HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CESAR INCA.
Hoy tenemos el enorme placer de presentar al ensamble avant-progresivo chileno ASCETA y su disco debut homónimo, el cual fue publicado a inicios del presente año 2022 por el sello mexicano Azafrán Media (con la colaboración de Musea Records). La alineación de ASCETA consiste en Alfonso Vergara [clarinete], Efra Vidal [fagot], Eduardo Rubio [bajo eléctrico y contrabajo], Christian Peralta [cello], Leonardo Saavedra [batería y percusión], Arianne Guerra [violín], Oscar Pizarro [pianos acústico y eléctrico] y Rodrigo Maccioni [guitarras eléctrica, acústicas de 6 y 12 cuerdas, flauta y sintetizadores]. Este último, Maccioni, se hace cargo de todas las composiciones y de la dirección musical del grupo. Si nos suena de algo su nombre es porque se trata de uno de los integrantes de esa fabulosa banda llamada ÁBRETE GANDUL. Si hacemos un poco de memoria, el hasta ahora último disco de ÁBRETE GANDUL “Referencias Circulares” (publicado en 2018) significó una incursión en elementos de corte RIO que eran novedosos para la susodicha banda, ahora, en este disco “Asceta”, Maccioni y el resto de este nuevo grupo se dedica a explorar a fondo los legados del chamber-rock continental de bandas como UNIVERS ZERO, ART ZOYD y PRESENT, además de tener algunas conexiones con otros grupos más cercanos como el mexicano ARTERIA, el argentino ORQUESTA METAFÍSICA y el estadounidense FAR CORNER. Estas conexiones se hacen notar especialmente en la agilidad sonora que invade a varias instancias del disco. La musa vanguardista de Maccioni se reveló a lo largo del año 2020, y el repertorio concreto se grabó y mezcló en los Estudios Paraíso de Santiago de Chile, entre el 2 de junio y el 30 de agosto de 2021. Más adelante, la masterización fue realizada por el prestigioso ingeniero de sonido Udi Koomran en Tel Aviv. Este señor tiene un amplio currículum como ingeniero y músico colaborador para bandas como PRESENT, GONG, 5UU’S, SOFT MACHINE, YUGEN, INNER EAR BRIGADE, ACCORDO DEI CONTRARI, PANZERPAPPA, ORPHANED LAND y un largo etcétera. Como dato curioso, el nombre de este ensamble proviene de un juego de palabras con las letras a y z, como se nota en su logo, y no de algún ideario místico.
Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Asceta”. El inicio del álbum se da con ‘Fobia’, tema que dura 8 ¾ minutos, erigiéndose como el más extenso del mismo. Comenzando con un prólogo minimalista impulsado por un empuje misterioso y tétrico, más adelante entra a tallar el ensamble entero para desplegar un motif más expresionista donde opera un colorido arcano y moderadamente inquietante, no exento de cristalina delicadeza en algunos pasajes estratégicos. Los juegos de síncopas que predominan en la ingeniería rítmica permiten a la fastuosidad reinante dejarse envolver por una gracilidad muy peculiar. También hay un interludio nebuloso que permite a la dimensión fastuosa de la pieza coger un nuevo brío para la siguiente exhibición de colorido sónico. Todo termina con un epílogo de claro talante mortuorio. Con la dupla de ‘Virusmosis’ y ‘Gigantes Microscópicos’, el ensamble sigue afinando su paleta sonora. La primera de estas piezas mencionadas se enmarca dentro de un dinamismo particularmente ágil desde el cual se desarrolla una serie de esbozos razonablemente saltarines, casi diríamos celebratorios. En cuanto a ‘Gigantes Microscópicos’, éste se encarga de revisar los aspectos más extrovertidos de la pieza inaugural para remodelarlos con una dosis mayor de solemnidad. Esta vez, el aura de distinción reemplaza a las vibraciones nebulosas que habían predominado en ‘Fobia’. ‘Los De Afuera’ es el cuarto tema del álbum y encarna uno de los cénit decisivos del mismo. Desde el mismo punto de partida se destaca un manejo meticulosamente sofisticado de las interacciones entre los diversos instrumentos, así como la convicción para armar una ingeniería rítmica que sepa transmitir oscilaciones gráciles mientras instaura su propia trama compleja. Los pasajes marcados por una cierta suntuosidad luminosa son mayoritarios, asociándose con otros pasajes moderadamente oscuros con perfecta fluidez. ‘Ameba’ sigue, en buena medida, el sendero suntuoso y vivaz de la pieza precedente, tal vez con una dosis de musculatura expresiva un poco mayor. No falta el paraje sutil epilogar que añade un oportuno toque de variedad al asunto.
‘Movimiento Estático’ comienza con una atmósfera abstracta que nos hace sospechar que tenemos frente a nosotros un ejercicio de dinamismos oscurantistas, pero, en realidad, tenemos aquí la pieza más cálida del álbum. Su envolvente lirismo destila una aureola evocadora que se siente cautivadora en grandes proporciones. El final del álbum llega de la mano de ‘Sistemas Alterados’, un tema empieza explorando atmósferas oscurantistas a las que se añade un talante melancólico, para luego virar hacia un groove extrovertido de tenor jazz-progresivo. Este nuevo vitalismo es manejado con rigor arquitectónico desde el encuadre general, pero el vitalismo expresivo se advierte claramente en los matices y melodías que aportan las maderas y el violín, principalmente. El epílogo se centra en un breve juego de tensiones que completa ingeniosamente el ya predominante fulgor musical. En conclusión, los nombres del grupo ASCETA y del disco “Asceta” deben ser escritos con letras doradas en el calendario de publicaciones progresivas del año 2022: Rodrigo Maccioni y sus compañeros de viaje se han lucido a lo grande con este repertorio que dura 44 minutos y pico. Desde Chile se proyecta al mundo este excelente catálogo de chamber-rock revitalizado para nuestros tempos, un catálogo totalmente recomendable para cualquier fonoteca dedicada al rock progresivo y experimental. De lo mejor que se nos ha brindado desde tierras sudamericanas para el actual escenario progresivo mundial en lo que va del año 2022.
HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.
En esta ocasión tenemos la ocasión de presentar la nueva producción fonográfica de la banda francesa LA SOCIETÉ DES TIMIDES À LA PARADE DES OISEAUX (o LA STPO, en la versión resumida de su nombre), la cual se titula “Romanciel” y fue publicada en el primer día de este abril por el sello ADN Records. Los integrantes son JimB [guitarra, voz y tubaga], Patrice Babin [batería, percusión y voz], Sébastien Desloges [bajo, violín, voz y platillos], Christophe Gautheur [sintetizador, piano eléctrico, saxofón, clarinete, voz y tubaga] y Pascal Godjikian [primera voz]. Este último también se hace cargo de las letras. Ocasionalmente, el quinteto contó con la colaboración del músico Iomai a la flauta oriental y la corneta natural. El material contenido aquí contenido fue grabado, mezclado y masterizado en el estudio Seb Lorho en varias sesiones entre 2017 y 2021; por su parte, el guitarrista de la banda JimB se hizo cargo del diseño gráfico. Adelantamos que este disco nos ha parecido tremendamente fabuloso, un nuevo golpe de genio de parte de LA STPO dentro de su larga trayectoria de enriquecimiento de la escena vanguardista francesa; la peculiaridad de “Romanciel” es que permite al personal de LA SOCIETÉ DES TIMIDES À LA PARADE DES OISEAUX exhibir unos colores y bosquejos refrescantes dentro de su siempre compleja propuesta estética. Buena parte de su discografía está marcada por un genuino y original enfoque de experimentaciones inspiradas en la tradición del avant-prog de fines de los 70s en adelante (especialmente, la escena continental francófona), pero advertimos que este nuevo álbum muestra algunos modismos orquestales y fusionescos que permiten a la banda explorar renovadoras gamas sonoras desde su seno creativo. Bueno, tras este preámbulo, lo mejor es que ahora repasemos los detalles del repertorio.
El repertorio del álbum se abre con ‘Roman’, una pieza que se expande por un ambicioso espacio de 19 ¾ minutos. Sus primeras instancias están signadas por una calidez de sobrios ribetes fusionescos que se apoyan mayormente en la dupla de violín y percusión tonal, siendo así que hay que esperar hasta la antesala de la frontera del tercer minuto para que el ensamble íntegro dé rienda suelta a su magnificencia ecléctica, alternando un momento de tensión deconstructiva propia de la tradición RIO (al modo de una cruza entre los dos últimos discos de HENRY COW, el primero de ART ZOYD y los dos primeros de ETRON FOU LELOUBLAN) con otro más jovialmente dadaísta al estilo de una cruza entre los paradigmas de FRANK ZAPPA y de THE RESIDENTS. La verdad que la fuerte presencia de las percusiones tonales en varios pasajes y las florituras de vientos que emergen en varios pasajes estratégicos ayudan a darle un aire casi orquestal al asunto. Tampoco falta un extenso pasaje etéreo que inicialmente parece invitar a una ensoñación en base a las flotantes capas de teclado en el trasfondo, pero que el canto tortuosamente versátil de Godjikian trastoca para convertirlo en un exorcismo genialmente inquietante. Los acompañantes ornamentos de violín y de vientos refuerzan esta atmósfera. Tras una larga expansión en esto, el grupo regresa a la jovialidad posmodernista de talante burlesco, manejando las libres formas del momento con un pulso tremendamente preciso. La siguiente instancia se enrumba hacia una ingeniería rítmica de claros tintes folklóricos que se remodelan a medio camino entre lo celebratorio y lo desasosegado, aunque bien delineado por una majestuosidad honestamente fulgurosa; las vibraciones saltarinas del violín, especialmente en los momentos finales, ayuda a reforzar este enfoque epilogar. A fin de cuentas, este primer tema ha resultado ser un cénit del disco que él mismo inaugura. Luego sigue la miniatura de menos de 2 minutos de duración ‘Dictionnaire’; su esquema sonoro es un cántico grupal que alterna sincronías y contrapuntos, acompañado por palmas y sobrios ornamentos instrumentales. De este modo se abre camino a ‘La Diminuée’, una pieza que dura casi 7 minutos y cuya función es la de darle un viraje más denso a la euforia surrealista y al colorido grácil que fueron tan importantes dentro de la extensa pieza que abrió el álbum. Bien es verdad que ‘La Diminuée’, con su mayor presencia de partes vocales, exhibe una carácter más robusto en cuanto al esquema expresivo general, pero, por otra parte, la cualidad etérea de la instrumentación y la presencia de efectos especiales que emulan sonidos de aves brindan un contrapeso de dadaísmo señorialmente sobrio frente al canto.
‘Rien Qu'un Ciel’ es la maratónica suite de 23 ¾ minutos que cierra el álbum, y, como es de esperar, sirve como vehículo para un nuevo ejercicio de rimbombancias radicales de parte de LA STPO. El pasaje inicial está marcado por un esquema impresionista arropado por una aureola solemne, siendo así que sus connotaciones inquietantes se quedan en un nivel bastante soterrado. Esta situación no dura mucho tiempo, pues la mencionada inquietud no tarda mucho en apoderarse del surrealista desarrollo temático (el cual nos recuerda a un híbrido entre los ART ZOYD de los tres primeros álbumes y los de la etapa 87-97) para arrastrar a la pieza hacia una caverna sónica cuyas paredes y techos parecen estar edificadas con materia oscura con una cohesión sostenida por una energía sin nombre. Alrededor de la frontera del noveno minuto, el grupo activa una procesión razonablemente siniestra que sabe impulsarse a sí misma desde la energía emanada del encuadre tripartito de guitarra, bajo y batería. La siguiente sección se centra en aires introspectivos, aunque sin ocultar sus titilaciones nebulosas que casi rayan con lo cósmico; se trata, al fin y al cabo, de un puente hacia otra sección densa centrada en expansiones tétricas donde el oscurantismo reinante tiene algo de lamento. Otras secciones siguientes juegan con texturas alevosamente abstractas que transitan de lo misterioso a lo furioso con perfecta fluidez, siendo así que la elástica acidez del canto de Pascal (ora furioso, otrora burlón, ahora sufriente, después enajenado) se acomoda naturalmente a los meticulosos arreglos instrumentales: en estos últimos, las percusiones tonales retienen el rol protagónico que ya tenían en piezas precedentes del álbum. También es fácil de advertir la influencia de la teatralidad más extrema del paradigma Zappiano, aunque, claro está, con esa vitalidad airadamente surrealista y dadaístamente refinada que ha marcado a los cuatro últimos discos del grupo. El epílogo comienza con unos riffs entrecortados y estrambóticos de guitarra que abren camino a una retoma de la procesión siniestra que mencionamos más arriba. El golpe de las últimas sílabas arrojadas por Godjikian y los minúsculos efectos surrealistas instrumentales cierran con extravagante magnificencia esta suite y el álbum: la permanente aureola combativa que signa a esta excelente maratón vanguardista escoge concluir esta expresión específica con un ejercicio de etérea sutileza.
Todo esto es lo que nos brinda el veterano ensamble LA STPO con “Romanciel”, un disco que reactiva convincentemente el rol de las propuestas más frontalmente vanguardistas del multívoco género progresivo a estas alturas del nuevo milenio. Un trabajo notable, elíptico y complejo que se sitúa entre lo más aventurero y desafiante que se ha hecho dentro del amplio espectro del rock progresivo de los últimos años, algo que no nos sorprende cuando sabemos que procede de los cuarteles de este grupo, pero que, de todas maneras, merece todos los elogios y recomendaciones que se pueden expresar en cualquier lenguaje humano. Estas nuevas romanzas vanguardistas de LA STPO son de entrada obligatoria para cualquier fonoteca dedicada a la música experimental que se precie de ser buena. Ah, y antes de que se nos olvide, es una de las más notables novedades que hemos escuchado en el primer tercio de este año 2022.
Después de más de ¡dos años! (c&@$#/° pandemia) por fin volvía a ir a un concierto, y que mejor que reanudar esta sana y maravillosa actividad que viendo a la virtuosa pianista Hiromi Uehara, con esa fabulosa propuesta que ofrece de jazz rock, fusión, rock progresivo y música académica. Y a quien por cierto podemos decir que “todo el mundo la vio” el año pasado, ya que tocó en la inauguración de los Juegos Olímpicos Tokyo 2020.
No era la primera ocasión que tenía oportunidad de ver a esta talentosa japonesa, ya en el 2015 ella había pisado tierras tapatías, aunque fue bajo su proyecto The Trio Project, acompañada de Anthony Jackson en bajo y Simon Phillips en batería; conciertazo que dio aquella vez. En esta ocasión Hiromi venía de manera solista como tal y enfocándose de lleno en su disco Spectrum del 2019, el segundo (el primero fue Place to Be del 2009) en donde ella no está acompañada de otros músicos.
Arribando al recinto, público treintañero para arriba en su mayoría, más o menos la misma cantidad de mujeres que de hombres. Poco a poco la gente, con su obligatorio cubrebocas, fue ingresando a la sala mientras una voz femenina anunciaba las “primera llamada”, “segunda llamada”... mientras en el escenario, bajo una tenue iluminación morada, estaba el solitario piano de cola, expectante a lo que se vendría poco después.
Bastante adecuado el Conjunto de Artes Santander para una tocada de esta categoría, si bien ya había podido asistir a un par de eventos a este lugar (hay incluso cines), nunca había entrado a una de sus salas de conciertos. En esta caso fue la Sala 2, con un capacidad para poco más de 900 espectadores y aun cuando me tocó en la parte de arriba y un poco de lado, la visibilidad y el sonido fueron bastante buenos.
Pasadas las 19:00 h, con el aforo de la Sala 2 a un 80% de capacidad, aparece en escena la maravillosa y talentosísima Hiromi Uehara.
Sin decir palabra alguna, la oriunda de Hamamatsu se sienta, se toma un par de segundos, prueba un par de teclas y da comienzo “la magia” con la progresiva "Kaleidoscope", monumental rola que abre el Spectrum y que ya dejaba muy claro la capacidad interpretativa de Hiromi; aplausos y vítores después de tan buena apertura. Apenas termina esta canción y se viene la más jazzera "Yellow Wurlitzer Blues", después de esta pieza y sus consabidos aplausos, Hiromi Uehara por primera vez se dirige a la audiencia, y saludando en español menciona que la da mucho gusto estar de vuelta en Guadalajara, después (aunque ya en inglés) explica que el disco Spectrum está regido bajo el concepto de los colores, donde cada canción representa un color diferente, y que de hecho esta gira estaba planeada desde el 2019, pero por los motivos que todos sabemos del COVID ya no pudo ser posible.
Poco a poco fueron desfilando varias canciones del Spectrum, donde Hiromi Uehara sacaba a relucir toda su capacidad interpretativa, haciendo ver como si fuera fácil tocar las dificilísimas y virtuosas secuencias que interpretaba con el piano.
Hiromi Uehara por segunda vez en Guadalajara
La puesta en escena era sobria, con un fondo grande iluminando según el color de la canción correspondiente, con una Hiromi Uehara entregada a su instrumento, donde parecía que por momentos ella estaba en un plano distinto de realidad mientras nosotros teníamos el privilegio de asomarnos a aquella dimensión de belleza musical.
El momento cumbre llegó con los más de ¡20 minutos! de la pieza "Rhapsody in Various Shades of Blue", canción que, como la misma Hiromi explicó a la audiencia, es una reinterpretación de la pieza "Rhapsody in Blue" del compositor americano George Gershwin, aunque también hay partes de John Coltrane y hasta del grupo británico The Who.
Termina esta épica pieza, aplausos, vítores y más aplausos, Hiromi Uehara se retira, aunque todos sabemos que se viene el encore. La japonesa regresa al escenario para una última pieza, donde se vino uno de los momentos de más interacción con la audiencia, ya que el público empezó a acompañar a Hiromi con aplausos, ella entró en el mismo juego ya que mientras ella tocaba una secuencia en el piano, el público respondía con aplausos esa misma secuencia, ella volvía a tocar otra secuencia y el público volvía a responder de la misma forma, y así esta divertida dinámica se prolongó durante varios minutos.
Termina ahora sí el concierto, y con el público de pie aplaudiendo, Hiromi Uehara se retira (aunque de hecho volvió a tocar brevemente el piano como despedida) dando por finalizado este genial recital.
No fue una tocada muy larga, unos 80 minutos, pero fue de muy muy alta calidad y con gran calidad de audio. Un concierto algo distinto a la primera vez que vi a Hiromi ya que como mencioné, aquella vez sí estaba acompañado de bajo y batería y ahora fue ella sola y su piano, lo que en cierta forma acentuó todavía más su virtuosismo y poderío en el escenario.
HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Hoy tenemos el enorme deleite de presentar “Truce 2”, el nuevo trabajo fonográfico solista de MARKUS REUTER que fue publicado por el sello MoonJune Records en la segunda semana de enero de 2022. Ciertamente, no es un disco solista en el sentido más estricto del término, pues REUTER, quien se hace cargo las Touch Guitars, el sintetizador, los soundscapes y los efectos, se hizo acompañar de principio a fin por dos magistrales acompañantes como son Fabio Trentini (bajos con y sin cuerdas ,contrabajo eléctrico y sintetizador bajo) y Asaf Sirkis (batería y percusiones). No solo eso: también resulta que todo el material aquí contenido fue escrito y arreglado por los tres, al igual que en el disco “Truce” del año 2020. Las sesiones de grabación de “Truce 2” tuvieron lugar en el Ritmo&Blu Studio, ubicado en la localidad italiana de Pozzolengo, entre los días 3 y 5 de julio del año 2021. Ese mismo estudio sirvió para el proceso de mezcla, en el último tercio del siguiente mes de agosto, y más tarde tuvo lugar la masterización. Para estas dos últimas fases fue crucial la presencia de Trentini como socio constante de REUTER (además de Stefano Castagna).
Este disco, tal como dijimos más arriba, exuda vigor y distinción por partes iguales, y basta con prestar atención a la dupla inicial de ‘The Rake' y ‘Rounds Of Love’. El primero de estos temas comienza con un tentativo despliegue de sonoridades aleatoriamente explosivas antes de que el trío se focalice en un motif aguerrido apropiadamente articulado. Los grooves son complejos al más puro estilo progresivo, pero se nota que ya tienen trazos bien definidos; con las apariciones estratégicas de algunos interludios etéreos, la pieza adquiere un señorío extra. A mitad de camino, el grupo incorpora matices heredados del free jazz a su contundente exhibición de psicodelia pesada progresiva, la cual se centra aún más impetuosamente en su propia tensión esencial. En cuanto a ‘Rounds Of Love’, el trío se dedica a explorar swings fusionescos para brindar una agilidad renovadora a la persistentemente ígnea expresividad que delinea con pulso firme la amalgama de los instrumentos partícipes. Es como si una partitura perdida de alguno de los dos últimos trabajos de estudio de los STICK MEN hubiese llegado a manos de los KING CRIMSON de última generación con la misión de explorar estándares del punk-jazz. Aparte de tener aquí uno de los más electrizantes solos de Touch Guitar, también hay un fulgor muy llamativo que es alimentado por la antes mencionada agilidad. Hemos disfrutado de un poderoso inicio de disco y de un momento culminante del mismo, sucesivamente. En el tercer tema del repertorio, que responde al título de ‘Barren’, el grupo invierte un buen rato en su faceta más propiamente enfilada por la senda avant-progresiva; la densidad cósmica y la parsimoniosa aureola de misterio son las coordenadas bajo las que se desarrolla esta pieza signada por una esotérica nebulosidad. Opera aquí una peculiar cruza entre el jazz experimental y el RIO. Ya en la segunda mitad, la batería vira hacia un groove más decididamente brioso, lo cual empuja al tema hacia un fiero clímax conclusivo.
Durando 10 minutos y pico, ‘Melomania’ se erige como la pieza más extensa del repertorio, lo cual nos prepara para una exhibición de magistral magnificencia de parte del ensamble. Todo comienza con una especie de retoma de la densidad estilizadamente voraz que signó a buena parte de la pieza precedente, aunque con un vigor más contenido. La batería, totalmente centrada en vibraciones avant-jazzeras, se luce mientras guía a los otros instrumentos a lo largo de este viaje que se toma su tiempo para desarrollar texturas sigilosas de tenor psicodélico-sideral. Cuando la dupla rítmica se detiene, se abre campo para un onírico solo de Touch Guitar en medio de capas y efectos cósmicos; ya con el regreso de aquélla, el trío vuelve a elaborar un sólido ejercicio de jazz experimental combinado con prog Crimsoniano, lo cual conlleva otra nueva muestra de fiereza señorial. Ahora la Touch Guitar se convierte en embajadora de Vulcano y la dupla rítmica va reforzando su nueva agilidad para sostener la ingeniería incendiaria en curso de manera solvente. ¡Qué gran cénit del álbum!, ¡por Dios! Cuando llega el turno de ‘Consolation’, el grupo se dispone a explorar una dimensión melancólicamente torturada de la psique humana dentro de un encuadre sonoro donde la garra avant-rockera es manejada con relativa sobriedad. Los extensos y expansivos fraseos que tienen lugar en el maratónico solo de Touch Guitar están convenientemente apoyados en la sofisticada labor de la dupla rítmica. ‘River Of Things’ sigue, en buena medida, la estrategia creativa del tema #2, pero con una menor dosis de densidad y un más pronunciado punche rockero. La vitalidad inherente a la pieza adquiere una tonalidad especial cuando la dupla rítmica utiliza una arquitectura que en muchas instancias está basada en juegos de síncopas. Ya cerca del final, el bloque sonoro asume una garra similar a las de las dos piezas anteriores. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘One Cut Suffices’, que es auténticamente la pieza más serena del mismo. Durando casi 8 minutos y cuarto, el ensamble deposita en este tema una auscultación de atmosferas y matices introspectivos que se deja arropar por una arcana tensión procedente del exterior. Podemos imaginar que lo que sucede aquí es una remodelación del paradigma Crimsoniano del nuevo milenio en un fuego cruzado entre los patrones de Ray Russell y Allan Holdsworth.
De este modo se completa la experiencia de “Truce 2”, una de las obras más majestuosamente aguerridas dentro del escenario progresivo internacional del presente año 2022. El crack MARKUS REUTER se ha lucido una barbaridad junto a sus ilustrísimos compañeros de viaje. Sin tregua y con mucho talento, él, Trentini y Sirkis nos han brindado un estupendo catálogo de música progresiva aventurera y vanguardista. Recomendable al 300% (un 100% por cada músico involucrado en esta nueva gesta excelsa dentro del arte del sonido).
HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.
Hoy tenemos grandes noticias desde los cuarteles del músico y compositor belga Guy Segers, ilustre y vigente veterano del avant-progresivo: se trata de la publicación del tercer álbum de la ECLECTIC MAYBE BAND, su principal proyecto en estos últimos años. “Again Alors?” es el título del tercer disco de este genial ensamble de música experimental y fue publicado por el sello británico Discus Music el día 4 de marzo, hace muy poco. El maestro Segers se hizo cargo del bajo, como siempre, además de los sampleos y las reproducciones virtuales de algunos teclados y baterías. Pero además, como también es habitual, contó con una nutrida pléyade de invitados para completar tan tremenda faena: los guitarristas Michel Delville, Ángel Ontalva y Pascal Vaucel, el baterista Fabrice Owerzarzak, las vocalistas Carla Diratz y Cathryn Robson, los flautistas Pierre Bernard y Roland Binet, Stephan Köhr (fagot y contrafagot), Martin Archer (clarinete), Dave Newhouse (saxofones y clarinete bajo), Dirk Descheemaeker (clarinetes alto y bajo), Joe Higham (clarinete y teclados), Andy Kirk (teclado), Catherine Smet (piano), Jean Pierre Soarez (trompeta), las violinistas Cécile Broché y Ariane Plumarel, la cellista Sigrid Vandenbogaerde y Kazuyuki Kishino (máquina fantasmal). O sea, viejos colegas de UNIVERS ZERO, gente de THE WRONG OBJECT / MACHINE MASS, THE MUFFINS, OCTOBER EQUUS, ART ZOYD, K.K. NULL, ilustres veteranos del avant-jazz europeo, etc. La estrategia creativa plasmada en este álbum tiene una mitad basada en improvisaciones en el estudio y otra centrada en secuencias temáticas creadas con anticipación para que los invitados de turno añadan sus propios aportes posteriormente. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio de “Again Alors?”, el cual, anticipamos, es fabuloso.
La suntuosa pieza ‘Disquiet’ ocupa los primeros 13 minutos y cuarto del álbum, siendo de por sí la más extensa del mismo. Todo empieza con una inquietante expansión de vibraciones lúgubres organizada por una poderosa amalgama de sintetizadores, órgano y percusiones cibernéticas, una interesante cruza entre UNIVERS ZERO y los ART ZOYD post-1983. Poco a poco, la atmósfera reinante se va develando como vórtex impulsor del motivo nuclear, el mismo que llega a un punto de quiebre alrededor de la frontera del cuarto minuto y medio, pues ahora el oscurantismo ejecutivo asume un ahora más ceremoniosa, lo cual se traduce en un notable incremento de suntuosidad en el encuadre instrumental. Ya un poco más adelante, el rumbo colectivo se enfila hacia un jazz-prog patentemente vigoroso que sigue siendo informado por la ceremoniosidad precedente: la oscuridad se desvaneció para que se devele ante nuestros ojos un escenario surrealista hecho sonido. Esta nueva musculatura logra salir más al frente durante el último minuto y medio para gestar un epílogo oportunamente contundente. ¡Gran inicio de álbum! ‘Retable Vertigineux’ sigue a continuación para explorar más a fondo el factor surrealista que ya había tenido una importante presencia en la pieza de entrada. El asunto empieza con unos azuzamientos psicodélicos centrados en loops aflautados, para luego virar hacia un ejercicio de avant-jazz con fuertes influencias de la tradición free. La triangulación de batería, piano y flauta marca la pauta para el bloque sonoro global, jugando siempre a usar la tensión como enfoque creativo, ya sea de forma más o menos explícita según lo que se de en cada pasaje concreto. Otro cénit tras el que abrió el repertorio. ‘Further On The Ladder’ cumple con la función de dar tribuna al canto elegantemente perturbador de Carla Diratz dentro de un contexto muy afín al RIO tanto de PRESENT como de MASSACRE (y también algo de los HENRY COW de los dos últimos discos). Hay un gancho rockero muy a flor de piel del armazón sonoro instalado sobre un medio tiempo que es manejado por la batería en clave jazzera. La confluencia entre los solos de maderas, violín y guitarra cerca del final merecen una mención aparte por sí misma, así como por su capacidad de enfilar al bloque instrumental hacia su epílogo con perfecta compacidad.
‘Tinglin Skin’ exhibe inicialmente un aura más sosegada, algo que se ve venir desde la combinación prologar de sobrios fraseos de piano y ambientes cósmicos de tenor misterioso. No pasa mucho tiempo antes de que el sosiego desaparezca una vez que una maquinaria perturbadora e intensa se disponga a proyectar vibraciones de inescrutable y penetrante nebulosidad. A lo largo del camino, el piano empieza a desplegar fraseos oscurantistas mientras la amalgama de sintetizadores y efectos cibernéticos se va tornando más densa. Con el arribo de ‘Voici Voila’, el ensamble operante se encarga de capitalizar la nebulosidad surrealista heredada del tema precedente y procede a establecer un esquema de trabajo aún más volátil e informe. Las maderas trabajadas mayormente en sus tonalidades más bajas se encargan de llenar espacios con amenazante soltura, preparando así el camino para un groove reconocible que se sitúa cómodamente dentro de la nocturnidad reinante, dando algo de gracilidad al asunto sin tratar de esconder su dinamismo marcadamente inquietante. A poco de pasada la frontera del séptimo minuto, la arquitectura rítmica se torna un poco más machacona, lo cual ayuda a darle un interesante matiz mecanicista al bloque grupal y también estimula el surgimiento de una robustez gradualmente incrementada para el núcleo central de este viaje musical. El aire calmado del breve epílogo refleja muy bien la imagen de algo que se desvanece tras haber brillado en toda su gloria. ‘A Beast Trophy’ elabora un ejercicio de distinguido jazz-prog marcado por un gran despliegue de energía expresiva, la cual no está exenta de matices lúdicos: algo así como un Canterbury contaminado por esquemas posmodernos. De hecho, éstos son fundamentales para hacer de esta pieza la más propiamente alegre del álbum, o, si se prefiere, más vivaz. Aquí hallamos confluencias con los patrones estilísticos de GUTBUCKET, THE MUFFINS y, hasta cierta medida, GONG, siendo así que el contraste entre la aureola saltarina de los vientos y el adusto brío de las poderosas líneas de bajo funciona a las mil maravillas. En algunos parajes estratégicos, la batería llena espacios con brioso ingenio. Ya en las instancias finales, la vivacidad lúdica adopta aires dadaístas. ‘Smudgy Cartography’ es un ejercicio de free jazz arropado por un manto avant-progresivo. El esquema rítmico establece una ingeniería con algunos parajes dejados abiertos a propósito a la vez que el piano procura gestar algunos recursos de centralización. Por su parte, los vientos y la guitarra van entrecruzando sus respectivas intervenciones; tampoco faltan algunos interesantes ornamentos intrusivos de sintetizador.
‘Atomos Keyhole’ ocupa un espacio de poco más de 10 minutos y cuarto, cerrando el álbum con el asentamiento de un predominio de expansiones sonoras combativamente abstractas. Inicialmente, impera la lógica de lo informe con déspota distinción mientras los persistentes ornamentos cósmicos que simbolizan una masiva ventisca hallan un adecuado contrapunto en los efectos percusivos y en las espartanamente cortantes líneas del bajo. Los alocados cánticos que aparecen de vez en cuando y el aguerrido solo de guitarra que emerge a mitad de camino añaden un foco dadaísta al asunto, el cual ya encontró una estructura osada a la cual aferrarse. Mientras tanto, las intervenciones del bajo se tornan más filudas. Así pues, todo esto fue lo que se nos brindó a lo largo y ancho del repertorio de “Again Alors?” y todo esto es más que suficiente para confirmar nuevamente a la ECLECTIC MAYBE BAND como una entidad importante dentro de la música vanguardista de los últimos años. Los caminos de diálogo y cohesión participativa que Segers ha diseñado para este colectivo de músicos de múltiples nacionalidades y generaciones han servido como un excelso caldo cultivo de música extraordinariamente rica en matices dentro de unas pautas claramente definidas dentro de una hibridación de chamber-rock, free form y avant-jazz. Guy Segers sigue siendo un visionario total de nuevas formas musicales dentro de una línea de trabajo progresiva que aspira a radicalizarse continua y sostenidamente. Un disco recomendable al 1000% (sí, usted ha leído bien, hemos puesto 3 ceros) en cualquier fonoteca dedicada a la música aventurera sin concesiones.
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