lunes, 28 de marzo de 2022

CODY CARPENTER: un equilibrio jazz-progresivo para el año 2022

 Cody Carpenter - Balance of Extremes

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el placer de presentar el nuevo trabajo fonográfico del teclista y compositor estadounidense CODY CARPENTER, el cual fue publicado el pasado 7 de enero bajo el sugerente título de “Balance of Extremes”. Para este disco, CARPENTER contó con el apoyo del guitarrista Marco Sfogli, el bajista Jimmy Haslip y el baterista Gergő Borlai; Haslip es, además, coproductor de este álbum junto al propio CARPENTER. Los procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de John Spiker, mientras que la portada, al igual que en otras ocasiones previas, fue realizada por Nobokatsu Mizoguchi. En este nuevo disco, CARPENTER sigue explorando su gusto por combinar la elegante energía del jazz-rock y la estilización preciosista del prog sinfónico, dando cierta prioridad al primero de estos ítems a la hora de articular las creaciones y arreglos musicales. Bueno, de algo es indicativo el hecho de que Hasli haya sido parte no solo de la banda de apoyo sino también del proceso de producción. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio de “Balance of Extremes”.

‘Hold On’ abre el álbum con un empuje ágil y vital que se sustenta, en buena medida, sobre el llamativo groove que sostiene al armazón sonoro, un groove vivaz que sabe ornamentarse en algunas instancias estratégicas. Los diálogos y traslapamientos de sintetizador y guitarra mantienen solventemente el magnetismo virtuoso de la pieza. Atención del oyente garantizada. Luego sigue ‘Floating With You’, una pieza refinadamente lírica que nos remite al paradigma de JORDAN RUDESS (y posiblemente, también al de los LIQUID TENSION EXPERIMENT), haciendo gala de su señorío esencial a través de cada poro sonoro. La batería resuelve el relativamente sosegado swing con una enérgica sofisticación. Al fin y al cabo, tenemos aquí un cénit del álbum. La dupla de ‘Junk’ y ‘Dancer’ permite al ensamble seguir explorando matices dentro de su enfoque estético. En el caso del primero de estos temas mencionados, opera una parsimonia de apariencia reflexiva donde el punche rockero se asiente sobre una cadencia autoconstreñida; en su segunda parte, el posicionamiento del piano en primer plano hace que todo vire hacia una ambientación introspectiva, la cual concluye con una orquestación cósmica de sintetizadores. En cuanto al segundo de estos temas, su enfoque es el de retomar el talante general de la primera pieza con un aura más sofisticada, la cual se sitúa bajo las coordenadas de unos PLANET X; o sea, un despliegue de jazz-prog con tintes prog-metaleros. Con el arribo de ‘Self-Hatred’, vuelve a darse rienda suelta a su faceta más extrovertida, pero esta vez hay un complejo encuadre rítmico donde los juegos con las síncopas se desarrollan con pulcrísima eficiencia. Además, hay un enfoque electrónico en el modo en que los teclados se hacen cargo del mando de la pieza en cuestión. ‘Vitality’ destila una fastuosidad cautivadora y envolvente que no en poca medida recibe el impacto de ‘Floating With You’ en cuanto al refinamiento melódico, pero, sin duda, hay una dosis mucho mayor de señorío típicamente progresivo en la arquitectura sónica y en el modo en que se desenvuelve el desarrollo temático. Otro cénit indiscutible del repertorio.

‘Cute Little Living Things’ es un tema alegre cuya sobria vivacidad rítmica va muy a tono con el patrón jazz-rockero de CHICK COREA en los 80s. ‘Crystal Hell’, por su parte, elabora una vibrante reactivación de los elementos más extrovertidos y fulgurosos del ideario musical de CARPENTER, apelando a un gancho sofisticado y bien perfilado. La miniatura ‘Transfer’ consiste en una serie de orquestaciones sosegadas donde se ostenta una espiritualidad relajada y contemplativa. Así las cosas, ‘Uncontrollable Rage’ pone la cuota de abierto contraste al instaurar un ejercicio de palaciego señorío dentro de una nueva expresión inspirada de la cruza entre el esplendor preciosista del prog sinfónico y la dimensión más lírica del discurso prog-metalero. Con sus poco más de 6 minutos y tres cuartos, ‘Trying to Explain’ se erige como la pieza más extensa del álbum y también es la encargada de cerrarlo. Su propuesta es la de sintetizar los aspectos predominantes de los temas #1, #4 y # 10: jazz-rock, sinfonismo y tonalidades prog-metaleras se fusionan a través del muy alegre motif central. Con la adición de interludios razonablemente sofisticados, la pieza preserva su encanto innato a fin de ponerle un final tremendamente dinámico al repertorio. Todo esto es lo que se nos brinda en este nuevo disco “Balance of Extremes”, una nueva muestra de la creatividad y el vigor de CODY CARPENTER. Con álbumes tan recomendables como éste, el año progresivo 2022 ha comenzado bastante bien.



Muestras de “Balance of Extremes”.-


Más reseña de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

sábado, 12 de marzo de 2022

Programa #310 - Rush / Rushing Pictures (segunda parte)

Rush - Fly By Night

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 310 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con la segunda, de dos partes, dedicadas al grupo tributo mexicano Rushing Pictures: A Mexican Rush Tribute, donde tenemos una amena charla con tres de sus integrantes: Santiago Corona, Carlos Sánchez y Jorge Hernández. Además de disfrutar la música del histórico trío canadiense de Rush.

Podcast:


Lista de canciones:

Subdivisions - Artista Rush, disco Signals

Leave That Thing Alone - Artista Rush, disco Counterparts

By-Tor And The Snow Dog - Artista Rush, disco Fly By Night

The Rhythm Method - Artista Rush, disco Different Stages

Natural Science - Artista Rush, disco Permanent Waves


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 12/marzo/2022
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos rushianamente mexicanos!

miércoles, 9 de marzo de 2022

Una excelente elegía progresiva de parte del maestro italiano ALBERTO RIGONI

 Alberto Rigoni - Songs for Souls

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el placer de presentar un disco muy especial: éste se titula “Songs for Souls” y es del maestro italiano ALBERTO RIGONI, habiendo sido publicado de forma independiente el pasado 15 de enero. Es un disco conceptual sobre las diversas fases que se suceden a lo largo de la vida, desde el nacimiento hasta la muerte, y de allí a la trascendencia ultraterrena. La inspiración para este concepto es bastante triste: resulta que RIGONI perdió a su padre el 15 de octubre del pasado año 2015, y a pesar de que el propio RIGONI quería tomarse un descanso de la música, este triste evento le inspiró para usar la música como medio para realizar este homenaje a la memoria de su progenitor. RIGONI, quien se hace cargo de los bajos, contó con las colaboraciones de ilustres copartícipes como Jordan Rudess (teclados), Mark Zonder (batería), Jennifer Batten (guitarra), Alessandro Bertoni (teclados), y otros guitarristas connacionales como Tommaso Ermolli, Edoardo Taddei, Fabrizio Leo y Marco Sfogli. Vemos aquí a gente que pertenece a las historias de DREAM THEATER y FATES WARNING, así como gente de sesión bastante ocupada, además de gente con sus propias discografías solistas como Bertoni y Sfogli. RIGONI estuvo a cargo exclusivo de todas las composiciones salvo en los temas #2 y #4, que fueron respectivamente coescritas con Rudess y Bertoni. Como siempre, RIGONI también es responsable de los procesos de producción, mezcla y masterización del material aquí contenido. Bueno, repasemos ahora los detalles del repertorio de “Songs For Souls”.

La dupla de ‘The Miracle’ y ‘L’origin du Monde’ abre el álbum ocupando un espacio de casi 8 minutos. Todo comienza en clave cósmica con una misteriosa secuencia sintetizada a la que se le une un espartano esquema melódico al bajo. Este entramado prologar tan etéreo abre paso a la emergencia de ‘L’origin Du Monde’, una pieza cristalinamente cálida que se vale de su sosegado groove para desarrollar un motif esencialmente plácido con una fastuosidad típicamente progresiva, muy al estilo de una cruza entre los paradigmas de CAMEL y PINK FLOYD a través del filtro del sinfonismo moderno, siendo las orquestaciones de teclado vitales para esto último. Los solos de sintetizador que se ubican en lugares estratégicos concretan recursos de genuina garra rockera en medio del espíritu predominantemente contemplativo. El epílogo de piano es simplemente genial. Sigue a continuación ‘Youth’, un tema mucho más vivaz con el que RIGONI decide explorar senderos de jazz-rock alimentados por el empuje del hard rock melódico. Con la inserción de unos pocos intermedios más sutiles, la pieza asume un talante esplendoroso. Con el arribo de ‘Talking with My Demons’, el asunto vira hacia una dimensión híbrida de jazz-prog y ambient, siendo así que la línea de trabajo extrovertida que se inició en el tema precedente ahora adquiere un aura sofisticada y radiante. El pasaje de piano que irrumpe para sembrar el camino para el epílogo gesta un señorío extra al desarrollo temático. ‘Suddenly’ se ubica en un paraje emocional menos expresionista, planteando un motif más relajado con el que RIGONI y sus colegas de turno pueden jugar con una cruza de jazz-rock y prog de una manera fluida y controlada. El solo de bajo que surge en el intermedio refuerza el núcleo central de la pieza con convincente elegancia. ‘The Battle’, a pesar de su título, es la pieza más apacible del repertorio, acercándose mucho a la majestuosa placidez que signó anteriormente a ‘L’origin Du Monde’. Hay pasajes más gráciles, además de un estupendo solo de guitarra muy en línea con el estándar del prog-metal, pero la espiritualidad que emana este tema ostenta unos aires reflexivos muy envolventes. Su gancho melódico es tan patente que nos hubiese gustado que durara un poco más.

‘Silence’ es una pieza psicodélica introspectiva que se centra en el bajo: es un ejercicio de ambient dentro de un contexto oscuramente ensoñador, no tanto una invitación al silencio como una capa protectora del mismo hilvanada con telas sónicas. ‘Keep on Fighting’ da un giro de 180° para trasladarse hacia el terreno del prog-metal, concretando una peculiar cruza entre los paradigmas de SYMPHONY X y los FATES WARNING de la etapa 1989-94. A través de a fluida ilación de los cambios de swing, la pieza mantiene altos niveles de incandescencia rockera con perfecta consistencia. ‘Peaceful Acceptance’ es un hermoso y relajado nocturno centrado en el dueto de bajo y piano, el cual opera como un contrapunto de relax entre la furia del tema anterior y ‘Souls never die’, el cual trae el cierre del repertorio. Este último tema traza una senda intermedia entre el refinamiento melódico del prog sinfónico y la garra fastuosa del prog-metal. La mezcla de exquisitez y suntuosidad que tiene lugar a través del hilo conductor de todos los motivos hace que esta pieza cierre el disco con un aura celebratoria y vibrante. Todo esto es lo que se nos ha brindado en “Songs for Souls”, una excelente elegía progresiva que, en kenos de 40 minutos, nos muestra por enésima vez cuán inspirado y versátil es ALBERTO RIGONI como músico y como compositor.



Muestras de “Songs For Souls”.-


Más reseña de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

sábado, 5 de marzo de 2022

Programa #309 - Rush / Rushing Pictures (primera parte)

 Rush - Moving Pictures

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 309 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con la primera, de dos partes, dedicadas al grupo tributo mexicano Rushing Pictures: A Mexican Rush Tribute, donde tenemos una amena charla con tres de sus integrantes: Santiago Corona, Carlos Sánchez y Jorge Hernández. Además de disfrutar la música del histórico trío canadiense de Rush.

Podcast: 


Lista de canciones:

Tom Sawyer - Artista Rush, disco Moving Pictures

Between the Wheels - Artista Rush, disco Grace Under Pressure

Xanadu - Artista Rush, disco A Farewell to Kings

The Main Monkey Business - Artista Rush, disco Snakes & Arrows


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 5/marzo/2022
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos prog canadienses, con un buen toque tapatío!

sábado, 26 de febrero de 2022

La infinita creatividad de FRANÇOIS THOLLOT

 François Thollot - Infinite

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

La verdad que la creatividad del maestro francés FRANÇOIS THOLLOT es infinita, y, de hecho, nunca mejor dicho, pues la más reciente obra fonográfica de este multiinstrumentista y compositor francés se titula “Infinite”. Este disco publicado en el blog de Bandcamp de THOLLOT el 17 de enero pasado prosigue con una ilación inagotable de álbumes que el susodicho maestro ha venido publicando desde enero de 2021 en medio de la prolongada pandemia que asola a nuestro mundo. Como es habitual, THOLLOT se hizo cargo de los teclados, el bajo, la batería, la guitarra y las programaciones, y también realizó las labores de mezcla y masterización del material aquí contenido en su estudio de Lyon.

Los primeros 11 minutos y cuarto del álbum están ocupados por la dupla de ‘Wolf’ y la pieza homónima. El primero de estos temas instaura un groove solemne para que el bloque sonoro, dominado por las gráciles armonizaciones de los teclados, se regodee en la elaboración de retratos sonoros plagados de vibraciones otoñales. Sus cadencias grisáceas tienen incluso algo de tenebroso en ciertos matices que entran a tallar a lo largo de la arquitectura temática. En cuanto a la pieza homónima, ésta expone uno de varios puntos máximos del disco. En efecto, ‘Infinite’ recoge la herencia de refinada y cristalina de la pieza de apertura con la finalidad de remodelarla dentro de una atmósfera más patentemente jovial, llegando a sonar bastante juguetona en varios parajes. La evidente vitalidad que signa al bloque sonoro no es siempre portado de una soltura total, pues, a veces, hay una actitud comedida en el despliegue de color plasmado en el bloque musical. De todas formas, hay que acotar que cuando la guitarra entra en acción, el swing se agita notablemente y abre camino a un clímax excelsamente ajetreado. ‘Time Lag’ es una pieza aún más ambiciosa en la que THOLLOT exhibe algunas tonalidades épicas dentro de su persistente ideario estético avant-Canterbury, añadiendo elementos Crimsonianos al swing básico y al desarrollo temático; así, la extroversión que ingresó en la pieza homónima adquiere asume ahora un talante tenso. También hay un interludio a lo GENTLE GIANT que permite a la pieza asumir una especie de señorío contemplativo para empezar a armar otro momento marcado por tensiones ostentosas. Hay que destacar que, en muchos momentos, la batería disputa el rol protagónico del armazón sonoro con los solos de teclado. Otro cénit del álbum. El breve tema ‘Leak’ exhibe unas avispadas influencias del paradigma de HAPPY THE MAN a través del filtro de NATIONAL HEALTH: un exquisito ejercicio de jazz-prog. ‘Fourth Dimention’ es un tema que ocupa un espacio de más de 9 minutos al igual que ‘Time Lag’. Su función es la de establecer una síntesis entre ‘Time Lag’ e ‘Infinite’ en cuanto a la magnificencia explícita de los múltiples desarrollos temáticos, añadiendo un vigor más fulguroso al asunto. Incluso notamos algunas confluencias con FRENCH TV, RASCAL REPORTERS y ZOPP, lo cual nos parece un recurso bastante refrescante dentro de los parámetros estéticos que maneja THOLLOT. Y va otra joya individualmente destacada dentro de este repertorio.

‘Doubt’ regresa de lleno a territorio jazz-progresivo con connotaciones Canterburyanas: su esquema de trabajo se basa en las confluencias entre HAPPY THE MAN, HATFIELD AND THE NORTH y los SOFT MACHINE de la etapa 73-76. Su bizarra agilidad y sus expresivos juegos de disonancias se traducen en una magia caleidoscópica y una vivacidad rutilante. Durando poco más de 9 minutos y medio, ‘Rebound’ es el tema más extenso del repertorio y también es el encargado de cerrarlo. La mayor parte de sus grooves y esquemas melódicos tiene líneas de parentesco con ‘Time Lag’, aunque también hay algunos espacios abiertos para que entren a tallar algunas cadencias tensas semejantes a las que hallamos en el tema #3. En conclusión, “Infinite” es una nueva muestra de la infinita creatividad progresiva que este maestro francés llamado FRANÇOIS THOLLOT ofrece al art-rock de nuestros tiempos.



Muestras de “Infinite”.-


Más reseñas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

jueves, 17 de febrero de 2022

Programa #308 - Dos GRANDES canciones progresivas

Mägo de Oz - Gaia II: La voz dormida

Mike Oldfield - Crises

Con ustedes, el podcast 308 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión repasamos dos GRANDES canciones progresivas: "La cantata del diablo (Missit me dominus)" del grupo de folk metal español Mägo de Oz, así como "Crises" del músico inglés Mike Oldfield.

Podcast:


Lista de canciones:

La cantata del diablo (Missit me dominus) - Artista Mägo de Oz, disco Gaia II: La voz dormida

Crises - Artista Mike Oldfield, disco Crises


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 17/febrero/2022
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos épicos progresivos!

sábado, 5 de febrero de 2022

El séptimo sello rockero de los daneses PAPIR

 Papir - 7

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Toda nueva desde los cuarteles del grupo danés PAPIR es una buena nueva, así que... ¡Albricias, tenemos a nuestra disposición el nuevo trabajo de estudio de PAPIR! El disco en cuestión ostenta el muy parco título de “7”, algo habitual en la historia vigente del trío conformado por Nicklas Sørensen [guitarras], Christian Becher Clausen [bajo] y Christoffer Brøchmann Christensen [batería]; el disco en cuestión fue publicado el 14 del pasado mes de enero. A pesar del título, se trata realmente del octavo disco de estudio de la banda. El disco que ahora reseñamos fue publicado tanto en CD como en vinilo por el sello alemán Stickman Records, algo también habitual en el modus vivendi de PAPIR. En líneas generales, este disco ahonda generosamente en el factor post-rockero que el grupo ha estado explorando dentro de su histórica propuesta de amalgamiento de space-rock, stoner y psicodelia progresiva de tenor krautrockero guitarra-céntrico, por lo que podemos decir que esta nueva obra es las más gentil dentro de su amplio catálogo iniciado en el año 2010, dos años después de su fundación en la ciudad de Gladsaxe; atestiguamos un momento de renovaciones dentro de la estrategia creativa de la banda. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “7”.

Papir - 7

Siguiendo con la tradición de sus discos titulados con números (que son la mayoría), la gente de PAPIR da inicio al disco con la pieza titulada ‘7.1’, esta vez dividiéndola en tres partes a lo largo de sus casi 20 minutos de duración. Todo comienza con unas vibraciones parsimoniosas que permiten el llenado de espacios de parte de los garbosos y flotantes fraseos de la guitarra. A partir de aquí, el ensamble crea momentos alternados de crescendo y autoconstricción que nos remiten a los paradigmas de MONO y de MOGWAI. A poco de pasada la frontera del sexto minuto y medio, la batería arma un swing un tanto tribal que abre campo al despliegue de un convincente, aunque todavía contenido fulgor sonoro. Los efectos cósmicos del trasfondo ayudan a realzar este ligero viraje sónico, e incluso sirven como impulso latente para un ulterior despliegue de atmósferas señoriales marcadas por una envolvente ambientación cinematográfica, la cual termina apoderándose del esquema musical desde antes de cruzar la barrera del décimo minuto. Para los últimos cuatro minutos y medio, se desarrolla un motif signado por un imponente candor ensoñador, el mismo que se encuadra en una grácil ingeniería persistentemente motivada por el estándar post-rockero. Desde hace rato que la gente de PAPIR se pone a coquetear con el patrón de GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR y lo hace con convincente soltura, ensalzada ésta por el calmado y majestuoso cierre de la suite inicial del álbum. ‘7.2’ entra a tallar para agilizar un poco las cosas, elaborando un ejercicio de space-rock en clave reflexiva sobre un esquema rítmico razonablemente sofisticado. La gente de PAPIR establece confluencias con AUTOMATISM y RED KITE. Este segundo tema hereda parte del fulgor de la suite y lo remodela a través de una aureola de elegante calidez. Cuando llega el turno de ‘7.3’, el ensamble regresa al terreno de lo cósmico y lo onírico que marcó tajantemente a las dos últimas secciones de la suite. Es en este momento que se nos ocurre que el presente disco es, tal vez, una contraparte a su obra anterior, “Jams”, la cual era más consistentemente muscular a través de su paleta sonora. ‘7.3’ ostenta un minimalismo amable y acogedor al modo de un crepúsculo que trae un manto de oscuridad para que cobijemos nuestro remanso debajo suyo.

‘7.4’ cierra el repertorio con una nueva vuelta de tuerca a las vibraciones crepusculares de la pieza precedente, pero esta vez hay unas palpitaciones más adustas en el delicado equilibrio gestado por los instrumentos actuantes, siendo así que éstos se congregan en torno a un aura misteriosa que plantea un oscurantismo etéreo. Dicha adustez tiene cierto parentesco con el paradigma histórico del stoner, pero de una manera bastante sutil. A fin de cuentas, “7” debe ser valorado como una planificación sistemática de creación de texturas y matices variados de dominio grisáceo dentro de la esencia prog-psicodélica de la banda. Es un disco muy interesante de por sí y su impacto futuro deberá ser sopesado con el arribo de posteriores álbumes del grupo. Sin igualar a nuestros discos favoritos de PAPIR (del “IIII” al “VI”, totalmente majestuosos), este nuevo disco que nos trae el susodicho trío danés tiene bien merecido un balance general positivo. Al fin y al cabo, este grupo es veterano y aún mantiene grandes dosis de creatividad y de buen oficio; agradecemos los nuevos aires sónicos que nos trae la apertura de este séptimo sello de los PAPIR.



Muestras de “7”.-
7.1 (Partes I-III): https://papir.bandcamp.com/track/71-part-i-iii
7.2: https://papir.bandcamp.com/track/72


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