la misma cantidad de mujeres que de hombres. Poco a poco la gente, con su obligatorio cubrebocas, fue ingresando a la sala mientras una voz femenina anunciaba las “primera llamada”, “segunda llamada”... mientras en el escenario, bajo una tenue iluminación morada, estaba el solitario piano de cola, expectante a lo que se vendría poco después.

Bastante adecuado el Conjunto de Artes Santander para una tocada de esta categoría, si bien ya había podido asistir a un par de eventos a este lugar (hay incluso cines), nunca había entrado a una de sus salas de conciertos. En esta caso fue la Sala 2, con un capacidad para poco más de 900 espectadores y aun cuando me tocó en la parte de arriba y un poco de lado, la visibilidad y el sonido fueron bastante buenos.

Pasadas las 19:00 h, con el aforo de la Sala 2 a un 80% de capacidad, aparece en escena la maravillosa y talentosísima Hiromi Uehara.

Sin decir palabra alguna, la oriunda de Hamamatsu se sienta, se toma un par de segundos, prueba un par de teclas y da comienzo “la magia” con la progresiva "Kaleidoscope", monumental rola que abre el Spectrum y que ya dejaba muy claro la capacidad interpretativa de Hiromi; aplausos y vítores después de tan buena apertura. Apenas termina esta canción y se viene la más jazzera "Yellow Wurlitzer Blues", después de esta pieza y sus consabidos aplausos, Hiromi Uehara por primera vez se dirige a la audiencia, y saludando en español menciona que la da mucho gusto estar de vuelta en Guadalajara, después (aunque ya en inglés) explica que el disco Spectrum está regido bajo el concepto de los colores, donde cada canción representa un color diferente, y que de hecho esta gira estaba planeada desde el 2019, pero por los motivos que todos sabemos del COVID ya no pudo ser posible.

Poco a poco fueron desfilando varias canciones del Spectrum, donde Hiromi Uehara sacaba a relucir toda su capacidad interpretativa, haciendo ver como si fuera fácil tocar las dificilísimas y virtuosas secuencias que interpretaba con el piano.

Hiromi Uehara en Guadalajara 2022
Hiromi Uehara  por segunda vez en Guadalajara

La puesta en escena era sobria, con un fondo grande iluminando según el color de la canción correspondiente, con una Hiromi Uehara entregada a su instrumento, donde parecía que por momentos ella estaba en un plano distinto de realidad mientras nosotros teníamos el privilegio de asomarnos a aquella dimensión de belleza musical.

El momento cumbre llegó con los más de ¡20 minutos! de la pieza "Rhapsody in Various Shades of Blue", canción que, como la misma Hiromi explicó a la audiencia, es una reinterpretación de la pieza "Rhapsody in Blue" del compositor americano George Gershwin, aunque también hay partes de John Coltrane y hasta del grupo británico The Who.

Termina esta épica pieza, aplausos, vítores y más aplausos, Hiromi Uehara se retira, aunque todos sabemos que se viene el encore. La japonesa regresa al escenario para una última pieza, donde se vino uno de los momentos de más interacción con la audiencia, ya que el público empezó a acompañar a Hiromi con aplausos, ella entró en el mismo juego ya que mientras ella tocaba una secuencia en el piano, el público respondía con aplausos esa misma secuencia, ella volvía a tocar otra secuencia y el público volvía a responder de la misma forma, y así esta divertida dinámica se prolongó durante varios minutos.

Termina ahora sí el concierto, y con el público de pie aplaudiendo, Hiromi Uehara se retira (aunque de hecho volvió a tocar brevemente el piano como despedida) dando por finalizado este genial recital.

No fue una tocada muy larga, unos 80 minutos, pero fue de muy muy alta calidad y con gran calidad de audio. Un concierto algo distinto a la primera vez que vi a Hiromi ya que como mencioné, aquella vez sí estaba acompañado de bajo y batería y ahora fue ella sola y su piano, lo que en cierta forma acentuó todavía más su virtuosismo y poderío en el escenario.

Hiromi Uehara en Guadalajara 2022
Foto tomada de: Facebook oficial de Hiromi Uehara

Gran concierto… y todavía más porque personalmente ya me hacía falta escuchar música en vivo y en directo, gracias Hiromi Uehara 😀🙌🎹

¡Saludos prog jazzeros nipones!



Interpretación de "Kaleidoscope":

Nota del evento:

Set list:

lunes, 28 de marzo de 2022

CODY CARPENTER: un equilibrio jazz-progresivo para el año 2022

 Cody Carpenter - Balance of Extremes

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el placer de presentar el nuevo trabajo fonográfico del teclista y compositor estadounidense CODY CARPENTER, el cual fue publicado el pasado 7 de enero bajo el sugerente título de “Balance of Extremes”. Para este disco, CARPENTER contó con el apoyo del guitarrista Marco Sfogli, el bajista Jimmy Haslip y el baterista Gergő Borlai; Haslip es, además, coproductor de este álbum junto al propio CARPENTER. Los procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de John Spiker, mientras que la portada, al igual que en otras ocasiones previas, fue realizada por Nobokatsu Mizoguchi. En este nuevo disco, CARPENTER sigue explorando su gusto por combinar la elegante energía del jazz-rock y la estilización preciosista del prog sinfónico, dando cierta prioridad al primero de estos ítems a la hora de articular las creaciones y arreglos musicales. Bueno, de algo es indicativo el hecho de que Hasli haya sido parte no solo de la banda de apoyo sino también del proceso de producción. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio de “Balance of Extremes”.

‘Hold On’ abre el álbum con un empuje ágil y vital que se sustenta, en buena medida, sobre el llamativo groove que sostiene al armazón sonoro, un groove vivaz que sabe ornamentarse en algunas instancias estratégicas. Los diálogos y traslapamientos de sintetizador y guitarra mantienen solventemente el magnetismo virtuoso de la pieza. Atención del oyente garantizada. Luego sigue ‘Floating With You’, una pieza refinadamente lírica que nos remite al paradigma de JORDAN RUDESS (y posiblemente, también al de los LIQUID TENSION EXPERIMENT), haciendo gala de su señorío esencial a través de cada poro sonoro. La batería resuelve el relativamente sosegado swing con una enérgica sofisticación. Al fin y al cabo, tenemos aquí un cénit del álbum. La dupla de ‘Junk’ y ‘Dancer’ permite al ensamble seguir explorando matices dentro de su enfoque estético. En el caso del primero de estos temas mencionados, opera una parsimonia de apariencia reflexiva donde el punche rockero se asiente sobre una cadencia autoconstreñida; en su segunda parte, el posicionamiento del piano en primer plano hace que todo vire hacia una ambientación introspectiva, la cual concluye con una orquestación cósmica de sintetizadores. En cuanto al segundo de estos temas, su enfoque es el de retomar el talante general de la primera pieza con un aura más sofisticada, la cual se sitúa bajo las coordenadas de unos PLANET X; o sea, un despliegue de jazz-prog con tintes prog-metaleros. Con el arribo de ‘Self-Hatred’, vuelve a darse rienda suelta a su faceta más extrovertida, pero esta vez hay un complejo encuadre rítmico donde los juegos con las síncopas se desarrollan con pulcrísima eficiencia. Además, hay un enfoque electrónico en el modo en que los teclados se hacen cargo del mando de la pieza en cuestión. ‘Vitality’ destila una fastuosidad cautivadora y envolvente que no en poca medida recibe el impacto de ‘Floating With You’ en cuanto al refinamiento melódico, pero, sin duda, hay una dosis mucho mayor de señorío típicamente progresivo en la arquitectura sónica y en el modo en que se desenvuelve el desarrollo temático. Otro cénit indiscutible del repertorio.

‘Cute Little Living Things’ es un tema alegre cuya sobria vivacidad rítmica va muy a tono con el patrón jazz-rockero de CHICK COREA en los 80s. ‘Crystal Hell’, por su parte, elabora una vibrante reactivación de los elementos más extrovertidos y fulgurosos del ideario musical de CARPENTER, apelando a un gancho sofisticado y bien perfilado. La miniatura ‘Transfer’ consiste en una serie de orquestaciones sosegadas donde se ostenta una espiritualidad relajada y contemplativa. Así las cosas, ‘Uncontrollable Rage’ pone la cuota de abierto contraste al instaurar un ejercicio de palaciego señorío dentro de una nueva expresión inspirada de la cruza entre el esplendor preciosista del prog sinfónico y la dimensión más lírica del discurso prog-metalero. Con sus poco más de 6 minutos y tres cuartos, ‘Trying to Explain’ se erige como la pieza más extensa del álbum y también es la encargada de cerrarlo. Su propuesta es la de sintetizar los aspectos predominantes de los temas #1, #4 y # 10: jazz-rock, sinfonismo y tonalidades prog-metaleras se fusionan a través del muy alegre motif central. Con la adición de interludios razonablemente sofisticados, la pieza preserva su encanto innato a fin de ponerle un final tremendamente dinámico al repertorio. Todo esto es lo que se nos brinda en este nuevo disco “Balance of Extremes”, una nueva muestra de la creatividad y el vigor de CODY CARPENTER. Con álbumes tan recomendables como éste, el año progresivo 2022 ha comenzado bastante bien.



Muestras de “Balance of Extremes”.-


Más reseña de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

sábado, 12 de marzo de 2022

Programa #310 - Rush / Rushing Pictures (segunda parte)

Rush - Fly By Night

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 310 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con la segunda, de dos partes, dedicadas al grupo tributo mexicano Rushing Pictures: A Mexican Rush Tribute, donde tenemos una amena charla con tres de sus integrantes: Santiago Corona, Carlos Sánchez y Jorge Hernández. Además de disfrutar la música del histórico trío canadiense de Rush.

Podcast:


Lista de canciones:

Subdivisions - Artista Rush, disco Signals

Leave That Thing Alone - Artista Rush, disco Counterparts

By-Tor And The Snow Dog - Artista Rush, disco Fly By Night

The Rhythm Method - Artista Rush, disco Different Stages

Natural Science - Artista Rush, disco Permanent Waves


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 12/marzo/2022
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos rushianamente mexicanos!