miércoles, 30 de septiembre de 2020

Programa #269 - Lyrean

Lyrean - Manto Estelar

Con ustedes, el podcast 269 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue dedicada al grupo mexicano Lyrean, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena charla con sus dos integrantes: Orlando Palacios y Juan Pablo Palacios.

Podcast:


Lista de canciones: 

Aypa - Artista Lyrean, disco Manto Estelar 

Terra - Artista Lyrean, disco Manto Estelar 

Falling Down - Artista Lyrean, disco Manto Estelar 

Alpha Centauri - Artista Lyrean, disco Manto Estelar 

Sous Le Ciel - Artista Lyrean, disco Manto Estelar 

Revelación - Artista Lyrean, disco Manto Estelar 

Manto Estelar - Artista Lyrean, disco Manto Estelar 

R. E. Pulse - Artista Lyrean, disco Manto Estelar 


Ficha técnica: 
Fecha de publicación: 30/septiembre/2020 
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre 

¡Saludos progresivamente colimenses!

sábado, 26 de septiembre de 2020

Segunda pócima elaborada por los DAI KAHT con agua del manantial del Zeuhl contemporáneo

 Dai Kaht - Dai Kaht II

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos en nuestras manos el segundo disco del grupo finlandés DAI KAHT, el cual responde al lacónico título de “Dai Kaht II”, publicado en el primer tercio del pasado mes de marzo en una doble producción, tanto de forma independiente por los propios DAI KAHT, como por el sello francés Soleil Zeuhl. La alineación de este grupo cultor de una modalidad enérgica y colorida de progresivo Zeuhl consta de Alemaahr Kempah [primera voz, bajo, percusiones, guitarras adicionales, teclados, batería y efectos de sonido], Willargh Shirow [primera guitarra, voz adicional y efectos de sonido], Kaszpar Gorkeulhzennh [teclados y efectos de sonido] y Ozamö Sharif [batería, percusión y voz adicional]. Para la grabación de su segundo álbum, el cuarteto contó con la colaboración adicional de Zwerie Stöbah a la guitarra rítmica y la voz adicional, además de una coral conformada por Nina Suokko, Ella Kärnä, Samuli Aihos, Henna Naukkarinen y Mari Pääkkönen. Todo el material de este disco – y de toda la discografía del grupo está compuesta por el bajista y fundador Atte Kemppainen (verdadero nombre de Alemaahr Kempah), y las letras emplean un lenguaje ficticio llamado Kolöniel... que es básicamente un Kobaïano finlandés. Ya que estamos con los nombres verdaderos, completamos la información con los nombres reales respectivos del guitarrista solista, el teclista y el baterista: Ville Sirviö, Roope Pelkonen y Osmo Saarinen. “Dai Kaht II” fue grabado en el Taajuusvarjostin Studio en el año in 2018, mientras que los arreglos corales fueron registrados en el estudio Kulttuuriosuuskunta G-Voima, en el mismo año 2018. Parece que el grupo se tomó su tiempo para la temporada de posproducción de este disco, el cual, adelantamos, es uno de los más interesantes dentro de la línea progresiva experimental de nuestros días. Parece lejano ese año 2013 cuando Kemppainen fundó el grupo y tuvo suerte al encontrar con relativa rapidez a los socios y amigos adecuados para emprender la aventura de hacer un nuevo Zeuhl con una refrescante garra rockera. Para el tiempo de su álbum homónimo del año 2017, el grupo tenía dos guitarristas, mientras que ahora el cuarteto se ha remodelado ligeramente con el ingreso de Roope Pelkonen (o Kaszpar Gorkeulhzennh, si prefieren llamarle así) a los teclados. El hecho de que el líder de la banda también asuma responsabilidades a los teclados y las guitarras adicionales es un síntoma nada confuso de que el ensamble de DAI KAHT apuntaba a un incremento explícito de la suntuosidad para el desarrollo de su peculiar enfoque estilístico. Adelantamos que esta idea ha rendido frutos magníficos, pero mejor vayamos a los detalles del repertorio de “Dai Kaht II” de una vez. 

Dai Kaht

El álbum empieza con ‘Hanšhin’, una pieza que exuda jovialidad y extroversión con una generosa dosis de timbres melódicos bien definidos sobre un groove ágil y llamativo. Es en la suntuosidad extravagante de los cánticos donde residen los acentos experimentales de esta composición, pero, en lo principal, esta canción de apertura parece una gentil mezcla de sinfonismo a lo YES-con-WALLENSTEIN con dosis extra de garra rockera de tenor psicodélico en los guitarreos más unas interesantes irrupciones de intervenciones vocales que buscan instaurar ciertas vibraciones tormentosas. Luego sigue ‘Dai Korönenn’, una pieza que dura casi 8 minutos y que ya instaura el primer momento culminante del repertorio. Aquí se da una muy interesante amalgama de jazz-rock y Zeuhl contemporáneo (al modo de un híbrido entre KOENJI HYAKKEI y ZWOYLD) dentro de un bloque sonoro meticulosamente potente. Los empujes individualizados de la guitarra, el bajo y la batería gestan una proyección musical aguerrida y contundente a lo largo de una arquitectura rítmica compleja, versátil y rigurosa. Los teclados cumplen alternadamente con las funciones de complementar los riffs básicos de guitarra en varios pasajes estratégicos y añadir ornamentos en ciertos parajes en los que el nervio vitalista del ensamble baja un poco su densidad. El talante lúdicamente marcial con el que se marca las pulsaciones neuróticas de la instancia final de la pieza halla un oportuno final abrupto. El rol de ‘Helvet Sttröi II’ consiste en cosechar la siembra de juguetonas tormentas avant-progresivas de la pieza precedente y llevarla hacia un nivel más incendiario de florecimiento surrealista. Las partes vocales son más aparatosas, algunas secciones instrumentales coquetean abiertamente con el punk jazz, y el vitalismo reinante se empapa de un delirio sistemático al modo de una cruza entre RUINS, NI y los ETRON FOU LELOUBLAN de los tres últimos discos. La hoguera sonora del grupo ha visto aquí el auge de algunas de sus llamas más inquietantes en un espacio de cuatro minutos y medio. ‘Willargh’ asume una actitud más solemne y eso se nota mucho desde las parcas y parsimoniosas notas iniciales de guitarra sobre las que se sostiene el preludio. Así las cosas, las amalgamas ocasionales de instrumentos y corales nos remite a una mayestática encrucijada entre MAGMA y AMON DÜÜL II, mientras que el desarrollo temático sobre el que se centra la mayor parte de la segunda mitad se asienta cómodamente bajo las coordenadas híbridas del jazz-rock y el avant-prog. Respecto a esto último, es como si se hubiese retomado algo de la esencia nuclear de la pieza que abrió el álbum y se le hubiese añadido más musculatura. 

Llegamos al ecuador del disco con el arribo de ‘Zöbehr-Daï’, el segundo tema más largo del disco con su duración de casi 11 ¾ minutos, y de paso, también otro cénit fundamental del mismo. Ya desde el punto de arranque, con esa parodia circense de masivo mitin político, el grupo elabora un viaje musical signado por una mezcla de intrépida garra y arrebatada furia, pero el esquema estructural de la pieza consiste en una osada alternancia de pasajes arrolladoramente intensos y otros de cariz más calmado. En estos últimos se da una prioridad a cadencias jazzeras de talante relativamente etéreo, introspectivos de cierta manera; por su parte, aquéllos se reparten entre parajes cerebralmente diseñados para gestar enclaves de señorial tensión (al modo de una remodelación Crimsoniana del paradigma Zeuhl) y otros que se explayan en exaltaciones vibrantes que exploran un encuadre vanguardista de la psicodelia pesada. Definitivamente, hay una inmensa genialidad en la manera en que el grupo logró articular una coherente versatilidad dentro del dinamismo polivalente que se diseñó para la ocasión. ‘Wehr Mahrü’ realiza su esquema temático siguiendo, en su mayor parte, la senda de las proyecciones más huracanadas de ‘Zöbehr-Daï’, aunque también incluye un interludio un tanto cósmico a fin de manejar con soltura al maelstrom sonoro que se erige como centro logístico de las interacciones entre los instrumentos actuantes. En general, este tema nos recuerda a los POIL de los primeros álbumes. Dicho sea de paso, aquí hallamos el solo de teclado más impresionante del álbum. El penúltimo tema de “Dai Kaht II” es el más extenso del mismo, ocupando un espacio de 12 ¾ minutos. Su estrategia compositiva es básicamente la misma que la utilizada en la otra pieza épica del álbum, aunque aquí se nota una prioridad especial en el espacio otorgado a las secciones extrovertidas y enérgicas. En cuanto a su distintivo particular, observamos que en este tema hay algunos elementos bastante notables de Latin-fusion y rock sinfónico en los pasajes más definidamente melódicos de este tema, pero, claro está, la extravagancia majestuosa y saltarina del avant-prog es quien lleva las riendas del esquema de trabajo. En todo caso, se nota en cada tramo individual de este tema que se ha dado una sesuda labor compositiva dentro de un engranaje meticulosamente ensamblado. En cierto sentido, esta pieza funciona como síntesis de los temas primero, segundo y cuarto del álbum. Sería un gran final para el álbum si es que el grupo no hubiese decidido cerrarlo con un octavo tema, el magnífico ‘Hertz Kömatt’. 

‘Hertz Kömatt’ instaura una variante parcialmente aligerada de la expresividad rimbombante que ha prevalecido majestuosamente a lo largo del disco. El motif central, guiado por la guitarra, nos recuerda al ZAPPA de la etapa 76-79 a través de un cálido filtro del hard rock clásico, mientras que los arreglos vocales alternan referencias a TALKING HEADS y a ETRON FOU LELOUBLAN. Nos toma por sorpresa esta clausura del álbum, pero es bienvenida: la interpretamos como un ejercicio de placidez para despedir la espiral de festivales surrealistas que, con diversas dosis de tensión, densidad y jovialidad, se había articulado con los siete temas precedentes. Todo esto fue lo que se nos brindó a lo largo y ancho de “Dai Kaht II”, uno de los discos más notables dentro de la producción avant-progresiva mundial en lo que va del presente año 2020 (y ya estamos a punto de entrar en su último trimestre). El personal de DAI KAHT se ha lucido a lo grande, demostrando que bajo su mando, las aguas del manantial del Zeuhl contemporáneo todavía son capaces de regar cosechas de música de gran alcurnia dentro de las áreas más experimentales del rock progresivo.



Muestras de “Dai Kaht II”.-

viernes, 18 de septiembre de 2020

Programa #268 - Moloko Vellocet

 

Moloko Vellocet - Sonar

Con ustedes, el podcast 268 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran. 

Esta emisión fue dedicada al grupo chileno Moloko Vellocet, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena charla con sus tres integrantes: Cristian Muñoz, Patricio Solís y Gonzalo Escobar.

Podcast:


Lista de canciones: 

Minerva - Artista Moloko Vellocet, disco Sonar 

Sonar - Artista Moloko Vellocet, disco Sonar 

Cabeza de puerco - Artista Moloko Vellocet, disco Sonar 

Autu - Artista Moloko Vellocet, disco Sonar 


Ficha técnica: 
Fecha de publicación: 18/septiembre/2020 
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre 

¡Saludos progresivamente chilenos!

lunes, 14 de septiembre de 2020

La concreción de una nueva escala musical para los suecos GÖSTA BERLINGS SAGA

Gösta Berlings Saga - Konkret Musik

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos complace enormemente presentar el nuevo trabajo fonográfico del excelente y ya veterano – aunque aún joven – grupo sueco GÖSTA BERLINGS SAGA, el cual se titula “Konkret Musik” y fue publicado durante la segunda mitad del pasado mes de julio. Para éste, su sexto trabajo de estudio, el grupo cuenta con una ampliada alineación de quinteto tras estar muchos años operando como cuarteto: los integrantes son Rasmus Booberg [guitarras y sintetizadores], David Lundberg [sintetizadores, pianos clásico y eléctrico Fender Rhodes, y mellotrón], Gabriel Tapper [bajo y pedales Moog Taurus], Alexander Skepp [batería y percusión] y Jasper Skarin [percusión]. En cuanto al contenido de los enfoques compositivos y estructuras sonoras que hallamos en “Konkret Musik”, nos queda claro que el personal de GÖSTA BERLINGS SAGA tenía algo renovador en su mente a la hora de concebir y grabar este nuevo disco: establecer una nueva escala dentro de un particular ascensión por la vía del prog psicodélico contemporáneo, algo que ya se venía anunciando a medias en su anterior trabajo de estudio “ET EX” (2018). El grupo prefiere trabajar con temas más breves, siendo la primera vez que no hallamos un solo tema que llegue si quiera a acercarse a los 7 minutos de duración, y sobre todo, establece una logística creativa centrada en atmósferas lacónicas y con una fuerte presencia de lo electrónico. Eso sí, queda claro que la banda sigue definiendo su modus operandi dentro del terreno del prog psicodélico ecléctico y energético, irradiando una vitalidad muy particular dentro de su estilo. El colectivo de GÖSTA BERLINGS SAGA hace brotar de sus entrañas estéticas una evolución hacia una etapa nueva sin perder lo más esencial de la genuina identidad desarrollada a lo largo de su discografía. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Konkret Musik”.

Gösta Berlings Saga

Durando poco más de 5 minutos, ‘Släpad’ abre el repertorio con una exhibición de envolventes y cálidas atmósferas que se expanden firmemente sobre un groove modernista. El punche rockero no está ausente, pero sí se expresa de manera comedida por medio de retazos ornamentales para dejar que el factor cibernético haga pesar su prioridad dentro del encuadre sonoro planificado para la ocasión. Lo que suena es como un híbrido de los JAGA JAZZIST de los últimos álbumes y los STICK MEN sobre un armazón rítmico ideado en los cuarteles de los OZRIC TENTACLES del nuevo milenio. Luego sigue ‘Vinsta Guldklocka’, una hermosa pieza en clave prog-electrónica con sutiles matices space-rockeros que transita grácilmente sobre un compás inusual. Ahora el grupo elabora un swing más movido, lo cual le ayuda bastante a explorar su faceta más propiamente extrovertida; así las cosas, la guitarra puede ocupar un rol más protagónico dentro del entramado general. De paso, también nos remite a huellas y designios marcados en los dos discos precedentes, a la par que perpetúa la exploración de ambientes y esquemas electrónicos. Un cénit del álbum. Con la dupla de ‘Basement Traps’ y ‘Close To Home’, el cuarteto se apresta a reforzar estrategias musicales y seguir ampliando su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados regresa en buena medida a los motivos y grooves que marcaron a la pieza de apertura, mas se nota aquí un espíritu más señorial y distante, algo así como un dejar que la maquinaria sonora enfoque la mirada en el seno de su propia armadura. Aunque su espacio de poco más de dos minutos y medio no le deja explotar todo su gancho, sí queda clara la idea. En cuanto al segundo tema mencionado, éste es frontalmente introspectivo, absorto en una ambientación contemplativa que se siente muy cómoda a medio camino entre DJAM KARET y TANGERINE DREAM, recurriendo solamente al protagonismo compartido entre los sobrios fraseos de la guitarra y las flotantes capas orquestales de los teclados. Una pieza muy bella, valgan verdades. El quinto tema del álbum es el que justamente le da título, y se hace notar por su particular musculatura provista por el dinamismo colectivo de los músicos. En efecto, ‘Konkret Musik’ establece una capitalización robusta y contundente del ideal del space-rock con un talante machacón que resulta muy convenientemente estilizada por medio de los ornamentos progresivos que tienen ligar tanto en el desarrollo temático como en el esquema rítmico. Un interludio sereno, casi opaco, instaura un momento de solaz antes del regreso definitivo de lo machacón para el gran y aguerrido final. Otro momento culminante del álbum.

La miniatura ‘Closing Borders’ (no llega a completar un minuto de espacio) opera como preludio a ‘To Never Return’ (la pieza más larga del repertorio con sus 6 ¼ minutos de duración.‘Closing Borders’ es, en lo básico, un ejercicio de atmósferas sintetizadas un tanto tenebrosas, casi al modo de una partitura perdida de GOBLIN que fue redescubierta y remodelada por la gente de HARMONIA. Por su parte, ‘To Never Return’ se concentra en la dimensión más densa del ideario estético de la banda sobre los cimientos puestos por un motif repetitivo y sencillo. Este ejercicio de elegante psicodelia razonablemente densa recoge algunas de las vibraciones tenebrosas de la miniatura precedente, pero, en lo principal, recoge la herencia del tercer tema del álbum con un esquema rítmico más parsimonioso (casi a lo post-rock). Una nueva mirada atrás a los dos disco anteriores, un nuevo cénit del disco presente.* ‘Instrument VI’ es otra miniatura que dura poco menos de 2 minutos y su estructura sónica nos remite a unos KRAFTWERK radicalmente reciclados a través de una cirugía space-rockera. ‘The Pugilist’ emerge con una aureola pugilística (valga la redundancia) por vía de un enfoque recio y cañero que nos lleva hacia un híbrido de psicodelia progresiva y post-metal. Este relativo coqueteo con los paradigmas de MY SLEEPING KARMA y SQUINTALOO nos toma un poco por sorpresa, pero se nota que es la gente de GÖSTA BERLINGS SAGA por su manera de proyectar el rol de los teclados y el aire de sofisticación que se brinda a la ingeniería rítmica. Cuarto pasaje sobresaliente del repertorio. La tercera miniatura del álbum es ‘A Fucking Good Man’, un ejercicio de electrónica a lo JARRE con VANGELIS, una evocadora pieza que siembre el camino para la pronta emergencia de ‘Förbifart Stockholm’. Este tema se define por una excelsa ambientación solemne expuesta sobre un swing parsimonioso, siendo así que el motif recurrente ostenta una mágica aridez que se sitúa a medio camino entre KING CRIMSON y TORTOISE. El hecho de que la arquitectura de esta pieza tenga este preciso enfoque permite que las orquestaciones de teclado porten una majestuosidad misteriosa y que los pasajes de guitarra gesten un filudo minimalismo. Cierra el álbum la pieza titulada ‘A Question Of Currency’, un epílogo intimista y tremendamente lírico donde el suave esplendor del matrimonio de sintetizador y guitarra acústica se realza convincentemente. Aunque se nota una espiritualidad crepuscular en el desarrollo temático, este tema de cierra no exhibe tristeza ni nostalgia, sino una escueta reflexividad. 

Gösta Berlings Saga - Konkret Musik

Si bien “Konkret Musik” no nos parece lo mejor que ha hecho la gente de GÖSTA BERLINGS SAGA en lo que va de su trayectoria (somos particularmente fanáticos de sus cuatro primeros álbumes), de todas maneras es justo reconocer que se trata de un trabajo notable que indica un momento importante para la evolución estilística de esta banda, casi tan veterana como el nuevo milenio. Bajo nuevas modalidades sonoras y estrategias creativas, la energía y la apuesta por un eclecticismo vitalista y locuaz siguen allí, y por ello, merece este nuevo disco de GÖSTA BERLINGS SAGA toda nuestra recomendación para cualquier buena fonoteca de rock progresivo y líneas afines. 



Muestras de “Konkret Musik”.-
Basement Trap [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=VSpt7sU4T2g
Konkret Musik [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=Y9UlYTN5NbY
To Never Return [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=MS2B3yVVcRA

* El grupo hizo un vídeo promocional de este tema en una versión un poco más corta. 

miércoles, 9 de septiembre de 2020

Programa #267 - Derian

Derian - El poder de uno

Con ustedes, el podcast 267 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue dedicada al grupo venezolano Derian, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena charla con tres de sus integrantes: Joel González, Miguel Asmad y Luis González.

Podcast:



Lista de canciones:

Fuga zero - Artista Derian, disco El poder de uno

Acorralado - Artista Derian, disco El poder de uno

Voces para no callar - Artista Derian, disco El poder de uno

Dios Tiempo - Artista Derian, disco El poder de uno

Le demon - Artista Derian, disco El poder de uno

El poder de uno - Artista Derian, disco El poder de uno

Hasta el final - Artista Derian, disco El poder de uno

Nada frente a mí - Artista Derian, disco El poder de uno

El alza de los caídos - Artista Derian, disco El poder de uno


El grupo Derian dedica esta entrevista a la memoria de su amigo Carlos Jiménez, baterista y miembro fundador del grupo. 


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 9/septiembre/2020
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos metaleramente venezolanos!

lunes, 7 de septiembre de 2020

TITAN TO TACHYONS: la bandera de un nuevo alunizaje musical progresivo

Titan to Tachyons - Cactides

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la ocasión de presentar a TITAN TO TACHYONS, trío estadounidense liderado por la guitarrista neozelandesa radicada en Nueva York Sally Gates (quien fue integrante de ORBWEAVER, RELENTLESS ATTRITION y GIGAN), y completado por el baterista Kenny Grohowski (quien pasó por las filas de SECRET CHIEFS 3 y BRAND X, entre otros) y Matt Hollenberg (quien, entre otras cosas, ha sido integrante de la banda del maestro JOHN ZORN). El trío en cuestión ha publicado el pasado 14 de agosto, en su blog de Bandcamp, su disco debut “Cactides”, el mismo que fue grabado, mezclado y masterizado durante los días conmemorativos del quincuagésimo aniversario de la llegada del hombre a la Luna en el estudio The Thousand Caves, ubicado en el vecindario neoyorquino de Woodhaven. O sea, “Cactides” tardó un poco más de un año en salir a la luz tras su gestación. Pero antes de ese día de agosto, en el último día de julio pasado, el disco que aquí reseñamos fue publicado físicamente en formato de vinilo por el sello Nefarious Industries en una edición limitada de color dorado con manchas celestes. Para el último tema del álbum, es Trevor Dunn quien se hace cargo del bajo, músico a quien conocemos de MR. BUNGLE, ELECTRIC MASSADA, FANTÔMAS, SECRET CHIEFS 3, etc. En cuanto a lo específico de TITAN TO TACHYONS, se trata de un proyecto que la siempre inquieta Gates (sesuda e infatigable investigadora en las aristas más aventureras del doom metal, el prog-metal, el jazz experimental y la psicodelia) ideó la gestación de este trío mientras estaba disfrutando de unas vacaciones en un balneario de su Nueva Zelanda natal, anotando en un cuaderno su propósito de explorar a fondo la evolución de su propia voz con la inserción de algunos aspectos musicales de su pasado que no pudo explorar adecuadamente en proyectos anteriores. Para darle forma a este enfoque, quiso componer material que tuviese un carácter surrealista al estilo de las películas de DAVID LYNCH y un imaginario misterioso al modo de las novelas de ciencia-ficción (PHILLIP K. DICK, por ejemplo)*. A la vista de los resultados aquí plasmados, esta propuesta que comenzó como una serie de frases anotadas en un cuaderno germinó como una factible exhibición de osadas y desafiantes estructuras sónicas donde se combinan lo enérgico, lo siniestro, lo incendiario y lo abstracto. Nos ha gustado mucho este disco, pero mejor es que aclaremos nuestros conceptos repasando los ítems contenidos en su repertorio. 

Titan to Tachyons

Durando poco más de 5 ¾ minutos, ‘Morphing Machineminds’ abre el álbum comenzando con un prólogo signado por una pesadez metalera desplegada sobre una cadencia bluesera, abriéndose pronto paso a un cuerpo central donde los mundos del jazz-rock y el prog-metal crean una dialéctica del desencuentro a través de un manejo alternado de los núcleos expresivos. Alrededor de la frontera del tercer minuto, el ensamble se dispone a agilizar las cosas de una manera convincentemente incendiaria, y lo hace estableciendo un laberíntico bloque sonoro donde se conjugan el math-rock con el metal experimental. Establecido este baluarte de surrealista extroversión, el grupo retoma brevemente alguno de los motivos precedentes para asentar un epílogo salvajemente celebratorio. Esta primera pieza ha funcionado realmente como una declaración de principios, y al llegar el turno de la segunda pieza, titulada ‘The Starthinker Is Obsolete’, ahora es el momento de asentar la estrategia estilística del trío. La mezcla math-rock, prog-metal, free jazz y avant-prog que se desarrolla a lo largo de los recovecos multitemáticos en curso nos remiten a una encrucijada entre los paradigmas de ZEVIOUS, UPSILON ACRUX y MÖRGLBL, con añadidos toques del Crimsonismo de los 90s y el avant-prog de unos MASSACRE. Las alternancias entre pasajes exaltados, dadaístas y misteriosos se dan dentro de una desafiante lógica alimentada por el nervio de la más intensa garra rockera y lo más desconcertante de la esencia aventurera del prog experimental deconstructivista. La manera en que se construye el jubiloso epílogo tras varios minutos de tanteos expectantes es simplemente brillante; tenemos aquí un primer cénit del álbum. El tercer tema del álbum se titula ‘Tycho Magnetic’ y es uno de los dos que duran 9 ½ minutos. La pieza comienza con un groove bluesero desarrollado con un mecanismo stoner, para luego abrir camino a un primer motif cuya base estilística es jazz-rockera, claro está, con un agudo filo experimental que permite que algunos pasajes oscurantistas y otros traviesos entren a tallar en algunos momentos estratégicos. A poco de llegada a su segunda mitad, la pieza gesta un interludio feroz tras el cual la guitarra elabora un bellísimo solo de tonalidades arabescas sobre un tempo lento, casi introspectivo. El motif stoner-bluesero del inicio regresa para el reprise que ha de marcar el fin de la pieza. Otro tema culminante del repertorio, un tema que revisa la señorial exuberancia del tema precedente para llevarla hacia un territorio un poco más otoñal y matizado.

Titan to Tachyons

‘Earth, And Squidless’ puede muy bien identificarse como una síntesis entre la densidad versátil de la pieza #3 y la extravagancia sistemática de la pieza #2. Como es habitual, los cambios de centros temáticos y ambientes están a la orden del día, y no duran mucho, algo que ayuda crucialmente a la hora de preservar una persistente aureola de tensión. Eso sí, también tenemos aquí un extenso jam de tenor exótico sobre un complejo compás fusionesco, algo así como una idea perdida de un proyecto de JOHN ZORN que ha sido remodelada y pervertida a través de un filtro hermanado de prog-metal, avant-prog y dadaísmo Zappiano... y justamente, esa fuerza volcánica que se mantiene en estado latente durante el jam antes mencionado brota exorbitantemente en las últimas instancias de la pieza. El epílogo desemboca en un ejercicio de caos juguetón controlado que nos recuerda (por si acaso lo habíamos olvidado) que la deconstrucción es una de las armas vitales dentro de la ciudadela sónica de TITAN TO TACHYONS. El ítem que cierra el repertorio es el segundo que dura 9 ½ minutos, y responde al título de ‘Everybody’s Dead, Dave’, un último cénit para redondear un final perfecto para el álbum. El trío sigue puliendo el filo del enfoque aventurero que se ha planteado como norte estético y lo lleva a su dimensión más abiertamente abstracta. Un pasaje inicial cuyos retazos tenebrosos e inescrutables que hubiesen llenado de orgullo a unos PRESENT asienta el terreno para un impenetrable ejercicio de tensiones donde se alternan momentos aguerridos y otros cósmicos, siempre con un nervio rockero sólido y contundente, siempre con una táctica de apertura hacia las formas libres en base a la ideología del jazz contemporáneo. La guitarra de Gates va flotando continuamente, a veces con llana furia, otras veces con fosforescencia metafísica, mientras los integrantes de la dupla rítmica van haciendo y deshaciendo senderos a punta de un hermetismo metódico. Si alguna vez alguien se preguntó si podía haber un encuentro entre los universos del FRED FRITH TRIO, AHLEUCHATISTAS y la tradición francófona del chamber-rock con matices añadidos de metal, pues la misma existencia de esta pieza de cierre de “Cactides” resulta ser la respuesta directa a dicha pregunta.

Titan to Tachyons

Todo esto es lo que se ha desarrollado y plasmado en “Cactides”, el disco debut de TITAN TO TACHYONS que instala al grupo en cuestión, así, de golpe, dentro de la primera línea de la avanzada musical del momento. Ha sido un alunizaje instantáneo en el satélite residencial de la élite vanguardista del rock contemporáneo para TITAN TO TACHYONS. Este disco es excelente y desafiante, y como tal, lo recomendamos ampliamente a quienes aman el ideal de la experimentación rockera llevada a nuevos extremos y no ponen reparos a que dicho ideal utilice varios recursos pesados y contundentes en su expresividad. 



Muestras de “Cactides”.-

miércoles, 2 de septiembre de 2020

Programa #266 - SomeWhereOut - Eternity, Infinity

SomeWhereOut - Eternity, Infinity

Con ustedes, el podcast 266 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue dedicada al proyecto musical SomeWhereOut, donde además de repasar su material musical, tuvimos una amena charla con su creador, el español Raúl Lupiañez.

Podcast:



Lista de canciones:

Over This Vault Ft. Eleison Braiden - Artista SomeWhereOut, disco Eternity, Infinity

The Last Answer Ft. Dante Martín - Artista SomeWhereOut, disco Eternity, Infinity

What If Ft. Alba Bermejo, Abraham Linares - Artista SomeWhereOut, disco Eternity, Infinity

White Sun, Black Sky Ft. Alba Bermejo - Artista SomeWhereOut, disco Eternity, Infinity

Infinity Ft. Dante Martín - Artista SomeWhereOut, disco Eternity, Infinity


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 2/septiembre/2020
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos progresivamente españoles!