sábado, 12 de junio de 2021

Programa #292 - Surtido variado de rock progresivo

 Cast - Vigesimus

Con ustedes, el podcast 292 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión tuvimos un surtido variado y diverso de gran rock progresivo para disfrute de todos ustedes. Disfruta gran material de los mexicanos Rostro del Sol y Cast, la propuesta italiana de Unaeli y la vanguardia musical del dominicano Jonatan Piña Duluc.

Podcast:


Lista de canciones:

Bob C Sketches - Artista Rostro del Sol, disco Rostro del Sol

Effect of Creation - Artista Rostro del Sol, disco Rostro del Sol

La Bussola - Artista Unalei, disco Galatea

Anarada - Artista Unalei, disco Galatea

Odense, 24th of December, 1848 - Artista Unalei, disco Galatea

The Little Matchgirl - Artista Unalei, disco Galatea

Navajas - Artista Jonatan Piña Duluc, disco Soundtrack Volumen I, Secuencia

Culpa las palabras, filosas palabras... - Artista Jonatan Piña Duluc, disco Soundtrack Volumen I, Secuencia

Manley - Artista Cast, disco Vigesimus

Dredging to the Higher Plane - Artista Cast, disco Vigesimus


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 12/junio/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos progresivos!

sábado, 5 de junio de 2021

MASTER CYLINDER: el consulado progresivo de Canterbury en el estado de Texas, EE.UU.

 Master Cylinder - Elsewhere

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca hacer una labor retrospectiva sobre el único disco que grabó el grupo estadounidense MASTER CYLINDER, el cual se titula “Elsewhere” y fue publicado a inicios del año 1981 por el sello Inner City (especializado en jazz). El grupo del que ahora hablamos era algo más que un grupo, era prácticamente el consulado del jazz-prog de estilo Canterburyano en el estado de Texas... más exactamente, la ciudad de Fort Worth. El colectivo de MASTER CYLINDER que concretó este álbum estaba conformado por Eddie Dunlap [batería y percusiones], Joe Rogers [piano y sintetizadores], Jack Carter [bajo y contrabajo] y Robert Atwood [guitarras eléctrica y acústica]. Rogers, como líder del grupo, se hizo cargo de todas las composiciones aquí incluidas. Los músicos ocasionales de apoyo fueron Art Davis (corno y trompeta), Bill Eden (flauta y saxofón), Bob Price (clarinete), Scott Morgan (sintetizador) y Bruce Valentine (trombón). La producción del disco estuvo a cargo de Dunlap, Roger y el invitado Davis (todo un veterano de la escena jazzera de Chicago); el repertorio fue grabado y mezclado en los Buffalo Sound Studios de la propia localidad de Fort Worth, entre junio y setiembre de 1980. Fue un largo camino para este grupo que se fundó en el año 1972, y que tuvo alrededor de 30 músicos a lo largo de su historia, siendo así que a veces operaba como quinteto, sexteto... Y por algún tiempo, como un ensamble de nueve músicos: principalmente, eran vientistas quienes acompañaban al cuarteto nuclear de guitarrista, teclista, bajista y baterista. De hecho, el grupo operó como cuarteto durante sus cinco últimos años de existencias, pero como las estructuras temáticas de su repertorio exigían una instrumentación más nutrida, recurrieron a los antes mencionados invitados. El grupo adquirió un público de culto que muchas veces disfrutaba de conciertos donde se incluía la presencia de poetas, mimos, proyecciones de filmes y recursos teatrales. La mayor parte de su actividad tuvo lugar en festivales y salas especializadas en jazz, pero su propuesta musical integraba un cálido eclecticismo donde convivían el aspecto más colorido del Canterbury, el espíritu aventurero del jazz-fusion y del free jazz, y la vitalidad traviesa del paradigma Zappiano. En muchas ocasiones, notamos confluencias con sus compatriotas de HAPPY THE MAN y HOWEVER. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Elsewhere”.

Master Cylinder - Elsewhere

El primer tema del álbum tiene el apropiado título de ‘Overture’, y ya desde los primeros instantes, pone todas sus carnes de colorido y extroversión sobre el asador. Alternando con magistral fluidez pasajes joviales con otros constreñidos, el ensamble desarrolla un armazón sonoro donde se cruzan los senderos de HATFIELD AND THE NORTH y de los SOFT MACHINE de la fase 72-74 a través del filtro de sus ilustrísimos compatriotas RETURN TO FOREVER. Los arreglos vientos sirven muy efectivamente para realzar la vivacidad de los pasajes extrovertidos y capitalizar la riqueza melódica de los pasajes serenos. Muy estupendamente aprovechados estos cinco minutos y pico que ocupa la pieza de entrada. ‘Isabelle’ sigue a continuación para elaborar un exquisito despliegue de jazz-fusion con un fuerte enclave lírico. Huellas de WEATHER REPORT a través del filtro de THE MUFFINS se encuentran en las pautas centrales de la inspiración creativa aquí desplegada. Durando poco más de 10 ¼ minutos, la pieza homónima se erige como la más extensa del álbum. ‘Elsewhere’ lleva a nuevos horizontes la lógica de ebullición ecléctica que los integrantes de MASTER CYLINDER llevan como medalla de honor; en este caso, se trata de una combinación de RIO, Canterbury y avant-jazz. Tras un atmosférico prólogo signado por una espiritualidad sigilosa, el contrabajo empieza a empujar al bloque instrumental a un ejercicio de jazz-rock modernista donde confluyen las influencias de WEATHER REPORT y NUCLEUS, añadiéndose algunas delicadezas líricas dirigidas por el sintetizador. Este puente nos lleva a un amplio cuerpo central donde se van sucediendo los solos de contrabajo, vientos, piano y guitarra. Aquí, el factor jazzero se ahonda dentro del encuadre sonoro, brindándole un vigor muy especial; el baterista está en toda su gloria a la hora de sustentar el groove, el mismo que ella enriquece con mil y una virguerías. Todo culmina con un reprise sucesivo del puente y del prólogo. Tras el vendaval de creatividad jazz-progresiva de ‘Elsewhere’, ‘Silhouette’ cumple con la función de replicar a escala menor el colorido versátil y majestuoso de la pieza inicial del álbum, aunque con una dosis adicional de solemnidad en su desarrollo multitemático.

La segunda mitad del disco (que es nuestra mitad favorita) llega de la mano de ‘Sleep 1937’, otro momento culminante del disco. Portador de un vitalismo tan luminoso como sobrio, este tema incorpora elementos del FRANK ZAPPA de la etapa 69-72 dentro de un nuevo despliegue jazz-progresivo donde el colectivo de MASTER CYLINDER vuelve a danzar con un pie en el área del Canterbury y el otro en el de la vanguardia jazzera estadounidense. Habiendo mencionado el elemento Zappiano, no nos debe extrañar que varios virajes temáticos nos lleven a drásticos cambios de ambiente o de tono. El intermedio free-jazzero gesta un ejercicio de etérea deconstrucción cuya misión principal es la de facilitar el reacomodo de las piezas para que, por vía de un crescendo, retome el cuerpo inicial con un vigor nuevo. Un cénit del repertorio que es seguido por otro: ‘Plus 3’, el segundo tema más extenso del álbum con su espacio de poco más de 9 ¾ minutos. Con las líneas estilísticas de la banda tan firmemente trazadas en estas instancias, solo queda ver si el grupo puede mantener los signos de frescura y energía creativa que nos impactaron desde el primer tema del disco… Y ciertamente es así. En muchos aspectos, esta pieza se puede describir como una fusión entre los espíritus musicales de los dos primeros temas del álbum, aunque con mayores campos de focalización para los índices temáticos y grooves que van saliendo a lo largo del camino. Esto permite que la musicalidad se sienta menos recargada y más grácil. Las confluencias con los paradigmas de HATFIELD AND THE NORTH, ISOTOPE y GILGAMESH son saltantes prácticamente desde el primer momento, aunque también se hacen sentir algunos aires de familia con los compatriotas HAPPY THE MAN en aquellas secciones donde el sintetizador guía al bloque general con sus cálidos solos. Un breve solo de batería permite que se dé un breve espacio de relax en medio de toda esta arquitectura. El pasaje conclusivo permite a la guitarra ocupar el centro protagónico de la instrumentación, la cual se enfila fluidamente hacia la espléndida orquestación final.

El gran final del repertorio llega de la mano de ‘Hobb & Geeb’, pieza que comienza en clave serena, ostentando inicialmente una etérea sofisticación (semejante a HOWEVER) para luego transitar hacia una majestuosidad más vivaz. A partir de allí, el grupo va circulando alternadamente por caminos de coqueta extroversión y relajada melancolía, siendo así que los primeros son los predominantes dentro de la estructura de la pieza. De hecho, este predominio se hace evidente en la coda en clave de sinfonía beethoveniana con la que termina la pieza. He aquí todo el legado fonográfico que nos llegó desde los cuarteles de MASTER CYLINDER, un legado pequeño en tamaño pero grande en inspiración estética. El grupo se separó al poco tiempo de ser publicado “Elsewhere”, el cual queda como un genial ítem de colección dentro de la enorme historia del plurivalente género progresivo. Gracias a toda la gente de MASTER CYLINDER por brindarnos este tesoro que quedó escondido dentro de la historia del jazz-rock y el rock vanguardista, y que debería estar menos escondido.



Muestras de “Elsewhere”.


[Dedicamos esta retrospectiva a todos los eruditos y difusores de la música progresiva y de la música rockera en general de Progresiva70s, Gigantes Gentiles, Subterranea Radio, Música Progresiva Grupo Catarsis, El Taxi de Lucy Smith, Soundchaser Classic, Cerca de la Orilla y El Retorno del Gigante.]


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

sábado, 29 de mayo de 2021

Programa #291 - The Flying Caravan (segunda parte)

 The Flying Caravan - I Just Wanna Break Even

Con ustedes, el podcast 291 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue la segunda, de dos partes, dedicadas al grupo español The Flying Caravan, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena charla con cuatro de sus integrantes: Antonio Valiente, Juan José Sánchez, Pedro Pablo Molina y Lluís Mas.

Podcast:


Lista de canciones:

Flying Caravan - Artista The Flying Caravan, disco I Just Wanna Break Even

Upstream to Manonash - Artista The Flying Caravan, disco I Just Wanna Break Even

A Fairy Tale for Grown-Ups - Artista The Flying Caravan, disco I Just Wanna Break Even


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 29/mayo/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos, progresivamente alicantinos!

miércoles, 26 de mayo de 2021

La fructífera tercera cosecha progresiva de los griegos CICCADA

 Ciccada - Harvest

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El universo de la música progresiva está de plácemes porque ya se ha concretado el lanzamiento de uno de los discos más esperados del presente año: “Harvest” del grupo griego CICCADA, publicado el pasado 23 de abril por el sello británico Bad Elephant Music. Este tercer disco de larga duración de CICCADA tiene sobre sus hombros el deber de suceder a “The Finest Of Miracles” tras seis años, un álbum permanece en nuestra memoria como uno de los más hermosos muestrarios de folk-prog con tenor ecléctico de los últimos 11 años. Para la realización de “Harvest”, este ensamble ateniense se amplió bastante, constando de las vocalistas Dimi Spela y Evangelia Kozoni, Yorgos Mouhos [guitarras eléctrica y acústicas de 6 y 12 cuerdas, y voz], Nicolas Nikolopoulos [flauta, clarinete, saxofones tenor y barítono, flauta dulce, pianos acústico y eléctrico, órgano, mellotrón, sintetizadores, clavicordio, claviner, glockenspiel y coros], Marietta Tsakmakli [saxofones soprano, alto y barítono, y coros], Aggelos Malisovas [bajos con y sin trastes] y Yiannis Iliakis [batería, percusión y coros]. Todas las canciones contenidas en este nuevo repertorio fueron compuestas por Mouhos y Nikolopoulos, y la verdad que capturan fehacientemente un ingenioso enfoque de la línea musical esencial de CICCADA, dándole un vigor renovado a su esquema sonoro. Bueno, veamos ahora los detalles de este disco, ¿vale?

Ciccada - Harvest

La tríada inicial del álbum nos pone frente a nuestros ojos el mapa sonoro general del álbum, comenzando con ‘Eniania (Keepers Of The Midnight Harvest)’ y terminando con ‘The Old Man And The Butterfly’: el primero de estos temas dura poco menos de 7 ½ minutos y el último, poco más de 7 ¾ minutos. La pieza de entrada pone sobre el tapete un despliegue de sonoridades serenas bajo un ropaje preciosistamente exuberante, lo cual se traduce en un cobijo majestuoso para el etéreo desarrollo de los centros temáticos de fuerte carga pastoral. Es como una hibridización entre el paradigma de CELESTE y el patrón de los tres primeros álbumes de WHITE WILLOW, añadiéndose algunos elementos de la faceta más exultante de los dos primeros álbumes de QUIDAM. Las maderas y los saxos se interconectan en su guía compartida para la mayor parte del esquema melódico, mientras que la batería maneja con elegante soltura los cambios de ritmo que surgen en el camino. Por su parte, ‘The Old Man And The Butterfly’ se dedica a enfatizar el colorido vitalista reinante en la canción precedente para brindarle mayores dosis de sofisticación expresiva e intensidad refulgente. A través de una delicada exploración de los filtros neo-Canterburyanos de unos THIEVES’ KITCHEN o unos LOST CROWNS, el grupo inserta unos efectivos aires jazz-progresivos en varios pasajes de la versátil arquitectura rítmica de esta pieza. Un cénit del álbum, así como también lo es el tema que se sitúa en medio de ellos, titulado ‘Open Wings’. Manteniéndose fiel a su ideología de radiantes musicalidades, el grupo realiza el enfoque musical de este segundo ítem del álbum bajo la frontal influencia de los JETHRO TULL de la fase 77-79. La agilidad esencial al espíritu jovial de la composición va discurriendo naturalmente mientras, a mitad de camino, algunos recursos de vigor rockero se entrometen para explorar más a fondo las vibraciones enérgicas que perpetuamente empujan al entramado instrumental mientras las partes vocales elaboran un gentil sortilegio. ¡Recién llegamos al ecuador del disco y ya estamos totalmente impactados por lo que se va mostrando!... Pero todavía hay más.

‘No Man’s Land’ comienza con un prólogo de temple Floydiano basado en el poderoso lamento de la guitarra eléctrica sobre una capa de órgano, pero pronto emerge un cuerpo central que agita masivamente varias referencias progresivas de los viejos años 70s, los mismos que van desde GRYPHON hasta GENESIS, pasando por JETHRO TULL y GENTLE GIANT. Durante el desarrollo temático, hay una presencia importante de pasajes melancólicos, eficazmente realzados por las vocales femeninas (incluyendo un ceremonioso soliloquio). De todas maneras, no faltan los interludios más animados que se encuadran en complejos esquemas rítmicos. Otro incuestionable culmen del álbum. ‘Who’s To Decide?’ nos sorprende con sus vibraciones jazz-rockeras desde los primeros instantes, marcados por la grácil agilidad de la dupla rítmica. La verdad que esto suena a un inaudito pero muy agradable híbrido de HATFIELD AND THE NORTH y los PREMIATA FORNERIA MARCONI de la fase 74-75. Más adelante hay un ejercicio de estilizada densidad que enriquece al dinamismo integral de la pieza. Dentro de la normativa estética de CICCADA, una pieza así encarna el contraste perfecto frente a las peculiares vibraciones meditabundas de ‘No Man’s Land’. Siendo el tema más largo del repertorio con sus poco menos de 12 ¾ minutos de duración, ‘Queen Of Wishes’ cumple con la función de cerrar a lo grande el álbum, y ya desde el punto de partida, con ese solemne prólogo pastoral marcado por las maderas, el grupo expone claramente sus intenciones. Pronto, las partes cantadas emergen para amalgamarse consistentemente con las marañas instrumentales, estando éstas inmersas en una línea de trabajo que también reconocemos en bandas como JORDSJØ y AGUSA, así como en HÖSTSONATEN: un equilibrio entre lo rockero y lo pastoral dentro de un convincente enclave progresivo que alterna estrategias de ilación y contraste. Básicamente, hallamos aquí una síntesis de las atmósferas centrales de las piezas primera y cuarta, con el plus de que en los pasajes más aguerridos se permite a la guitarra solista mostrar un punche más directo. Todo esto fue lo que se nos brindó en este hermoso álbum titulado “Harvest”, una auténtica cosecha de música progresiva óptimamente exquisita de parte del ensamble griego CICCADA, cumpliendo en gran medida con las expectativas despertadas por el magnífico camino evolutivo que el grupo concretó en la secuencia de sus dos discos precedentes.

Aunque no es tan brillante como su predecesor, este nuevo álbum hace un generoso derroche de colorido e inteligencia arquitectónica a través de sus inagotablemente floridos desarrollos temáticos; es por ello que no nos deberá extrañar que “Harvest” se sitúe en posiciones muy altas en los rankings progresivos de fines de este año 2021 cuando llegue el momento de esas habituales encuestas. El colectivo de CICCADA ha recogido una fructífera y fenomenal tercera cosecha musical con este trabajo totalmente recomendable para una buena colección de música progresiva; este grupo griego se mantiene firme en la cima del prog europeo de los últimos 11 años.



Muestras de “Harvest”.-
Open Wings: https://ciccadabem.bandcamp.com/track/open-wings
The Old Man And The Butterfly: https://ciccadabem.bandcamp.com/track/the-old-man-and-the-butterfly
Queen Of Wishes: https://ciccadabem.bandcamp.com/track/queen-of-wishes


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

sábado, 22 de mayo de 2021

Programa #290 - The Flying Caravan (primera parte)

 The Flying Caravan - I Just Wanna Break Even

Con ustedes, el podcast 290 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue la primera, de dos partes, dedicadas al grupo español The Flying Caravan, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena charla con cuatro de sus integrantes: Antonio Valiente, Juan José Sánchez, Pedro Pablo Molina y Lluís Mas.

Podcast:


Lista de canciones:

Get Real - Artista The Flying Caravan, disco I Just Wanna Break Even

Love's Labour Mislaid - Artista The Flying Caravan, disco I Just Wanna Break Even

The Bumpy Road to Knowledge - Artista The Flying Caravan, disco I Just Wanna Break Even


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 22/mayo/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Progresivos saludos españoles!

viernes, 14 de mayo de 2021

Decimocuarto catálogo de aciertos progresivos del ensamble FRENCH TV

French TV - All Our Failures Are Behind Us

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Nos complace enormemente, hasta sublimemente, presentar el nuevo trabajo fonográfico del ensamble avant-progresivo estadounidense FRENCH TV, el mismo que se titula “All Our Failures Are Behind Us”. A menos de un año después del disco anterior, el doble álbum “Stories Without Fingerprints”, este ensamble sabe organizar sus asuntos muy bien a través de estos tiempos pandémicos para mantenerse como una fuerza activa dentro de la escena progresiva estadounidense, así como una entidad veterana dentro del espectro internacional del rock artístico. Los FRENCH TV no pierden el tiempo en la labor de ser lo que son, una asociación de personas con coherente vocación para el arte de la música. El nuevo disco fue grabado y mezclado en diversas sesiones realizadas en el estudio Louisville Recording Arts, en el último tramo del año pasado y a inicios del presente año 2021. Asentado en Louisville, Kentucky, este grupo opera actualmente con la alineación de Mike Sary [bajo, loops y simples], Katsumi Yoneda [guitarras], Patrick Strawser [teclados] y Jeff Gard [batería]. El cuarteto vigente se benefició de las colaboraciones ocasionales de Warren Dale [maderas y acordeón], Ludo Fabre [violín] y Apolline Pailler [canto]. El primero de ellos es un magistral multinstrumentista que formó parte de la banda en los primeros años del milenio, haciéndose presente en tres discos: “The Case Against Art” (2001), “Pardon Our French” (2004) y “This Is What We Do” (2006). Este nuevo disco salió al mercado de forma independiente el pasado 20 de abril, y promete erigirse en una de las ofertas progresivas más notables del año… aunque bien es verdad que siempre decimos lo mismo sobre cada nuevo disco que nos brindan Mike Sary & co. En todo caso, vale la pena apuntalar que el ensamble ha decidido reforzar su preferencia por el discurso jazz-progresivo, tal como ha venido haciendo en el bloque de sus cuatro últimos álbumes. Como es natural, el disco que hoy reseñamos fue publicado por el sello Pretentious Dinosaur Records, dirigido por el propio Sary. En cuanto a la autoría de los seis temas contenidos en “All Our Failures Are Behind Us”, está acreditada colectivamente a todos los integrantes del cuarteto junto a Dale y Fabre; repasemos ahora los detalles de cada uno de ellos.

Los primeros 6 ¾ minutos del álbum están ocupados por ‘Desire And Consequence’. Una breve secuencia de capas cósmicas de sintetizador a lo JAN HAMMER funge como prólogo para un extrovertido y vivaracho cuerpo central plenamente situado en una encrucijada entre el paradigma de HAPPY THE MAN y el estándar de los WEATHER REPORT de la etapa 77-82. Las variantes de compás fluyen con compacta naturalidad, siendo así que tanto en los pasajes más ágiles como en los más relajados se explaya un recurrente caleidoscopio de tonalidades vitalistas. Ya de entrada, el teclista nos brinda algunos de los mejores solos de sintetizador de todo el álbum. Luego de este refulgente inicio de las cosas sigue el no menos radiante tema titulado ‘The Secret History Of The Fez’, el cual recalca las oscilaciones y sonoridades centrales de la pieza de apertura, pero esta vez con un halo un poco más incrementado de sofisticación estructural. El vuelo compositivo se evidencia aquí más ambicioso, añadiendo algunas travesuras atonales de tenor Zappiano a la activa mezcla de estilizaciones prog-sinfónicas y elegancia jazz-rockera. Sin duda, la destacada presencia del violín en numerosos parajes del desarrollo temático (más la de algunos ornamentos de percusión tonal) ayuda a realzar la majestuosidad esencial de este tema, el cual termina con un epílogo etéreo al estilo de A TRIGGERING MYTH. Ya tenemos un cénit decisivo para el disco integral. El tercer ítem del álbum se titula ‘Los Idiotas’ (sí, así en español) exhibe un juguetón retorno a la faceta dadaístamente circense de la banda, la cual nunca desaparecerá del todo. RIO jovial que destila una extravagante amabilidad y un bizarro sentido de la deconstrucción melódica, a la par que va hilando diversos motivos reconocibles a través de variadas instancias de expresividad, garra y soltura. La música refleja, a la vez, la inocencia lúdica de un espíritu libre y el descaro inconsciente del inconformista. El enfoque persistentemente jazzero que aporta la batería ayuda al bloque sonoro a concretar los vericuetos sonoros con una excelsa gracilidad. Otro momento culminante del disco. ‘Sadly, Time Travel Is Not An Option’ se enfoca en una mezcla de la intrincada magia del tema precedente y la atmósfera refinadamente señorial del segundo. El espíritu de los motifs centrales alterna pasajes nebulosos con otros que destilan una pletórica gracilidad.

Durando más de 9 ½ minutos, ‘From Trunk To Tail’ es el tema más extenso del álbum. Comenzando con un breve prólogo sigiloso, pronto la pieza empieza a hilar diversos motivos marcados por variadas atmósferas y esquemas rítmicos, lo cual permite al grupo, por enésima vez, lucir sus galones en el arte de hacer collages sonoros osados que no pierden un ápice de integralidad interna. Varios pasajes son realmente amables, exhibiendo una calidez lírica sobre esquemas jazz-progresivos perfectamente perfilados. Otra vez es el violín quien funge como colega sumamente confiable para que la guitarra y el sintetizador, en sus muchos momentos de lucimiento, lideren el multivalente desarrollo temático. Desde RETURN TO FOREVER hasta CAMEL, pasando por HAPPY THE MAN y NATIONAL HEALTH, el ensamble retoma algunos grooves propios de sus discos de fines de los 90s dentro de su esquema sonoro actual. Este penúltimo ítem del álbum encarna un cénit definitivo del mismo. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘The ¡ÓXÖ! Lesson’, que es, a todas luces, el tema más plagado de matices etéreos de todo el disco. El talante crepuscular del desarrollo melódico y las diversas estructuras cadenciosas que realiza la dupla rítmica enfilan la expresión de un predominante clima reflexivo para el bloque instrumental, lo cual se emparenta directamente con los temas #1 y #5 del álbum. Dicho esto, también cabe indicar que también hay unos pasajes presurosos que añaden una oportuna diversidad al asunto. FRENCH TV y “All Our Failures Are Behind Us” son, en nuestro balance final, dos nombres que tienen que ser anotados con letras grandes y doradas dentro de nuestras agendas melómanas progresivas del presente año 2021. Este ensamble no ha perdido ni una partícula de su maestría para crear música progresiva aventurera de gran nivel y excelente espíritu aventurero. Un disco totalmente recomendable para cualquier fonoteca actualizada de rock artístico: es un catálogo de aciertos progresivos de FRENCH TV, un grupo que nos tiene acostumbrados a tirar al centro de la diana con cada disco que gesta.



Muestras de “All Our Failures Are Behind Us”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

lunes, 3 de mayo de 2021

Programa #289 - Surtido variado de rock progresivo

 SomeWhereOut - Deep in the Old Forest

Con ustedes, el podcast 289 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión tuvimos un surtido variado y diverso de gran rock progresivo para disfrute de todos ustedes. Disfruta gran material de Biome, De Souza ProjectSomeWhereOutTrinidad & Tabaco y Eric Baule.

Podcast:


Lista de canciones:

Hanaq Pachap / Soy - Artista De Souza Project, disco Paradigma (EP)

Caos - Artista De Souza Project, disco Paradigma (EP)

El espejismo de los dioses - Artista De Souza Project, disco Paradigma (EP)

Carmesí - Artista Trinidad & Tabaco

Ancestral Voyage - Artista Eric Baule

Sailor's Sea of Wonders - Artista Eric Baule

Walk Among The Crystal Tides - Artista Biome , disco Essence

Interlude II - Winter - Artista SomeWhereOut , disco Deep in the Old Forest

The Old Forest - Artista SomeWhereOut , disco Deep in the Old Forest


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 3/mayo/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos musicales!

lunes, 26 de abril de 2021

Un horizonte que se expande para los irlandeses PARHELIA

 Parhelia - Celestial Horizons

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar del ensamble irlandés PARHELIA, el cual está conformado por Greg Clarke [guitarras, teclados y efectos] y Cathal Rodgers [bajo y teclados]. El disco más reciente dentro de su vigente trayectoria se titula “Celestial Horizons” y fue publicado el 19 de mayo del pasado año 2020. Se trata de su quinto trabajo de estudio, tercer disco de larga duración (siendo así que el primero de ellos fue publicado tras un par de EPs sucesivos de 2006 y 2007). Para este disco, el bloque instrumental se completa convenientemente con el baterista Ben Wanders. La línea de trabajo de PARHELIA está esencialmente enfocada al post-metal, incluyendo elementos de las tradiciones del stoner y la psicodelia progresiva de tendencia atmosférica dentro de su esquema sonoro. Sucediendo por 7 años a “The Precipice Of Change”, que fue muy bien celebrado en su momento, “Celestial Horizons” da nuevos motivos de jolgorio melómano al establecer una dinámica sonora donde el fulgor y la densidad son manejados con una grácil soltura, combinándose de manera fluida y elegante. La gestación de este álbum fue particularmente larga, comenzando con un periodo de composición, maquetas y producción que se extendió del año 2014 al 2019. Las bases de batería fueron las primeras en ser registradas en la grabación definitiva del disco entre los años 2018 y 2019, siendo así que el dúo de Clarke y Rodgers asentaron sus múltiples aportes en los dos primeros meses del año 2020. Y bueno, el disco pudo ser publicado... y revisamos sus detalles ahora mismo.

Parhelia - Celestial Horizons

‘A Lonesome Journey’ abre el disco con un poderoso efecto de ventisca que pronto desaparece para abrir paso a un jam solemne sostenido por un groove razonablemente ceremonioso que incluye algunas variantes sofisticadas en su armazón rítmico. Se siente aquí un firme y rotundo vigor rockero que se centra en las bases armónicas del desarrollo temático, permitiendo así que el potencial onírico del mismo se concrete con sugerente musculatura. La pieza homónima sigue a continuación para imponer una atmósfera más comedida y grácil, abriendo espacios para pasajes parsimoniosos en medio de otros más animados. En comparación con el fulgor primaveral emanado por la pieza de inicio, este tema se centra más en grisáceas vibraciones que oscilan entre lo crepuscular y lo noctámbulo. Lo que nos ha brindado ‘Celestial Horizons’ es un soberbiamente elegante juego de sonoridades densas dentro de un índice temático que, sin duda, tiene su propio gancho. Tenemos aquí un cénit decisivo del álbum. La dupla de ‘Olympus Mons’ y ‘Open Heart’ permite al ensamble expandir su paleta sonora, siendo así que el primero de estos temas exhibe una gentiliza lírica bastante transparente mientras, de a pocos, edifica su trayecto desde un inicial swing sigiloso hasta otro mucho más vivaz durante el clímax final. La idea melódica es sencilla, pero es afirmada con lucida eficacia. Por su parte, el segundo de estos temas mencionados ostenta un aura más misteriosa, en muchos aspectos emparentada con la densidad que marcó al segundo tema del álbum, pero, esta vez, dicha densidad es instaurada como el centro neurálgico de la expresividad envolvente y claroscura en curso. El hecho de que los riffs cuenten con una dosis especial de electrizante autoridad permite a la pieza preservar un genuino brío rockero a despecho de la languidez inherente al esquema rítmico utilizado para la ocasión. ‘Stars Align’ comienza con un prólogo sereno de matices cósmicos que asienta el terreno para un vivaz cuerpo central: el gancho esencial de éste nos hace desear que esta pieza durara un poco más de los 4 minutos y pico que el grupo le concedió.

‘The Veil Of Truth’ se caracteriza por establecer una ágil y llamativa síntesis entre los temas #1 y #3. La secuencia de ‘Maps Of Meaning’ y ‘Closing Chapter’ se encarga de cerrar el álbum, siendo así que ambos temas sirven para que el ensamble vuelva a explorar fehacientemente los vértices más sofisticados de su propuesta musical. La primera de estas piezas establece coqueteos con el patrón del prog-metal e incluye algunos modismos cuasi-Crimsonianos a su desarrollo temático. Por su parte, la adecuadamente titulada ‘Closing Chapter’ exhibe una majestuosa variante de la faceta crepuscular de la banda, la cual es trabajada con meticulosos entramados de los guitarreos que, a pesar de no esconder la sencillez estructural de la composición, logran brindarle una eficaz aureola de contundencia rockera, una aureola muy fiel al estándar habitual del post-rock con su efectivo toque de nervio expresivo. En menos de 37 minutos, el colectivo de PARHELIA logró concretar una de las obras más rotundas del pasado año 2020 dentro de la escena post-metalera merced a la manifestación de sus pletóricas ambiciones estéticas. Aunque llega bastante tarde esta reseña, todo elogio vertido para con “Celestial Horizons” ha sido honesto.



Muestras de “Celestial Horizons”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

martes, 20 de abril de 2021

Programa #288 - Art Velmor

Art Velmor - 36000ft

Con ustedes, el podcast 288 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue dedicada al músico mexicano Art Velmor, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena platica con él acerca de su trayectoria y su álbum debut 36000ft.

Podcast: 


Lista de canciones:

Takeoff - Artista Art Velmor, disco 36000ft

Turbulence - Artista Art Velmor, disco 36000ft

Cruise Speed - Artista Art Velmor, disco 36000ft

Descent - Artista Art Velmor, disco 36000ft

Lima Yankee Zulu - Artista Art Velmor, disco 36000ft

Final Approach - Artista Art Velmor, disco 36000ft

Crosswind - Artista Art Velmor, disco 36000ft


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 20/abril/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos, volando por cielos mexicanos progresivos!

sábado, 17 de abril de 2021

Fábulas progresivas para nuestro tiempo gestadas en la narrativa de MISTER ROBOT

 Mister Robot - Fables for Robots

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos un proyecto progresivo muy especial que procede de la escena rusa; se trata de una iniciativa del compositor y multiinstrumentista Aleksei Ruzakin que se llama Мистер Робот (MISTER ROBOT) y cuyo disco debut fue publicado originalmente a fines de abril del pasado año 2020, de manera independiente, en su propio canal de YouTube, y mucho nos tememos que esta reseña llega muy tarde, pero bueno, es honesta en sus expresiones elogiosas para con el ítem que hoy nos ocupa. La publicación de este material significó una grata sorpresa dentro de los círculos de apreciación del rock progresivo. Ya a mediados de abril de 2020, el disco se puso a disposición de descargas digitales a través del blog de Bandcamp del buen Aleksei [https://misterrobot.bandcamp.com/album/fables-for-robots], unas semanas antes de su publicación física. Se trata de un álbum conceptual que consta de una sola suite con dos partes, siendo la suite en cuestión titulada “Сказки Роботов” (“Fables for Robots”). Ruzakin toca los muchos teclados que aparecen en el álbum, junto a las guitarras, el bajo y la programación de ritmos. La Parte 1 (Часть Первая) dura poco más de 19 ¼ minutos, mientras que la Parte 2 (Часть Вторая) se extiende por casi 20 ½ minutos. Ruzakin, nacido y residente en la localidad de Omsk, tiene detrás de sí una trayectoria en varios grupos de rock, así como una participación en dos discos del grupo de rap TANGENT, que tiene fama nacional desde la ciudad de Novosibirsk. Cuando él se decidió a formar un grupo de música progresiva en el año 2015, se topó con que no conocía a nadie dispuesto a acompañarlo en esta aventura dentro de su entorno vivencial, sí que, poco a poco, fue armando esta obra y encargándose de todos los instrumentos y de todas las partes cantadas. Tras cinco años componiendo y recomponiendo ideas, grabando y mezclando maquetas hasta concretar las versiones definitivas de las diversas secciones de la suite ‘Fables for Robots’, finalmente se completó la misión. El concepto del álbum se centra en los alcances y límites de la vida humana en nuestros tiempos de dominio de lo digital y lo cibernético, los orígenes de sus deseos y metas de la vida, y su programabilidad de acuerdo a la maquinaria industrial global. A propósito, existe un libro llamado Fábulas para robots cuya primera edición data del año 1964 y cuya autoría es del narrador polaco STANISŁAW LEM, el mismo autor de Solaris y La voz de su amo. Este libro de cuentos consiste en elaboraciones grotescas de cuentos folclóricos típicos dentro del inaudito contexto de un mundo poblado por robots, por lo que allí pululan reyes, damas, caballeros, animales, dragones robóticos. Esta dato muy bien puede explicar por qué predomina en el álbum que estamos ahora reseñando un espíritu jovial y lúdico.

Bueno, yendo ahora a los detalles estrictamente musicales de “Fables for Robots”, comenzamos con la Parte 1, cuyos fragmentos se titulan ‘In the Laboratory’, ‘Robot Dance’, ‘Robot Free Will’, ‘Creating Robots’, ‘Robots Talk’, ‘Robots Have Been Created And Roles Assigned To Them’, ‘Image Creation’, ‘Matter Is Woven’ y ‘Wild And Strange’. Ésta comienza con sonidos de unos pasos, una puerta abriéndose, una persona mayor y una niña conversando por un rato mientras suena un trasfondo de cajita musical, y luego se amplifica dicho trasfondo para hacer brotar desde allí el primer cuerpo central, uno basado en un espíritu de vodevil con raigambre prog-sinfónica en clave muy ligera. Más adelante, las cosas viran hacia un aura mucho más ceremoniosa en base al armazón de densas orquestaciones de teclados, sobrias intervenciones de la guitarra y algunas adiciones de sintetizador con talante cósmico. Ya el asunto pasa a sonar a mitad de camino entre los CAMEL y los GENESIS de fines de los 70s, y para cuando vuelven a agilizarse, el groove asume un temple jazzero mientras el piano asume un rol protagónico... Y regresamos a una ambientación muy semejante al la del punto de partida con total naturalidad, eso sí, con un arropamiento musical más rico (casi al modo de THE ENID). Tras un final envolventemente climático que incluye refinadas excursiones de guitarras acústicas, emerge un nuevo motif que se enrumba hacia un explayamiento de la fastuosidad sinfónica que se había apoderado del norte musical, capitalizando sus recursos de estilización melódica y abriendo paso a una estrategia más ambiciosa de variantes temáticas (un poco a lo KARFAGEN), e incluso recurriendo a veces a subterfugios disonantes que permiten el brote de una especie de tensión. A la hora de elaborar una conclusión para este pasaje tan intenso y tan explícitamente fulguroso, poco antes de llegar a la frontera del decimoquinto minuto, el bloque instrumental incorpora recursos ambientales propios de la electrónica (el JEAN-MICHEL JARRE de los cuatro primeros álbumes, los TANGERINE DREAM de la fase 77-82). Este segundo gran final sirve, a fin de cuentas, como puente para el epílogo, el cual retoma el espíritu central del segundo cuerpo central y reactiva sus aires cálidamente joviales.

La Parte 2, según nos parece, es la más notable de la suite: los títulos respectivos de sus fragmentos son ‘Visiting The Moon By Magic In Astronomical Dreams’,’You Will!’, ‘What Is Life?’, ‘Erasing Images’, ‘Robot’s Free Will (Reprise)’, ‘What Does The Robot Dream Of? (Lucifer’s Flight)’ y ‘We Don’t Know Who We Are’. Sus ornamentos inaugurales se basan en atmósferas espaciales con un enclave en capas agudas de sintetizador, los cuales pronto dejan paso a otras más sutiles sobre las cuales se sueltan unos bellos (aunque demasiado breves) pasajes de guitarra acústica, y a partir de allí, el bloque sonoro se centra en una alternancia entre ambientes sinfónicos de carácter extrovertido con otros que se orientan más tentativamente hacia lo solemne. Poco antes de llegar a la frontera del sexto minuto, un pequeño solo de sintetizador nos llama la atención porque su actitud afilada sirve para reforzar el factor vigoroso que muy pronto se asentó en esta Parte 2. Una vez más, nos acordamos del modelo de KARFAGEN, e indirectamente, del paradigma Yessiano. De todas maneras, la siguiente sección se orienta hacia una mezcla de sinfonismo y jazz-prog, lo cual significa que el groove se sofistica un poco y, también, que el colorido sónico se atenúa levemente. En algún momento, llega la hora de poner una serena cuota de dramatismo al asunto, por lo que las bases de teclado se densifican para que la intervención vocal inserte pasajes en modo de rap: desconcierto o furia, una de estas dos cosas es la que está siendo expresada aquí. Una siguiente sección se instala cómodamente en un nuevo ejercicio de sinfonismo amalgamado con elementos jazzeros; siendo ahora el piano el instrumento protagónico, la ingeniería rítmica se orienta hacia un groove beatífico mientras los ocasionales solos de guitarra colorean la senda señalada por el piano. Sobre la frontera del minuto 16, el esquema instrumental regresa de lleno a lo fastuoso mientras enfatiza un enclave parsimonioso... Y, de paso, nos brinda el mejor solo de guitarra eléctrica de toda la obra, muy al estilo jazzero. El pasaje final de este clímax conclusivo se completa con un golpe de gong, tras el cual sigue una breve coda armada con una coral mecanizada: posiblemente simboliza la ovación de un público robótico, lo cual va en línea con el concepto del álbum referido al conformismo masivo y la programabilidad de un mundo cada vez más mecanizado.

Todo esto fue lo que se nos ofreció en el ambicioso repertorio de “Fables for Robots” de parte de MISTER ROBOT; este proyecto de Aleksei Ruzakin nos ha causado una muy buena impresión, surgiendo prácticamente de la nada para ornamentar con su voz propia a la vasta producción progresiva del pasado año 2020. Es por eso que esperamos que dé más frutos musicales en el futuro próximo; por lo pronto, nos queda el deleite de este álbum.



Muestra de “Fables for Robots”.-
También pueden escuchar el programa 280 de Cerca de la Orilla dedicado de lleno a este trabajo musical: https://cercadelaorilla.blogspot.com/2021/01/programa280.html


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

lunes, 12 de abril de 2021

Programa #287 - Dos GRANDES canciones progresivas

Kate Bush - Hounds of Love

Southern Empire - Southern Empire

Con ustedes, el podcast 287 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión repasamos dos GRANDES canciones progresivas: "The Ninth Wave" de la artista británica Kate Bush, así como "The Bridge that Binds" del grupo australiano Southern Empire.

Podcast:


Lista de canciones:

The Ninth Wave - Artista Kate Bush, disco Hounds of Love

The Bridge that Binds - Artista Southern Empire, disco Southern Empire


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 12/abril/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos progresivamente épicos!

sábado, 27 de marzo de 2021

FOG LIGHT: en busca de una nueva señal para la actualidad del jazz-rock

 Fog Light - Sign

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de presentar al trío finlandés FOG LIGHT y su cuarto álbum de estudio, el cual se titula “Sign” y sucede al ítem precedente “New Element” por un año y cuatro meses. Más exactamente, este nuevo álbum se publicó a inicios de diciembre del pasado año 2020 por vía del sello Inverse Records, y supuso un importante paso adelante para la propuesta de jazz-rock con talante eclécticamente progresivo que el trío tiene como su estandarte estético. Este ensamble conformado por Jarmo Pikka [batería], Saku Hakuli [guitarras] y Pasi Hakuli [bajo y teclados] ha realizado aquí un disco poderoso, inundado de vigor y dinamismo por doquier, centrado en el paradigma del jazz-rock con referencias claras a los paradigmas de TRIBAL TECH, ALLAN HOLDSWORTH y NIACIN, más algunos avatares progresivos aprendidos de KING CRIMSON y LIQUID TENSION EXPERIMENT. En cierto sentido, la línea de trabajo de esta agrupación escandinava va en paralelo con los de otros ensambles como COUNTER-WORLD EXPERIENCE, SOFTEN THE GLARE y SPECIAL PROVIDENCE. Si en su momento, el celebrado “New Element” encarnó una señal clara de maduración sólida para la visión musical de FOG LIGHT, “Sign” es el manifiesto del refuerzo de dicha maduración en pos de instaurar una nueva crónica dentro del variopinto mundo del jazz-rock de nuestros tiempos. Repasemos ahora los detalles del repertorio contenido en este enérgico disco, el mismo que, adelantamos, nos ha causado una muy buena impresión.

Fog Light - Sign

La dupla de ‘Aamu Nousee’ y ‘Mitä Jos’ pone las cosas en marcha con convicción y sólida expresividad. El primero de estos temas, tras un inicio de talante sigiloso y con un calculado registro de expresividades robustas, termina instalando un cuerpo central caracterizado por una musculatura sobria sobre un compás constreñido y ceremonioso. Dentro de un enfoque sonoro que coquetea con el punk-jazz, la atmósfera general se acerca someramente al estándar del stoner. El segundo de estos temas apuesta por un swing más explícito y un esquema rítmico más sofisticado, obligando al trío a explorar con sistemática persistencia su faceta más propiamente extrovertida. A través del llamativo desarrollo temático, hay algunos pasajes asentados sobre inteligentes juegos de síncopas, así como hay otros más ligeros donde se impone un groove funk-jazzero. ‘Unessa Ei Voi Huutaa’, el tercer tema del álbum, se caracteriza por exhibir una atmósfera un tanto misteriosa, hasta árida, dentro de un bloque sonoro relajado que se acerca a lo introspectivo; solo al final se ponen las cosas en un plan más robusto y contundente. Las asertivas líneas del bajo a veces elaboran unas vibraciones pulsátiles y otras veces acompaña ciertas virguerías de la guitarra. La aparición del sintetizador en algunos pasajes estratégicos añade un momentáneo tenor progresivamente cósmico al asunto. Por su parte, la batería sabe llenar espacios y crear ornamentos exquisitos dentro del groove mayormente calmado sobre el que se instaura este tema. Tenemos aquí uno de los temas más ingeniosos del repertorio, logrando completar el clímax conquistado por el tema precedente a pesar de tener un espíritu totalmente distinto. La cuarta pieza del álbum se titula ‘Koranilma’ y despliega una luminosidad señorial donde reinan la extroversión y el júbilo. Casi parece que está diseñada para hacer contrapeso frontal a la que estuvo antes, pues la aureola expresionista que hila todas las variantes temáticas en curso nunca deja de ser fulgurosa, ni siquiera en los pocos momentos más tirados hacia lo otoñal. ‘Kuunsilta’ sigue fielmente la senda trazada por ‘Mitä Jos’ mientras le da un enfoque más liviano al asunto. La sencillez estructural del cuerpo temático emite un aura entrañable; los ocasionales ornamentos de sintetizador añaden un matiz ensoñador.

Fog Light - Sign

‘Vyöhyke’ crea una atmósfera medio Crimsoniana para insuflar algo de neurótica magnificencia a su núcleo temático, el cual se basa en una fabulosa y electrizante mezcla de jazz-rock y psicodelia pesada de talante progresivo. Vitalista y distante a la vez, esta pieza crea un aura majestuosa en torno a sus sofisticados grooves y los punzantes riffs de la guitarra. Así las cosas, ‘Lainauni’ se enfoca en la gestación de una combinación de los aspectos sereno y aguerrido del trío. La tríada de ‘Säätyyppi’, ‘Jazzifisti’ y ‘Tanssivat Valot’ da conclusión al álbum, ocupando un total colectivo de 14 ¾ minutos. ‘Säätyyppi’ sigue por el terreno del jazz-rock con base funky y musculatura decisiva en los guitarreos, un encuadre sonoro que será reiterado de inmediato en ‘Jazzifisti’. De hecho, aquí se da una capitalización notoria de esta estrategia, pues algunos pasajes están genuinamente signados por una pesadez rockera. En fin, ‘Tanssivat Valot’ (el tema más largo del disco con sus poco menos de 6 minutos de duración) desarrolla una vitalista síntesis entre la energía expresiva del tema #8, la aureola misteriosa del tema #6 y la dimensión serena de la banda. La ingeniería temática es muy precisa, siendo así que las atmósferas de los teclados resultan muy relevantes para el bloque general. En este contexto, la excelsa labor de la batería está para darle un empuje especial a la pieza, además de algunos oportunos recursos de complejidad. Todo esto fue “Sign”, un disco diseñado para transmitir una nueva señal de vitalidad para el escenario actual del jazz-rock, tanto a nivel europeo como mundial. La gente de FOG LIGHT ha hecho un trabajo bordado en la secuencia de 10 temas que completan el repertorio de este álbum y merece todos los elogios por ello.



Muestras de “Sign”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de Musica Progresiva Contemporanea

sábado, 20 de marzo de 2021

Programa #286 - Psychic Equalizer

 Psychic Equalizer - Revealed II

Con ustedes, el podcast 286 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue dedicada al grupo multinacional Psychic Equalizer, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena charla con sus cuatro integrantes: el colombiano Carlos Barragán, la australiana India Hooi y los españoles Adrián Ubiaga y Hugo Selles.

Podcast:


Lista de canciones:

The Astronomers - Artista Psychic Equalizer, disco Revealed II (EP)

Lost in the Universe - Artista Psychic Equalizer, disco Revealed (EP)

Destination Zero - Artista Psychic Equalizer, disco Revealed II (EP)

Unveiled - Artista Psychic Equalizer, disco Revealed (EP)

Away - Artista Psychic Equalizer, disco Revealed (EP)

The Last of Humankind - Artista Psychic Equalizer, disco Revealed II (EP)


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 20/marzo/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos, multinacionalmente progresivos!

miércoles, 17 de marzo de 2021

Los ELEPHANT9 nunca fallan: grandeza y veteranía para el escenario jazz-progresivo del año 2021

 Elephant9 - Arrival Of The New Elders

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos con mucho placer el nuevo disco del colectivo noruego ELEPHANT9, conformado por Ståle Storløkken [órganos Hammond y Eminent 310, pianos de cola y eléctrico Fender Rhodes, mellotrón y Continuum], Nicolai Hængsle [bajo y guitarras acústica y eléctrica] y Torstein Lofthus [batería y percusión]. El disco en cuestión se titula “Arrival of the New Elders” y fue publicado por el sello Rune Grammofon (como siempre) el pasado 12 de febrero, tanto en CD como en vinilo. Este trío se hizo presente en el pasado año 2020 con dos discos en vivo, uno de ellos, con la colaboración del virtuoso guitarrista sueco REINE FISKE, un veterano del rock progresivo y el rock psicodélico. De hecho, este señor no es ningún invitado casual de la banda, pues ha participado anteriormente en tres discos de estudio del triunvirato de Storløkken, Hængsle y Lofthus. Los discos en cuestión son “Psychedelic Backfire I” y “Psychedelic Backfire II” y fueron publicados por el sello Rune Grammofon en el último día de mayo del año 2019, siendo así que los registros de ambos discos tuvieron lugar durante una serie de 4 conciertos en días sucesivos en el local Kampen Bistro de Oslo. Remitiéndonos ahora al nuevo disco de estudio que hoy traemos a colación, éste se grabó en el Studio Paradiso de Oslo en setiembre del pasado año 2020, siendo luego mezclado en el Kungsten Studio en el mismo mes, y masterizado en octubre en el Duper grotten Studio. Todas las composiciones son de Storløkken, salvo una que es de autoría de Hængsle. En líneas generales, su esquema de trabajo sigue el sendero de preferencia de atmósferas en el desarrollo de las estructuras musicales que se dio en el álbum de 2017 “Greatest Show on Earth”, pero esta vez hay un mayor énfasis en la elaboración y los arreglos de tenor flotante y envolvente. La misma sofisticación con un ropaje un poco más celestial, por decirlo de alguna manera. Adelantamos que este nuevo disco encapsula síntomas inequívocos de grandeza estética que permiten a los ELEPHANT9 seguir presumiendo de tener una carrera impecable dentro del escenario jazz-progresivo del nuevo milenio... pero repasemos ahora los detalles de este disco, que ya es hora.

Elephant9 - Arrival Of The New Elders

Durando poco más de 6 ¾ minutos, la pieza homónima abre el álbum con un esplendor tremendamente llamativo. En efecto, ‘Arrival of the New Elders’ tiene un prólogo cósmico que está claramente orientado hacia climas espaciales de tinte space-rockero, para luego dejar campo abierto al muy sereno cuerpo central, el cual nos remite a una excelsa y elegante cruza del paradigma de los primeros dos discos de WEATHER REPORT y el estándar del así llamado nu-jazz: algo evocativo y misterioso que se deja arropar por una aureola de calidez. Los espacios que dejan el piano eléctrico y el bajo son llenados por el swing sutilmente sofisticado de la batería. La segunda pieza del álbum es la más extensa del disco con sus casi 7 ¼ minutos de duración, y responde al título de ‘Rite Of Accession’; desde ya, anticipamos que se trata de un cénit fundamental de este álbum. Su espíritu general está marcado por una vivacidad expresionista marcada por una intensidad envolvente. La labor de la batería es ahora explícitamente contundente en cuanto al armado de las bases para el desarrollo temático, permitiendo al colectivo elaborar un solvente despliegue de penetrante fulgor. A mitad de camino emerge un interludio relativamente sosegado que permite al ensamble darle un cariz un poco más sombrío al nuevo despliegue de vigor expresivo con el que se habrá de completar la estructura de la pieza. Hemos disfrutado aquí de un muy inspirado ejercicio de cruza entre el jazz-prog de talante contemporáneo y la faceta más enérgica de la tradición del jazz-fusion de los 70s (RETURN TO FOREVER). Los dos temas siguientes son los únicos que duran menos de 4 minutos dentro del repertorio: ‘Sojourn’ y ‘Tales Of Secrets’. El primero de ellos establece un esquema y una atmósfera etéreas en la estructuración y la logística del muy amable motif: es como una inaudita combinación del lirismo envolvente JAN HAMMER y la s vibraciones oníricas los HARMONIA del segundo álbum. Nos hubiese dado gusto que durara un poco más, pues tiene una belleza bastante cautivadora. Por su parte, el segundo explora la faceta introspectiva de la banda con un matiz sutilmente lóbrego, aunque, en el fondo, el tenor crepuscular de esta ceremoniosa pieza apunta más hacia lo nebuloso que hacia lo oscuro. Cuando llega el turno de ‘Throughout The Worlds’, el trío retoma el sendero de matices sosegados y reflexivos por el que transitó el tema de apertura, esta vez con una tonalidad más ensoñadora y un aura más otoñal. La secuencia de estos tres temas ha sido, en el sentido más literal de la palabra, embrujadora.

Elephant9 - Arrival Of The New Elders

‘Chasing The Hidden’ empieza con una estrategia de tensiones temáticas que va de ida y vuelta entre climas ensoñadores y dinamismos psicodélicamente robustos. A poco de pasada la frontera del tercer minuto, el grupo decide elaborar un jam a medio tiempo de orientación space-rockera sobre un groove de nu-jazz, algo así como una fusión entre los paradigmas de TORTOISE y JAGA JAZZIST... Claro está, con el toque personal de los ELEPHANT9. El epílogo ostenta una breves vibraciones grisáceas que retoman el aspecto misterioso de la primera parte. Ocupando conjuntamente un espacio de casi 11 minutos, la dupla de ‘Chemical Boogie’ y ‘Solar Song’ cierra el álbum con excelsa magnificencia. El primero de estos temas mencionados se centra mayormente en retomar y remodelar la magnificencia extrovertida del segundo tema del álbum, aumentando las dosis de intensidad e inquietud tanto en el esquema rítmico como en los armazones sonoros creados por los teclados. Por su parte, ‘Solar Song’ cierra el álbum con un regreso frontal a lo introvertido por vía del empleo de un motif meditabundo cuyas texturas flotantes se explayan a placer sobre el swing solemne armado para la ocasión. Básicamente, se trata de una cruza entre jazz suave y post-rock donde la ley del minimalismo se hace cargo de encauzar el entramado instrumental en curso. El fin del disco es como una extremadamente serena puesta de sol donde la inminente oscuridad se presenta como protectora del pronto remanso. Todo esto fue lo que el excelente trío noruego ELEPHANT9 nos brindó con “Arrival of the New Elders”, un soberbio trabajo fonográfico que amenaza con volver a poner a Escandinavia en el tope de las listas de preferencia del año 2021 dentro de los círculos de apreciación del género progresivo, el jazz-rock contemporáneo y el art-rock… ¡Y eso que este año aún no concluye su primer tercio! Recomendamos este ítem al 300% (un 100% por cada integrante).



Muestras de “Arrival of the New Elders”.-


Mas críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de Musica Progresiva Contemporanea

sábado, 6 de marzo de 2021

Programa #285 - Lo mejor del rock progresivo 2020 (quinta parte)

The Tangent - Auto Reconnaissance

Con ustedes, el podcast del programa 285 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Cerramos con el quinto, de cinco programas, dedicados a lo más destacado en el rock progresivo durante el 2020. Disfruta gran material de Pendragon, Rodrigo San Martín, The Tangent, Ellesmere y Ring Van Mobius.

Podcast:


Lista de canciones:

Endeavour - Artista Ellesmere, disco Wyrd

The Möbius Ring - Artista Ring Van Möbius, disco The 3rd Majesty *

Sinfonía Arcana - Artista Rodrigo San Martín, disco Arcana (Act 1)

Who Really Are We? - Artista Pendragon, disco Love Over Fear

Jinxed in Jersey - Artista The Tangent, disco Auto Reconnaissance **


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 6/marzo/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos progresivamente podcasteros!


*Cita de Ring Van Möbius, tomada de: https://www.facebook.com/ringvanmobius
**Cita de The Tangent tomada de: https://thetangent.org/about/the-band

jueves, 4 de marzo de 2021

El vertiginoso esplendor de GASPARD

 Gaspard - Vertiges

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Nos complace el día de hoy presentar el nuevo ítem fonográfico del grupo franco-canadiense GASPARD, el cual se titula “Vertiges” y fue publicado el pasado 29 de enero. Este cuarteto asentado en Montreal y conformado por Charles Le Pailleur [bajo y contrabajo], Olivier Turbide [batería, percusiones y sintetizadores], William Parent-Senez [guitarras y sierra musical] y Romain Paquette [guitarras] ha gestado este álbum conceptual inspirado en la leyenda de la ciudad de Heliópolis, con un enfoque centrado “en el contraste entre sabiduría e inocencia, entre la confortable oscuridad y la deslumbrante luz, entre la inercia y la revolución”, tal como señalan los propios integrantes de la banda. “Es un mundo donde todo se desploma y vuelve construirse, donde las piedras flotan en el aire y el comienzo y el final están unidos”. La gente de GASPARD ya nos había impresionado bastante con su álbum debut publicado en febrero del año 2019 “La Forêt De Gaspard”, y ahora, sin demora, ya pone a nuestra disposición un nuevo catálogo musical que dura poco menos de una hora. El material contenido en “Vertiges” contó con las labores de ingeniería de sonido y mezcla de parte de Marc-André Dugas y el propio cuarteto, mientras que el ulterior proceso de masterización fue realizado por Harris Newman en Grey Market Mastering. Veamos ahora los detalles de este nuevo material de GASPARD.

Los primeros 13 ½ minutos del repertorio están ocupados por ‘Le Langage Des Montagnes’, un tema que empieza con una aureola patentemente siniestra en su breve prólogo, el cual pronto abre paso a un motif ceremonioso y oscuro cuyos vértices más inquietantes están apropiadamente apuntalados por el swing parsimonioso. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, el grupo vira hacia una dimensión abrumadoramente etérea, cambiando la nocturnidad precedente por una neblina peculiarmente ensoñadora. Cuando el grupo regresa al sendero de la musculatura patente, el asunto ya no suena tan tétrico como misterioso, aunque está claro que la tensión musical gobierna la oscura letanía que marca al desarrollo temático. Todo termina con un explosivo florecimiento faustiano. El enfoque sonoro planteado por la banda es como una cruz entre MOGWAI, la fase inicial de KAYO DOT y los legendarios PRESENT. Luego sigue la pieza ‘Héliopolis’, la cual se caracteriza por un vigor estructurado por una sistemática extroversión, encuadrada ésta por una mezcla de math-rock, post-rock y psicodelia de talante Crimsoniano. La labor de la batería es particularmente compleja a la hora de elaborar los cimientos para los diversos momentos por los que transita el esquema musical; mientras tanto, las guitarras van dialogando y enmarañándose con variados niveles de intensidad. La extroversión y el fulgor son quienes cogobiernan la gestación y el refuerzo de la espiritualidad general de esta pieza, una de las más notables del álbum, hasta que llega el epílogo, cuando nos sorprende el surgimiento de un clima ceremoniosamente lóbrego. Un cénit fundamental del álbum. El tema homónimo dura poco menos de 2 ½ minutos: principalmente, se trata de un ejercicio de atmósferas lóbregas que coge el relevo de la pieza precedente y le insufla un matiz más abstracto. De este modo, se prepara el camino para el arribo de ‘Voyage Dans Un Courant D’Air’, que es probablemente la pieza más grácil del álbum. De hecho, comienza con un dinamismo extrovertido y vibrante, haciendo que su primer centro temático se desarrolle dentro del patrón del heavy prog con ciertos ribetes de stoner. Poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto, el grupo vira hacia un ambiente más protocolario, una solemnidad ácida que, de todas maneras, sigue preservando el centelleo vivaz de la sección precedente.

‘Cumulonimbus’ se engarza con el tema anterior para realizar una labor de diversidad de ambientes y esquemas rítmicos muy semejante al que se desarrolló en la segunda pieza del álbum. La influencia de MOGWAI vuelve a hacerse presente, y también notamos una pesadez más pronunciada cuando comparamos la soltura de los pasajes más majestuosos con aquellos que formaron parte de ‘Héliopolis’. Esa pesadez a la que hacemos alusión resuena como una remodelación Crimsoniana de los paradigmas de RUSSIAN CIRCLES y de RED SPAROWES. El ensamble desarrolla una labor estupenda a la hora de asentar fluidamente las alternancias entre los pasajes más filudos y los más sutiles; todo discurre naturalmente hasta un incendiario clímax cerca del pasaje final, el cual consiste en un breve juego de leves vibraciones tribales. Otro cénit del álbum. La misión de ‘Pluie De Lumière’ consiste en instaurar un explayamiento de la faceta más volátil de la banda, partiendo de los efectos de sonido de una fuerte corriente fluvial. El motif consiste en establecer un consistente vuelo psicodélico de corte casi minimalista que nos remite a los legados de grandes leyendas del krautrock como ASH RA TEMPEL, POPOL VUH y AGITATION FREE... con su oportuno filtro post-rockero en clave onírica. Tras la exuberancia exquisita y opulenta que tuvo lugar a través del gloriosamente laberíntico tema precedente, siempre viene bien un momento de relax, especialmente si éste surge arropado por un manto de arcano solipsismo. Durando casi 11 minutos, ‘Ascension’ cierra el repertorio con un regreso crucial a las aristas más vitalistas y celebratorias de la visión musical de la banda. Con la encrucijada de encuadres mutuamente complementarios entre las dos guitarras y la robusta labor de la dupla rítmica, la pieza transita a paso firme a través de los diversos parajes encapsulados en el desarrollo temático. La mayoría de las ideas musicales que se manifiestan a lo largo de los primeros nueve minutos y pico destilan un aura luminosa que muchas veces se inserta en una espiritualidad festiva. El momento del epílogo, en cambio, se focaliza en una atmósfera sosegada y reflexiva que parece heredar algo de las vibraciones ensoñadoras del tema precedente. Una muy ingeniosa forma de terminar la pieza y el álbum.

Todo esto fue “Vertiges”, una obra diseñada para cimentar y fortalecer el lugar que tiene este ensamble franco-canadiense GASPARD dentro de la línea de frente en la vanguardia rockera actual. No puede ser de otra manera pues este disco contiene una fresca combinación de garra, texturas y vitalismo dentro de un enfoque musical tan oscuro como vitalista. Tenemos aquí uno de los más electrizantes lanzamientos del año 2021, una exhibición de vertiginoso esplendor que dignifica al escenario progresivo de estos días.


Muestras de “Vertiges”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de Musica Progresiva Contemporanea

sábado, 27 de febrero de 2021

Programa #284 - Lo mejor del rock progresivo 2020 (cuarta parte)

 The Flower Kings - Islands

Con ustedes, el podcast del programa 284 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Continuamos con el cuarto, de cinco programas, dedicados a lo más destacado en el rock progresivo durante el 2020. Disfruta gran material de French TV, The Flower Kings, Pure Reason Revolution, Ars Pro Vita, La Maschera di Cera y Motorpsycho.

Podcast:


Lista de canciones:

Shut up and Shoot!!! - Artista Ars Pro Vita, disco Peace *

This Decadent Poetry Is Awful - Artista French TV, disco Stories Witbout Fingerprints

Eupnea - Artista Pure Reason Revolution, disco Eupnea

The Magpie - Artista Motorpsycho, disco The All is One

Broken - Artista The Flower Kings, disco Islands **

Il cerchio del Comando - Artista La Maschera di Cera, disco S.E.I.


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 27/febrero/2021
Rúbricas: Nora García
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos prog virtuosamente disfrutables!


*Cita de Ars Pro Vita tomada de: https://arsprovita.bandcamp.com/album/peace