viernes, 30 de octubre de 2020

El retorno de unos gigantes del prog italiano del nuevo milenio: LA MASCHERA DI CERA


HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

¡Albricias desde la escena progresiva italiana! El colectivo de LA MASCHERA DI CERA ha vuelto al ruedo con su nuevo disco “S.E.I.”, el que sucede tras una larga hibernación de 7 años a “Le Porte Del Domani”, su homenaje-secuela al clásico álbum de LE ORME “Felona E Sorona”. “S.E.I.” ha sido publicado por el sello A.M.S. Records tanto en CD como en vinilo (edición limitada de color verde). Ahora centrado en el triunvirato de Alessandro Corvaglia [voz, coros, guitarra acústica, pandereta y palmas], Fabio Zuffanti [bajos, pedales bajos, palmas y coros] y Agostino Macor [órganos Hammond, Wurliter y Tiger, pianos de cola y eléctrico, mellotrón, sintetizadores, clavicémbalo y mandolina] para esta nueva etapa de su carrera, el personal de LA MASCHERA DI CERA creó este álbum conceptual en torno a tres grandes malarias de la civilización humana: la alienación, el narcisismo y la falsedad. De ahí viene el título de este álbum de retorno, que consiste en las siglas de las palabras separazione, egolatria e inganno. Como tres no son suficientes para concretar el ambicioso sonido retro-progresivo ecléctico que caracteriza a LA MASCHERA DI CERA desde siempre, el trío contó con las colaboraciones del veterano de DELIRIUM Martin Grice (flauta y saxos soprano y barítono) y el exintegrante de IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE Paolo Tixi (batería). Lo que encontramos en “S.E.I.” es, básicamente, un enfoque de recuperación del elemento más árido del sonido tradicionalmente desarrollado por el grupo a través de sus anteriores año de vigencia; para ser más específicos, se trata de un rescate del esquema de trabajo planteado en su disco homónimo de debut (2002) como del segundo álbum “Il Grande Labirinto” (2003, que sigue siendo nuestro preferido de toda su carrera fonográfica hasta ahora). Pero, además, de eso, el trío ha realizado la doble labor de reforzar esa ambientación aguerrida con envolventes esquemas melódicos (que siempre fue su marca de la casa) y de abrir nuevos campos a aires climáticos dentro de los ambiciosos desarrollos multitemáticos (especialmente, en las dos pieza más extensas). Eso último se debe básicamente al rol que ha tenido el factor jazz-progresivo dentro de la esencia predominantemente sinfónica de LA MASCHERA DI CERA. Todo este nuevo material fue grabado en el Greenfog Studio de Génova, siendo luego masterizado en Audiomaster, estudio ubicado en Milán. Veamos ahora los detalles musicales del repertorio contenido en este disco.


Comenzamos revisando la suite ‘Il Tempo Millenario’, que dura casi 21 ¾ minutos y contiene las secciones ‘L’anima In Rovina’, ‘Nuvole Gonfie’, ‘La Mia Condanna’, ‘Separazione’ y ‘Del Tempo Sprecato’. La suite arranca con una primera sección signada por el empuje asertivo y agurrido que nos remite a una remodelación del paradigma Emersoniano a través del filtro de ALPHATAURUS, y poco más adelante las cosas se calman para que la primera sección cantada se oriente hacia unas delicadas vibraciones introspectivas cuyos implementos centrales son la flauta, el mellotrón y la guitarra acústica: ya opera aquí un híbrido entre CELESTE y los GENESIS de la fase 70-72. La segunda sección cantada se asienta sobre un groove más ágil que organiza una ingeniería sonora que transita entre el sinfonismo clásico, el jazz-prog y la faceta misteriosa de unos VAN DER GRAAF GENERATOR; además, con el mellotrón coral se añaden algunos ornamentos sombríos al desarrollo temático en curso. Los aportes de saxo y flauta encuentran espacios de sobrio lucimiento en medio del armazón discreto concretado por la dupla rítmica y las incesantes bases armónicas y capas de teclado (especialmente, el órgano y el mellotrón). A poco de pasada la frontera del décimo primer minuto, un par de minúsculos interludios sucesivos de piano y clavinet abren paso a otro pasaje de tenor misterioso y matices sombríos, aunque en esta ocasión se advierte un cierto aumento del vigor rockero en el paisaje instrumental que roda al canto de Corvaglia (un canto un tanto furioso en este momento). La siguiente sección regresa de lleno a la extroversión motivada por el cruce de sinfonismo y jazz-prog, una vivacidad intrépida y expresionista que en sus primeras instancias adquiere un impulso especial merced a la intervención de uno de los más notables solos de saxo de todo el álbum... y mas adelante gozaremos de otro solo de saxo brutal. Por su parte, el bajo se hace notar con su generosa dosis de fuzz. Poco antes de llegar a la frontera del minuto 18, la intrepidez aumenta un poco para cerrar este pasaje a fin de abrir camino a la sección epilogar, la cual se caracteriza por una ceremoniosidad contundente y absorbente. La articulación de orquestaciones de diversos mellotrones y un cósmico solo de sintetizador marca el camino para el bloque global mientras Corvaglia termina de cantar todo lo que tiene que decir. Solo con esta suite tenemos la evidencia certera e inconfundible de que la esencia de LA MASCHERA DI CERA ha reflorecido a lo grande... pero, por supuesto, hay más.

Durando cerca de 10 minutos, ‘Il Cerchio Del Comando’ abre la segunda mitad del álbum y lo hace con la estrategia de insertar elementos y recursos de folk-rock dentro del entramado prog-sinfónico a lo largo del cual se van hilando todos los motivos aquí incluidos. Hay una gracilidad perpetua en el accionar de la dupla rítmica a través de las variantes de motivo y compás, espacios estratégicamente servidos para el lucimiento de la flauta y un persistente aire de celebración. Notamos las influencias de los PREMIATA FORNERIA MARCONI de los dos primeros álbumes, los JETHRO TULL de la fase 77-78, GENESIS, y, en menor medida, los paradigmas de MAXOPHONE y LOCANDA DELLE FATE. La claridad melódica está garantizada tanto por la delicada meticulosidad en las complementaciones y diálogos entre los instrumentos actuantes como por la fluidez con la que enrumban las variaciones de la ingeniería rítmica. Si la suite de entrada fue como una visita a todos los rincones de un ampuloso palacio, esta segunda pieza del álbum parece simbolizar una jovial caminata por sus jardines exteriores. ‘Vacuo Senso’, que dura 13 ½ minutos, cierra el repertorio y lo hace a lo grande, heredando en buena medida las facetas más dramáticas de la suite inicial. También contiene secciones con títulos autónomos: ‘Prologo’, ‘Dialogo’, ‘Nella Rete Dell’inganno’, ‘Il Risveglio Di S’ y ‘Ascensione’. Su comienzo es solemne y melancólico, pero pronto pasa a una exhibición de densa vitalidad que rezuma una gravedad misteriosa; esto remite a una cruza entre OSANNA, VAN DER GRAAF GENERATOR y ELP. Para la primera intervención cantada, todo se sosiega drásticamente virando hacia una aureola de flotante introversión, marcada por una vulnerable sutileza bucólica. Luego sigue una hermosa y bastante generosa sección jazz-progresiva de tenor Canterbury (un poco de EGG por aquí, un poco de HATFIELD AND THE NORTH por allí) donde el swing arriba a dimensiones de señorial sensualidad, abriendo caminos para las emergencias de sucesivos solos de saxo, sintetizador y órgano, los mismos que completan debidamente el potencial de fulguroso colorido aludido por las bases organizadas por los demás instrumentos. De a pocos, el ensamble regresa al vigor estructural que había gobernado la logística sonora en un pasaje anterior. Tras un efímero interludio minimalista, el epílogo instrumental instaura una majestuosa y parsimoniosa aura de conmovedora majestuosidad prog-sinfónica; las bases de mellotrón son replicadas por un piano solitario en la coda, la cual rápidamente se disuelve en un evocador fade-out


Todo funcionó muy bien en la gestación, el desarrollo y la producción del material contenido en “S.E.I.”, lo cual pone desde el primer instante de éste, su retorno, a LA MASCHERA DI CERA en un sitial privilegiado dentro de la aristocracia progresiva italiana del nuevo milenio. Este formación tripartita ha resucitado y remodelado el vigoroso legado musical que solía hacerse a cinco bandas. ¡Ha regresado un gigante!, ¡a darle la corona y el cetro que le corresponden con toda justicia!



Muestra de “S.E.I.”.-
Il Tempo Millenario: https://lamascheradicera.bandcamp.com/track/il-tempo-millenario 


Más críticas de Cesar Inca en: Autopoietican - Apuntes de Musica Progresiva Contemporanea                

martes, 27 de octubre de 2020

Programa #272 - Alpha Lighting System (segunda parte)

Alpha Lighting System - H+

Con ustedes, el podcast 272 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue la segunda de dos partes dedicadas al grupo mexicano de rock progresivo Alpha Lighting System, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena charla con sus cuatro integrantes: Alam Hernández, Joshua San Martín, Jaco Jácome y Juan Gabriel Hernández.

Podcast:


Lista de canciones: 

Alisson - Artista Alpha Lighting System, disco H+ 

Gone - Artista Alpha Lighting System, disco H+ 

2872 - Artista Alpha Lighting System, disco H+ 

Suite H+ - Artista Alpha Lighting System, disco H+


Ficha técnica: 
Fecha de publicación: 27/octubre/2020 
Rúbricas: Nora García 
Producción integral: Javo Aguirre 

¡Saludos progresivamente mexicanos!

martes, 20 de octubre de 2020

Programa #271 - Alpha Lighting System (primera parte)

Alpha Lighting System - 836

Con ustedes, el podcast 271 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran.

Esta emisión fue la primera de dos partes dedicadas al grupo mexicano de rock progresivo Alpha Lighting System, donde además de apreciar su material musical, tuvimos una amena charla con sus cuatro integrantes: Alam Hernández, Joshua San Martín, Jaco Jácome y Juan Gabriel Hernández.

Podcast: 


Lista de canciones: 

Spaceport - Artista Alpha Lighting System, disco 836 

Bioelectrogenesis - Artista Alpha Lighting System, disco 836 

Hazard (live) - Artista Alpha Lighting System, disco Live at Progtoberfest / Chicago 

Psychosis - Artista Alpha Lighting System, disco 836 


Ficha técnica: 
Fecha de publicación: 20/octubre/2020 
Rúbricas: Nora García 
Producción integral: Javo Aguirre 

¡Saludos progresivamente nacionales!

sábado, 17 de octubre de 2020

Cuarto tesoro exhibido desde la nave pirata de los MOON MEN

Moon Men - Tales From The Space Pirates

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos complace enormemente presentar el nuevo disco del fabuloso e inquieto cuarteto estadounidense MOON MEN, colectivo especialista en cultivar un estupendo híbrido de space-rock, jazz-prog a lo Canterbury, experimentaciones psicodélicas y avant-prog: nos referimos a “Tales of the Space Pirates”, su cuarto disco de larga duración, el cual salió al mercado el pasado 18 de septiembre. Al modo de GONG y varios grupos de línea Zeuhl, el grupo se presenta con seudónimos para cada integrante y eufemismos dadaístas para designar los instrumentos a cargo de ellos: Sgt. Cthulhu Moone (Jerry King), se encarga del bajo, el trombón y algunas guitarras; Eschaton Crater (Bret Hart) es el guitarrista principal, y además, toca el sintetizador, la armónica y realiza labores de efectos de sonido y deconstrucción de los ítems grabados desde la consola; Major Dom Fook (Dave Newhouse, el mismo de THE MUFFINS y MANNA / MIRAGE), toca diversos teclados y saxofones, además de algo de clarinete; Billzilla (Bill Jungwirth) es el baterista. La edición física de “Tales of the Space Pirates” se reduce a una cantidad de 100 ítems en formato de CD-R con un código para la descarga digital adicional, aunque también puede se comprar la sola descarga digital en el blog de Bandcamp de Newhouse [dirección: https://davenewhouse.bandcamp.com/album/tales-of-the-space-pirates]. En cuanto a los detalles técnicos del disco que ahora reseñamos, éste fue mezclado y masterizado por Ian Beabout (habitual colaborador en estas lides de muchas figuras de la vanguardia estadounidense) en el ShedSounds Studio; mientras tanto, el arte gráfica del álbum fue realizada por Bret Hart, mientras que el diseño del álbum estuvo a cargo de Eric Kearns en PhinBot Graphics. Todas las composiciones son acreditadas al ensamble íntegro, aunque siempre hay uno o dos de sus integrantes con los que la idea se inicia. Bueno, centrémonos ahora en la música misma que aparece en el repertorio, ¿vale? 

La dupla de ‘Life Of The Automaton Accountant’ y ‘Andy Had Gills (For Andy Gill)’ ocupa los primeros 8 ¼ minutos del álbum, instaurando varias matrices y enfoques sonoros para la estrategia general del álbum. En el caso del primero de estos temas, el ambiente central es grácil y aguerrido a la vez, debiéndose lo primero al excelso groove jazz-rockero creado por la batería, mientras que lo segundo reposa sobre los hombros de los ornamentos de sintetizador y los flotantes fraseos de la guitarra; estos dos últimos ítems exudan vitalistas dosis de garra en clave cósmica. Por su parte, ‘Andy Had Gills (For Andy Gill)’ se centra en un encuadre más explícitamente ágil, organizando un clima luminoso y jovial que mayormente se contrasta frente a la moderada densidad que reinó imponentemente en la pieza precedente. Este segundo tema suena a una versión estilizada de los CAN de la época 70-72 a través del filtro Zappiano de fines de los 70s en su faceta más cálida, más algunos oportunos toques de space-rock al estilo de GONG. Hemos tenido dos variantes interesantes para estas instancias iniciales del álbum. ‘Space Hero Theme Song’, que es la pieza más breve del disco con sus poco menos de 3 minutos de duración, expone muchas cosas. Comienza con una ceremoniosa fanfarria de vientos, cuyo impacto es inicialmente coactado por la irrupción de un motif de tenor free-jazz alimentado por efectos de sonido psicodélicamente estrambóticos, pero mientras éste se va asentando a su propio ritmo, se retoma el motif de la fanfarria inaugural con un talante más lírico, siendo así que la flauta asume el rol protagónico para este factor particular mientras el caos organizado de los demás instrumentos sigue vigente en sus pulsaciones deconstructivas. Convivencia de arquitectura melódica e incertidumbre. ‘Paper Ball For Kitty’ establece un ejercicio de atmósferas Canterburyanas (al estilo de un híbrido de NUCLEUS y los SOFT MACHINE de la etapa 71-73) sobre la base de un groove otoñal propio de los dos primeros álbumes de WEATHER REPORT. La verdad que nos saben a muy poco los cuatro minutos y medio destinados para esta estupenda idea, pero es que ya llega el turno de ‘Sliding On The Moone’. Este quinto tema del álbum regresa a la agilidad luminosa del ítem #2 y le añade cuotas blues-rockeras por vía de las intervenciones de la armónica y sencillos solos de guitarra dentro de la amalgama sonora. Básicamente, se trata de un jam space-rockero de tenor pop y con los mencionados ornamentos blueseros; la batería se luce a voluntad en sus ornamentos mientras centra la ingeniería rítmica para el bloque performativo. 

‘Graham Crackers In The Monastery’, más bien, nos devuelve al groove relativamente parsimonioso de la pieza inaugural del álbum, pero esta vez, recogiendo las semillas de extravagante exuberancia del tercer tema del álbum. Las exploraciones relativamente libres de los teclados y los vientos contrastan abiertamente con la disciplina estricta del bajo y el sitar eléctrico, siendo así que con ellas se arma un diálogo dinámicamente integrador. Con la ilación de ‘The Chemicals I Ate Did It’ y ‘Unknown On The Telephone’, el ensamble sigue explorando caminos de vitalismo ecléctico en clave progresiva. El primero de estos temas se orienta hacia una cruza entre lo melancólico y lo sombrío dentro de un enclave jazz-progresivo arropado por un grueso manto etéreo de naturaleza frontalmente psicodélica. Aquí resuenan ecos de AGITATION FREE, KING CRIMSON y la asociación de THE MUFFINS con HENRY COW. Por parte del segundo de estos temas mencionados, el grupo decide enfocarse en un clima juguetón no demasiado extrovertido, pero sí generoso en alusiones satíricas expresadas cabalmente por las líneas de los múltiples saxos y los guitarreos (tanto eléctricos como acústicos). Imaginemos una partitura perdida del ZAPPA de la etapa 72-73 que fue rescatada, apropiada y remodelada por los HENRY COW durante su última gira... algo así. ‘Space Opera Blues’ vuelve al matrimonio de blues-rock y space-rock con elementos añadidos del dadaísmo combativo de CAPTAIN BEEFHEART. En términos de sofisticación típicamente progresiva, se da aquí un explayamiento de variantes temáticas más ambicioso que en ‘Sliding On The Moone’, lo cual se traduce en un ejercicio arquitectónico mucho más exigente. El grupo se reserva la pieza más extensa del álbum para el final: ‘Journey To The Plains Of Obmurd’, que dura casi 8 minutos. Todo comienza con un prólogo expectante que anticipa la instauración de un swing ceremonioso; esto no dura mucho, pero da un apropiado impulso a una base armónica de guitarra para que establezca un punto de referencia repetitivo para un extrañamente cautivador empuje de ornamentos sonoros que se van aunando con una lucidez deconstructiva. Todo se va armando aleatoriamente dentro de una refinada estrategia de interacciones casuales que se van manejando a lo largo del camino, y solo a poco de pasada la frontera del quinto minuto emerge la batería con un groove reconocible, aunque sus mismos ornamentos impiden que el grupo asuma un enfoque ágil. Por el contrario, este recurso no tardó mucho en revelarse como otro evento aleatorio, pasando luego a armar un breve swing tribal con el que invita a sus compañeros a finiquitar sus exploraciones. En perspectiva, advertimos que esta pieza de cierre fue un paseo por el patio de recreo donde se organizó una esquematización osada de los aspectos posmodernistas que muchas de las piezas precedentes operaron como ornamentos; en esta ocasión, ellos tomaron las riendas de la creatividad sonora en curso. 

Todo esto es lo que gestó, gestionó y grabó el personal de MOON MEN para “Tales of the Space Pirates”, una pletórica exhibición de creativos tesoros musicales desde su nave de eclécticas aventuras progresivas. Tal vez resulta nuestro disco favorito de ellos hasta el momento, y realmente exige gran talento y una visión clara sobre el enfoque experimental del rock el haber consumado este disco tan excelso sin haber llegado a ningún tipo de agotamiento con toda la cantidad de discos de larga duración y EPs que los MOON MEN tienen en su haber desde hace solo tres años. Manejando a cabalidad discursos y recursos propios de la psicodelia, el jazz contemporáneo, las tradiciones del Canterbury y el RIO, el blues-rock y el space-rock, este cuarteto sigue firmemente asentado en un lugar destacado dentro de la élite de la vanguardia estadounidense. ¡¡Recomendado al 400!! (Un 100% por cada pirata involucrado en esta labor.) 



Muestras de “Tales of the Space Pirates”.-

sábado, 10 de octubre de 2020

Programa #270 - Dos GRANDES canciones progresivas

Honduras - El cimarrón

Wobbler - From Silence to Somewhere

Con ustedes, el podcast 270 de Cerca de la Orilla, para que lo tengan y lo escuchen a la hora que quieran. 

Esta emisión repasamos dos GRANDES canciones progresivas: "El cimarrón" del grupo argentino Honduras, así como "From Silence to Somewhere" del grupo noruego Wobbler.

Podcast: 


Lista de canciones: 

El cimarrón - Artista Honduras, disco El cimarrón 

From Silence to Somewhere - Artista Wobbler, disco From Silence to Somewhere 


Ficha técnica: 
Fecha de publicación: 10/octubre/2020 
Rúbricas: Nora García 
Producción integral: Javo Aguirre 

¡Saludos progresivamente épicos!

miércoles, 7 de octubre de 2020

La alquimia musical tras puertas cerradas de QUAESCHNING y REUTER

 Thorsten Quaeschning - Behind Closed Doors with Markus Reuter

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos una ocasión especial para disfrutar del encuentro musical entre dos geniales mentes musicales: las de THORSTEN QUAESCHNING y la de MARKUS REUTER. El primero es especialista en experimentaciones electrónicas con un gran momento de membrecía en la legendaria entidad TANGERINE DREAM y el desarrollo de su propio proyecto PICTURE PALACE MUSIC; el segundo es un genio de la Touch Guitar con gran renombre mundial, partícipe en varios grupos, proyectos compartidos (STICK MEN, TUNER, THE CRIMSON PROJEKCT, etc.) y discos solistas. El disco al cual nos referimos en esta ocasión es, estrictamente hablando, de QUAESCHNING, y se titula “Behind Closed Doors with Markus Reuter”, siendo así que la única pieza del álbum es la suite prog-electrónica de casi 49 ½ minutos de duración que se titula ‘Behind Closed Doors 4th June 2020’. En esta sesión que tuvo lugar el 4 de junio pasado en el escenario principal del Centro Cultural ufaFabrik, ubicado en Berlín, el anfitrión QUAESCHNING se hace cargo del sintetizador, el piano, la guitarra eléctrica y el secuenciador, mientras que su invitado de lujo REUTER se hace cargo de su sempiterna Touch Guitar, efectos electrónicos y loops. El proyecto Behind Closed Doors es una iniciativa de THORSTEN QUAESCHNING para crear labores artísticas dentro del área musical bajo las circunstancias de aislamiento social a nivel mundial en las que estamos viviendo ahora; de hecho, la idea surgió en su cabeza durante la primera semana de distanciamiento social en Berlín, y con ello, tras un par de semanas ocupadas en llamadas telefónicas y planificaciones, ya contaba el buen THORSTEN con una nutrida agenda de trabajo. Además de este evento a dúo con el maestro REUTER, se realizaron otros conciertos bajo este formato en los pasados meses de mayo y junio con ilustres invitados como LÜÜL, PAUL FRICK, HOSHIKO YAMANE, FRANZ BARGMANN, BENJAMIN SCHWENEN, SATOSHI OKAMOTO, etc. (o sea, gente involucrada en la electrónica, el krautrock, la psicodelia, el jazz-metal, el prog psicodélico de gran alcurnia germana como AGITATION FREE y ASH RA TEMPEL, y cualquier otra variante de música experimental). La idea es seguir adelante con las experimentaciones musicales buscando estrategias nuevas para que éstas se hagan realidad, pues la agenda se sigue expandiendo por el momento. 

Centrémonos ahora en el disco que hoy nos convoca. Todo empieza con una combinación de secuencia y atmósferas sintetizadas con base de notas altas, haciendo que todo se recubra de un minimalismo luminoso y, en cierto modo, cálido. La Touch Guitar no tarda mucho en entrar en acción con la mira puesta en dos cosas simultáneamente: realzar los espacios abiertos por las atmósferas de sintetizador y emitir sobrios fraseos que proyectan un aura de cálida introspección. Un poco más adelante, hay un minúsculo solo aguerrido de REUTER que parece indicar la pauta para que QUAESCHNING intensifique la labor cibernética que está bajo su mando con un incremento del enfoque secuenciado del dinamismo electrónico en curso. De este modo, se crea un nervio futurista que nos remite a un híbrido entre los TANGERINE DREAM de la fase 80-82 y el KLAUS SCHULZE de los últimos 15 años. Así las cosas, bien podría obsequiársenos un solo incendiariamente Frippiano, cosa que, efectivamente, elabora alrededor de la frontera del decimoprimer minuto: se gesta aquí un momento mágicamente climático dentro del cosmos dualista de los Sres. THORSTEN y MARKUS, y lo mismo ocurre instantes antes de pasar la frontera del decimoctavo minuto. El asunto ahora pasa por dejar que el centro temático, a estas alturas, debidamente forjado, oleado y sacramentado, pase naturalmente por diversas fases donde se amalgaman atmósferas y ondas solipsistas que puedan capitalizar el aspecto cósmico, y otros pasajes donde la guitarra o el sintetizador pueden realizar solos que añadan color al paisaje general. De hecho, hay un hermoso solo de sintetizador que entra a tallar poco antes de llegar a la frontera del minuto 21, aportando un refrescante recurso de lirismo al bloque sonoro. Más adelante, poco antes de llegar a la media hora, se germina un solo de guitarra aguerrido y adusto: su brevedad no es óbice para causar un impacto muy peculiar, que es el resguardo sonoro del dúo. En efecto, llega un momento en el que se genera un desierto vacío desde el seno de la secuencia electrónica, lo cual implica que las intervenciones guitarreras ahora operan como ornamentos espartanos y casi solitarios. Poco a poco, a partir de la frontera del minutos 33, las atmósferas cibernéticas vuelven sobre sus pasos para reconstruirse como fundamentos del viaje musical en curso. 

Para los 15 últimos minutos de la suite, el dúo sigue explorando ambientes y esquemas que se definieron y afianzaron en los 20 primeros minutos, aunque con un peso menor para las intervenciones furiosas de la guitarra; en esta instancia, su función principal es la de gestar retazos ocasionales y proveer recubrimientos nebulosos adicionales a los que ye emergen del sintetizador. Ya nos hallamos en un terreno intermedio entre el futurismo de SCHULZE y la introspección abstracta de FRIPP & ENO. A poco de pasada la frontera del minuto 40, hay un solo muy comedido que emana una majestuosidad calmada, rayana con lo introvertido; se hace a notar pese a la prestancia sumamente gravitante de los envolventes climas cibernéticos. La sección epilogar enfatiza el minimalismo luminoso con el cual comenzó este viaje, aunque se nota la diferencia que marca el despliegue de energía creativa que tuvo lugar en el extendido ínterin; hay una energía renovada en este reprise conclusivo que es imposible de ocultar. Todo esto es lo que se nos brindó en “Behind Closed Doors With Markus Reuter” de parte de la asociación de THORSTEN QUAESCHNING y MARKUS REUTER, uniendo fuerzas e inquietudes en medio de unas inestables y oscilantemente complicadas circunstancias mundiales en las que resulta complicado ponerse a organizar colectivos artísticos y mostrarse ante el público. Pero, con la logística adecuada, las agendas meticulosamente organizadas y el cuidado personal debidos, discos en vivo como éste todavía son viables, y son de agradecer cuando son así de buenos y enérgicos. Hace poco, QUAESCHNING y REUTER volvieron a unir fuerzas, pero esta vez bajo el formato de trío que se completó con el baterista estadounidense SHAWN CROWDER. Ya hay un registro publicado de esa sesión, pero iremos a ello en otra ocasión; por lo pronto, este ítem que acabamos de reseñar supone un signo importante de vitalidad para el ideal del arte musical en clave prog-electrónica. Un disco ideal para los amantes de la experimentación futurista, que no son pocos en el gran hábitat de seguidores y coleccionistas de rock experimental. 



La suite.-