jueves, 29 de diciembre de 2022

Programa #323 - 50 aniversario de discos de PROG (tercera parte)

Yes - Close to the Edge

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 323 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con la tercera, de tres partes, dedicadas a discos de rock progresivo que cumplen 50 años desde su lanzamiento. Disfruta gran material del año 1972 de grupos como Focus, Jethro Tull, Santana, Yes, Gnidrolog, Il Balletto di Bronzo y Amon Düül II.

Podcast:


Lista de canciones:

Thick as a Brick (extracto) - Artista Jethro Tull, disco Thick as a Brick

Epilogo - Artista Il Balletto di Bronzo, disco Ys

All the Love of the Universe - Artista Santana, disco Caravanserai

Kronwinkl 12 - Artista Amon Duul II, disco Carnival In Babylon

Sleepwalker's Timeless Bridge - Artista Amon Duul II, disco Wolf City

Who Spoke - Artista Gnidrolog, disco In Spite Of Harry's Toenail

Lady Lake - Artista Gnidrolog, disco Lady Lake

Love Remembered - Artista Focus, disco Focus 3

Sylvia - Artista Focus, disco Focus 3

Siberian Khatru - Artista Yes, disco Close to the Edge


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 29/diciembre/2022
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos progresivos y que todos ustedes estimados podescuchas, tengan un muy feliz 2023!

miércoles, 21 de diciembre de 2022

PORCUPINE TREE: proceso de una continuación muy esperada

Porcupine Tree - Closure/Continuation

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos en nuestras manos uno de los discos más esperados por la mayoría del público progresivo contemporáneo en este año 2022. Nos referimos a “Closure / Continuation”, el disco de retorno de los veteranos PORCUPINE TREE, que volvió a publicar un nuevo disco tras casi tres lustros de la aparición de “The Incident” (y 10 años del registro en vivo “Octane Twisted”) con la reinserción comunitaria de su fundador Steven Wilson, Richard Barbieri (el teclista histórico) y Gaviin Harrison (el baterista desde inicios del milenio). Los detalles de la logística del ahora triádico personal de PORCUPINE TREE son los siguientes: Wilson [voz, guitarras, bajo y piano], Barbieri [teclados y sintetizadores] y Harrison [batería y percusión]. Ausente en este proceso de continuación está el bajista-contrabajista anglo-australiano Colin Edwin, quien no está precisamente privado de ocupaciones musicales con sus actividades en BURNT BELIEF y O.R.K. Recordemos que en el año 2012, Steven Wilson anunció que se concentraría en discos solistas y, tal vez, algunos proyectos colaterales muy ocasionalmente, asegurando que, de todas maneras, PORCUPINE TREE no estaba disuelto. Harrison siguió siendo muy cercano a Wilson, pero éste cortó prácticamente todo contacto con el bajista histórico de la banda Edwin, mientras que Barbieri, por su parte, se mostraba consternado ante esta situación. Los años pasaron y llegó el momento de cerrar el hiato y continuar creando nueva música. Wilson explicó alguna vez que la ausencia de Edwin se debía a que Wilson ya tenía maquetas con las partes de bajo de varias de las nuevas canciones ya escritas y grabadas por él mismo, por lo que la presencia del buen Edwin no era ya imprescindible, a diferencia de las de sus otros dos compañeros. “Closure / Continuation” fue publicado en la segunda mitad del pasado mes de junio por el sello Music For Nations en cooperación con Sony Music en variados formatos: CD, casete y vinilo doble (versiones de color negro, azul, blanco, plateado y verde transparente) con 7 temas, y una edición de lujo con bonus tracks y versiones instrumentales del repertorio central, todo ello contenido en 2 CD y un Blu-ray. El material contenido en este disco fue terminado de grabar en setiembre de 2021 con total secretismo; por eso fue una excitante sorpresa para mucha gente que Wilson, dos meses después, declarara oficialmente que muy pronto habría un nuevo álbum de PORCUPINE TREE. Y aquí está ahora en nuestras manos “Closure / Continuation” y ya es hora de revisar sus detalles.

Porcupine Tree - Closure/Continuation

Durando 8 minutos y pico, ‘Harridan’ abre el álbum con convincente grandilocuencia, desplegando una energía muy propia de un grupo que sale del invernadero con ganas inmensas de recibir su nuevo tiempo. Las impetuosas líneas de bajo iniciales abren el camino para que la dupla rítmica asiente un compás inusual que logra dinamizar eficazmente la mezcla de furia y extroversión que caracteriza a la canción. La faceta enérgica de este despliegue de sofisticación rockera corre principalmente por cuenta del virtuoso Harrison mientras que las capas y ornamentos de los sintetizadores aportan interesantes retazos cósmicos al aguerrido bloque sonoro. La coda calmada nos sorprende con su envolvente aureola de melancolía. Gran inicio de álbum que es seguido por la canción ‘Of The New Day’, la cual recoge ese relevo melancólico y lo lleva hacia un terreno introspectivo, rectamente guiado por un lirismo etéreo que algo tiene de parsimonioso. Las secciones potentes añaden un oportuno toque de psicodelia pesada que remodela estilizadamente el núcleo melódico de la pieza. ‘Rats Return’ sigue a continuación para elaborar un inspirado ejercicio de prog-metal muy al estilo de la etapa 2002-07. La garra explícita de esta canción es manejada con una suntuosidad controlada, que no opacada; la musculatura es tremendamente patente y, de hecho, resulta esencial para la estructura compositiva. ‘Dignity’ se orienta, más bien, hacia la dimensión menos pretenciosa de la fase 1999-2000. Tratándose de la mejor balada del álbum, según nuestro gusto, nos parece atractiva la utilización de los diversos teclados para completar los trazos melódicos diseñados para la ocasión, siendo así que se permite a la canción acoger algunas vibraciones oníricas. ‘Herd Culling’ arriba con ganas de instaurar nuevos recursos de esplendor progresivo, alternando pasajes sutiles marcados simultáneamente por sintetizadores cósmicos y un swing jazz-rockero de la batería con otros abiertamente determinados por un coqueteo con el paradigma del prog-metal. La alternancia entre momentos de inquietud contenida y furia electrizante es manejada con un claro talante épico, el mismo que viene reforzado por el último solo de guitarra. Las grisáceas capas de sintetizador de la coda brindan un oportuno contraste de minimalismo distante. Un cénit muy especial del álbum.

Porcupine Tree - Closure/Continuation

‘Walk The Plank’ tiene un esquema sonoro futurista que apela a un dinamismo casi cinematográfico para encauzar con la asertividad debida las misteriosas palpitaciones emocionales que se traslucen tanto en el canto como en las amalgamas instrumentales. El repertorio oficial del álbum concluye con ‘Chimera’s Wreck’, su ítem más extenso con su espacio de más de 9 ½ minutos. La canción comienza con un núcleo temático suave y sencillo que se sitúa a medio camino entre el misterio y un angustia escondida, siendo así que la intensidad del groove que se da alrededor de la frontera del segundo minuto amenaza con abrir camino a una sección ulterior más aguerrida... pero eso no sucede por ahora. Volviendo al motif inicial y su viraje intensificado, nos damos cuenta de que en esta segunda instancia sí se está gestando un dinamismo nuevo. Para ello, el grupo elabora un crescendo desde el cual se motiva la emergencia de nuevos colores; el terreno está preparado para que el grupo, poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto y medio, se eleve hacia un ejercicio de rotunda fortaleza rockera. Atrás quedó esa sección signada por una psicodelia refinada sobre una base jazz-progresiva para ahora soltarse y adentrarse en un territorio más extrovertido. Sin llegar a igualar los niveles de incandescencia que ya se hicieron presentes en los temas #1 y #4, el grupo fabrica un bloque sonoro solventemente voraz mientras lo reviste con un refinamiento propio del sonido que el grupo plasmó en sus discos de la etapa 2005-09. ‘Population Three’ inicia la serie de bonus tracks y, lo decimos de frente, merecía realmente un lugar de privilegio dentro del repertorio oficial porque se trata de un instrumental fabuloso. Recibiendo varios ecos de la faceta más extrovertida de ‘Chimera’s Wreck’, el tema se orienta hacia un señorío más pulido para renovar la suntuosa garra que el trío aún tiene para expresar. La ilación de las diversas secciones está impolutamente perfilada. ‘Never Have’ es una semi-balada que se sitúa a medio camino entre el jazz-prog y el así llamado neo-prog. Se trata de una canción bastante llamativa a despecho de su inusual ingeniería rítmica, algo que no hubiese estado fuera de lugar en alguno de los dos últimos discos que hizo la banda antes de 2022. ‘Love In The Past Tense’ es el último bonus track y su función consiste en tirar más hacia el pop sin perder del todo el empuje progresivo. La complejidad del desarrollo temático y la utilización de esquemas rítmicos inusuales se aseguran de que ello sea así.

Porcupine Tree - Closure/ContinuationPorcupine Tree - Closure/Continuation

En fin, todo esto fue “Closure / Continuation”, el testimonio de una continuación muy esperada del espectro musical de los ya legendarios PORCUPINE TREE, un muy álbum que da justa cuenta de la vigencia de la visión musical de Steven Wilson y compañía. En líneas generales, no nos parece particularmente extraordinario, tenemos a otros discos de PORCUPINE TREE en nuestro Top 5 personal de su discografía, pero, sin duda, este disco es un trabajo fonográfico muy bien logrado y que vale la pena tener en cualquier colección de rock (progresivo o no). Para la gira promocional del mismo, el trío estuvo acompañado por el guitarrista Rand yMcStine y el bajista Nathan Navarro. En fin, Steven Wilson no está quieto y ya anunció recientemente que ha iniciado su curso el que será su próximo disco solista; por ahora, “Closure / Continuation” es el presente del cosmos musical de Wilson y sus actuales secuaces.



Muestras de “Closure / Continuation”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

jueves, 15 de diciembre de 2022

Cerca de la Orilla - iVoox Rewind 2022

 Cerca de la Orilla - iVoox Rewind 2022

322 programas, 322 historias progresivas. 

¡Muchísimas gracias a todos los que nos dedican parte de su tiempo en escucharnos! 😀🙌

#iVooxRewind2022

sábado, 10 de diciembre de 2022

Lo nuevo de MASAL.... ¡Ahora mismo!

Masal - Ahora

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la gratísima ocasión de presentar el nuevo trabajo de MASAL, proyecto francés de música progresiva vanguardista y ecléctica que es liderado por el músico y compositor Jean-Paul Prat, residente de Lyon. El disco en cuestión se titula “Ahora” y fue publicado el pasado 18 de noviembre de 2022. Este maestro Jean-Paul Prat, además de componer todo el material contenido en “Ahora”, se hizo cargo de tocar el piano y la guitarra a lo largo del disco. Sus compañeros de viaje fueron Jean Prat (batería, sintetizadores y Therevox), Philippe Bussonnet (bajo), Daniel Roméo (bajo), Jérôme van den Bril (guitarra), Norbert Galo (guitarra), Vincent Brizoux (saxofones alto y soprano), Toine Thys (saxofones tenor y soprano, y clarinete bajo), Paul Hanson (fagot), Edouard Poliquin (xilofón, marimba y vibráfono) y Claire Galo-Place (arpa). Este proyecto fue fundado en 1973, pero fue recién en el año 1982 que pudo debutar fonográficamente con el disco “Masal”, siendo firmado en su momento como un disco solista del propio Jean-Paul Prat. Ubicándonos en nuestro tiempo presente, “Ahora” marca, pues, el cuadragésimo aniversario del primer disco de MASAL como colectivo musical y anticipa el quincuagésimo aniversario de la fundación de éste. Este álbum fue grabado en el Studio Pieuvre de Bruselas, Bélgica, entre agosto del 2020 y febrero del 2021, bajo la labor de ingeniería de sonido de Jean Prat y Emmanuel Prat, y estando la mezcla a cargo de aquél. Las posteriores labores de masterización tuvieron lugar en el Rare Sound Studio (también de Bruselas) bajo la responsabilidad de Rémy Lebbos. Este nuevo disco sucede por más de 4 años y medio a su predecesor “Paysages Du Ciel”, y lo hace siguiendo parcialmente los senderos de palaciega suntuosidad de prog experimental que en el susodicho disco se plasmaron. Bueno, vayamos a los detalles del repertorio contenido en “Ahora”.

Masal - Ahora

‘Printemps Tardif’ abre el álbum con un despliegue de colorido y extroversión que impone un gancho instantáneo. Las vibraciones saltarinas de los vientos anuncian el swing central de la pieza, la cual se sitúa en un grácil y jubiloso espacio de encrucijadas entre los paradigmas de FRANK ZAPPA (etapa 1969-74), COS, GENTLE GIANT y HATFIELD AND THE NORTH. Eso sí, la gente de MASAL brinda a todo esto su toque personal de refinado vitalismo a través de cada sonido emanado de los vientos y las percusiones tonales, mientras el piano se asocia principalmente con la dupla rítmica. ‘Danse Dense’, que dura 9 ¼ minutos, prosigue hasta cierto punto por la senda trazada por la pieza de apertura, pero añadiendo matices y atmósferas renovadoras a su paleta sonora. Con un juego de síncopas más calmado mientras preserva el colorido plasmado en la pieza inicial, este tema elabora e instaura un meticuloso y rutilante esplendor donde la ingeniería orquestal sostenida por la confluencia de los instrumentos actuantes refleja sólidamente una aureola señorial. El pasaje epilogar se aviva a fin de generar aires de jazz-fusion con cierto talante latino, aunque con un tratamiento al modo RIO. He aquí, a fin de cuentas, un cénit crucial del álbum. ‘Aquilon’ se extiende por un espacio de 12 ¼ minutos, siendo así que incluye 5 secciones ‘Prélude Avant La Tempête’, ‘Sweeping Wind’, ‘Danse Du Prince Foudroyé’, ‘Nadie Puede Entender’ y ‘Postlude Après La Tempête’ (sí, la cuarta sección tiene título en español, al igual que el disco). Todo comienza con unos solemnes fraseos de piano que apuntan inicialmente hacia un clima crepuscular, abriendo luego espacios a la emergencia de una ingeniería melódica majestuosa que transita entre lo contemplativo y lo grisáceo. Estableciendo conexiones estilísticas en simultáneo con ZAO y FORGAS BAND PHENOMENA, el ensamble consigna un envolvente esquema jazz-progresivo que mayormente se apoya sobre los encuadres mutuos entre el piano y los saxofones. Cuando la pieza se aproxima a su ecuador, su groove y su colorido ganan en vivacidad sin romper del todo con el aire misterioso que fue tan predominante en sus instancias precedentes. También hay otros momentos donde el asunto se torna un poco denso, pero, en general, el enfoque sónico se centra en mantener la ágil prestancia recién obtenida a través de fluidas variantes temáticas. Cerca del final, la pieza aterriza de regreso a la ceremoniosidad solitaria del piano.

‘Shoot!’ se proyecta haca una síntesis ágil y sobriamente celebratoria de las atmósferas más densas de la suite precedente y los aspectos más ceremoniosos del segundo tema del álbum, mientras realiza un viraje hacia aspectos más oscuros del ideario musical del ensamble. Tal vez hay una relativa cercanía al paradigma de UNIVERS ZERO, especialmente en un interludio brumosamente parsimonioso que emerge justo antes del epílogo, pero se trata solo de algo colateral. Afinidades hay con la tradición del RIO francófono (al cual pertenece MASAL de por sí), sin duda, pero a través de un filtro Zappiano. ‘Danse Des Lucioles’ cumple con la misión de focalizarse expansivamente en varios de los esquemas jazz-progresivos que ya se hicieron presentes en ciertas piezas precedentes a fin de instaurar otra cúspide sónica dentro del repertorio. El enfoque expresivo de esta pieza recoge muchas de las vibraciones joviales de la pieza de apertura, elevándolas a un nivel más elevado de sofisticación al combinarlas con ciertos recursos de electrizante suntuosidad que reciben ecos no tan lejanos del segundo tema. Lo que suena está en plena consonancia con los legados del Canterbury y el jazz-fusion de los 70s con algunos oportunos toques surrealistas que, una vez más, nos remiten a la faceta big band de ZAPPA. El álbum se cierra con su ítem más extenso, ‘Sept Perles De Mer’, el cual dura 14 ¾ minutos. En sus primeras instancias, el vivaz y versátil núcleo musical se perfila hacia una profundización en la ágil diversidad de matices y grooves que ya operó muy eficazmente en el penúltimo tema del álbum, siendo así que ahora el asunto se torna aún más majestuoso. Más adelante, hay pasajes más serenos que se entrometen dentro del flujo multitemático con convincente placidez reflejan un lirismo cristalino desde donde se puede asentar los cimientos para el ulterior surgimiento de recursos de elegante tensión, algo muy propio del discurso avant-progresivo cuando se inserta en alguna vereda del jazz contemporáneo. A partir de ese momento, la espiritualidad melancólica es la predominante en el desarrollo temático, llegando esto hacia una conclusión evocadora y etérea. Así como esta pieza completa el trazo de su propio círculo particular, también gesta un aterrizaje mágico para el caleidoscópico vuelo musical del disco como un todo.

En conclusión, “Ahora” encapsula brillantemente la nueva manifestación de principios avant-progresivos de MASAL, una entidad veterana que se mantiene vigente a punta de músculo e inagotable creatividad. La verdad que la publicación de este disco es una bendición incalculable para la preservación de la llama musical de los terrenos más experimentales y eclécticos de la escena progresiva de nuestros días, especialmente cuando se trata de algo que salió de los cuarteles de un compositor y un ensamble con toda una historia a sus espaldas. ¡¡Totalmente recomendable!!



Muestras de “Ahora”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

jueves, 8 de diciembre de 2022

Programa #322- 50 aniversario de discos de PROG (segunda parte)

 Emerson, Lake & Palmer - Trilogy

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 322 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con la segunda, de tres partes, dedicadas a discos de rock progresivo que cumplen 50 años desde su lanzamiento. Disfruta gran material del año 1972 de grupos como Popol Vuh, Emerson, Lake & Palmer, Banco Del Mutuo Soccorso, Neu!, Aphrodite's Child y Gentle Giant.

Podcast:


Lista de canciones:

Hallogallo - Artista Neu!, disco Neu!

Mister Class and Quality? - Artista Gentle Giant, disco Three Friends

Knots - Artista Gentle Giant, disco Octopus

Segnung - Artista Popol Vuh, disco Hosianna Mantra

R.I.P. (Requiescant In Pace) - Artista Banco Del Mutuo Soccorso, disco Banco Del Mutuo Soccorso

750.000 Anni Fa... L'Amore? - Artista Banco Del Mutuo Soccorso, disco Darwin!

Loud, Loud, Loud - Artista Aphrodite's Child, disco 666

The Four Horsemen - Artista Aphrodite's Child, disco 666

The Endless Enigma - Artista Emerson, Lake & Palmer, disco Trilogy


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 7/diciembre/2022
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos, setenteramente virtuosos!

lunes, 28 de noviembre de 2022

El equinoccio electrónico de los estadounidenses ZAZAZ

ZAZAZ - Equinox

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos al trío instrumental estadounidense ZAZAZ, el cual está conformado por los dos sintetistas Colin Roper y Michiko Swiggs, y el baterista Justin Schwartz. El aporte de este ensamble de música electrónica para el presente año 2022 es el álbum titulado “Equinox”, el cual fue publicado de forma independiente el día 2 del pasado mes de abril, tanto en CD como en casete. Este trío fundado hace poco tiempo en Seattle, Washington, cultiva una propuesta de prog electrónico muy ligada a la tradición de la escuela de Berlín, al estilo de los TANGERINE DREAM y el KLAUS SCHULZE de la segunda mitad de los 70s, más otros aspectos sónicos inspirados en VANGELIS y JEAN-MICHEL JARRE y ciertos matices sinfónicos muy ocasionales. La estrategia estética del trío se centra mayormente en crear atmósferas y núcleos temáticos amables a través del potencial evocativo que tienen las capas, secuencias y armonizaciones cibernéticas gestadas por los dos arsenales de sintetizadores que manejan Roper y Swiggs. Para más detalles, repasemos el repertorio contenido en “Equinox”.

Abre el repertorio ‘Solstice’, una pieza bastante ágil que comienza con un breve prólogo sigiloso, pero que al poco rato pone sobre el tapete un groove extrovertido donde las orquestaciones y centros temáticos se centran en un híbrido entre los TANGERINE DREAM de la etapa 80-84 y JEAN-MICHEL JARRE. Un poco más adelante, dicho núcleo temático vira hacia un aura ceremoniosa mientras la batería le da un toque más sofisticado a la siempre reinante vitalidad de la pieza. Acto seguido emerge ‘Spectrum’, que con su duración de poco más de 8 minutos es el tema más extenso del disco. De paso, también se impone como un cénit decisivo del mismo. La pieza está diseñada para crear una perfecta combinación de space-rock con frenéticas vibraciones y prog sinfónico de notorias ambiciones melódicas. De hecho, su esquema de trabajo se condice bastante con las ocasionales aventuras futuristas de THE ALAN PARSONS PROJECT mientras se le añade algunos toques propios del paradigma de RICK WAKEMAN a través de un filtro aligerado que se remite más bien al VANGELIS de los documentales de los 80s. Para el último tercio, el trío se concentra en ciertos juegos de cadencias que tienen bastante de majestuoso para, finalmente, usar la coda como una retoma del motif central. ‘Time To Go’ sigue más o menos por la línea del primer tema, pero con una fastuosidad más controlada, lo cual significa que el trío se centra más en el paradigma del tecno-pop con matices de electrónica berlinesa. Cuando llega el turno de ‘Reach Out’, el grupo crea un ambiente más solemne al modo de una observación del inicio y la evolución del atardecer mientras se contempla un escenario marino. No siendo una pieza lánguida per se, su espiritualidad se mueve a través de una senda de expresividades reflexivas. ‘Steps’, el tema que sigue, parte de esta instancia reflexiva y le da un ropaje sonoro más denso mientras elabora un sencillo juego de orquestaciones sintetizadas. El uso de un swing exótico por parte de la batería en compañía de una percusión programada le da un dinamismo especial al tenor envolvente de la pieza; muy en línea con los TANGERINE DREAM de inicios de los 80s, una vez más.

Con la dupla de ‘No Man’ y ‘Treatment’, el trío se dispone a expandir muchas de las pautas concretadas en el repertorio precedente. El primero de estos temas parece enfocarse hacia lo introspectivo con su manera de cruzar los paradigmas de KLAUS SCHULZE (etapa 75-78) con el de los KRAFTWERK de la etapa 78-81 (más algunos matices de los OMD de los discos segundo y tercero, como de rebote). Alrededor de la frontera del segundo minuto y medio, la pieza adquiere y capitaliza efectivos recursos de densidad sónica. ‘Treatment’, por su parte, explora nuevamente las facetas más ágiles de la electrónica arropada por una fastuosidad progresiva, creando puentes entre el patrón de los TANGERINE DREAM de 1980 y el JEAN-MICHEL JARRE de la etapa 81-82. La base rítmica, con sus cadencias tribales, ayuda crucialmente a delinear y preservar los detalles finales del señorío perpetrado por los arsenales duales de los sintetizadores. ‘Procession’ es el tema a cargo de cerrar el disco. Su sección inicial se interna en una monótona caverna misteriosa antes de que el ensamble deje que se despliegue un cuerpo central genuinamente vivaz, el mismo que se sostiene sobre un groove animado y bastante impulsado por un fragor mecanicista. El epílogo donde solo suenan los sintetizadores exhibe una sobriedad relativamente luminosa, lo cual crea un efectivo contrapelo frente a la ambientación general de la sección introductoria. En fin, todo esto fue lo que el colectivo de ZAZAZ nos brindó con “Equinox”, un manifiesto de nuevas brisas para la estratósfera particular de la música electrónica con proyecciones progresivas. Vale la pena mantenerse atentos a lo que este grupo pueda hacer en el futuro cercano, dada la buena primera impresión que nos ha causado este disco.



Muestras de “Equinox”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

sábado, 19 de noviembre de 2022

Programa #321 - 50 aniversario de discos de PROG (primera parte)

Genesis - Foxtrot

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 321 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con la primera, de tres partes, dedicadas a discos de rock progresivo que cumplen 50 años desde su lanzamiento. Disfruta gran material del año 1972 de grupos como Renaissance, Nektar, Premiata Forneria Marconi, Khan, Genesis, Strawbs y Quella Vecchia Locanda.

Podcast:


Lista de canciones:

Watcher Of The Skies - Artista Genesis, disco Foxtrot

La Carrozza Di Hans - Artista Premiata Forneria Marconi, disco Storia Di Un Minuto

Generale - Artista Premiata Forneria Marconi, disco Per Un Amico

Heavy Disguise - Artista Strawbs, disco Grave New World

New World - Artista Strawbs, disco Grave New World

Crying in the Dark - Artista Nektar, disco A Tab in the Ocean

Sounds of the Sea - Artista Renaissance, disco Prologue

Il Cieco - Artista Quella Vecchia Locanda, disco Quella Vecchia Locanda

Dialogo - Artista Quella Vecchia Locanda, disco Quella Vecchia Locanda

Driving to Amsterdam - Artista Khan, disco Space Shanty


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 19/noviembre/2022
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos, sinfónicamente setenteros!

miércoles, 16 de noviembre de 2022

La nueva serie de hermosos paisajes musicales de los británicos GURANFOE

Guranfoe - Gumbo Gumbo

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la agradable ocasión de presentar el nuevo disco de los británicos GURANFOE, el cual se titula “Gumbo Gumbo” y fue publicado el pasado 28 de octubre. El colectivo integrado por James Burns [guitarras eléctricas, acústicas y de 12 cuerdas, bajo, piano, sintetizador Roland Juno-60 y Mellotrón M4000D], Ollie Snell [guitarras eléctricas, acústicas y lap steel], Robin G. Breeze [bajo, piano, sintetizadores Roland Juno-60 y Korg Minilogue, y Mellotrón M4000D] y Joe Burns [batería y percusión] recibió las asistencias ocasionales de parte de Rob Milne (flauta y saxofón), Rob Baker (guitarra lap steel y voz) y Arthur Yann Le Baleur (percusión) para completar esta serie de hermosos paisajes musicales que integra el repertorio del nuevo disco. Todo lo que suena a lo largo de “Gumbo Gumbo” fue grabado en las temporadas de agosto a octubre del 2020 y de febrero a marzo del 2022, junto a algunas sesiones de marzo y de diciembre del año 2021. Este grupo asentado en la localidad de Norwich nos sorprendió muy gratamente con su primer trabajo de estudio del 2019 “Sum Of Erda”, aunque ya el mismo tenía bastantes discos en vivo en su haber. Ahora, con la concreción de “Gumbo Gumbo”, la gente de GURANFOE decide explorar más a fondo su propia visión del rock progresivo ecléctico dándole, dentro de un enfoque general, una mayor musculatura a su sonido global y, de paso, impulsando más recursos de sofisticación a sus composiciones. Adelantamos que este disco nos gusta más que su antecesor, lo cual ya es bastante, pero mejor vayamos a los detalles de este nuevo disco ahora mismo, ¿vale?


‘Aravalli Wood’ abre el álbum con un imponente colorido que ostenta una estilizada vivacidad propia del legado de YES junto a algunos efluvios Canterburyanos que podemos rastrear en NATIONAL HEALTH y masivos juegos multívocos que nos remiten al paradigma de los GENTLE GIANT más poderosos (etapa 73-75). La complejidad de la ingeniería en la que se encuadran los sofisticados desarrollos temáticos, lejos de regodearse en su propia magnificencia, va fluyendo con pulso firme a lo largo de su extensión. Un gran inicio del repertorio. Durando casi 12 ¼ minutos, ‘Et Alias’ es el segundo tema del álbum y también el más extenso del mismo. Su prólogo emana un vigor expresivo instantáneo, pero éste es más dosificado, abriendo camino al predominio de estructuras y enfoques melódicos encauzados hacia la combinación de sinfonismo, jazz-prog y prog-folk con claros tintes contemporáneos. El cuarteto, estando asistido por un saxofonista-flautista para esta ocasión particular, establece nexos con ZOPP, ECHOLYN, THE TANGENT y CICCADA: preciosismo en los arreglos melódicos y diversidad en los índices de expresividad sónica se fusionan en una sola fuerza creativa mientras las bien afiatadas interacciones instrumentales se transportan grácilmente a través de los innumerables recovecos temáticos de esta ambiciosa pieza. La pauta calmada de los últimos segundos sustenta un final adecuado para este tremendamente intenso viaje progresivo. Todo un cénit del disco, no nos cabe duda al respecto. ‘Indigo Moon’, que dura menos de 10 ½ minutos, sigue a continuación para darle un viraje un poco más frugal a las ambiciosas estrategias musicales de la banda. El tenor pastoral del inicio tiene cierto toque del GENESIS clásico (etapa 70-73), así como de ciertos referentes del revival progresivo escandinavo e italiano de los 90s (estamos pensando en bandas como WHITE WILLOW y ERIS PLUVIA). A partir de allí, el grupo edifica una sobria arquitectura donde los contrastes entre los pasajes aguerridos y los sedosos son manejados con natural soltura. El rol destacado de la flauta invitada en varias secciones ayuda a la pieza a mantener su aureola pastoral como la decisivamente predominante. El final, épico y ensoñador a la vez, ostenta un magnetismo envolvente.

‘To The Sun’ es un excelente ejercicio de jazz-prog con varios matices folk y bien apuntaladas vibraciones fusionescas. Exhibiendo un virtuosismo ágil en su estructura multitemática de forma similar al que se dio en el tema que abrió el álbum, el grupo ahora decide aumentar las dosis de fulgor sonoro al asunto. El desempeño de la dupla rítmica resulta particularmente exigido durante el esquema de trabajo proyectado aquí, pues el swing debe aportar musicalidad a la ingeniería sonora, no solamente darle un núcleo central (que también lo hace). Siendo el tema más breve del disco con sus 5 minutos de duración, todavía dice mucho al oyente atento. ‘Django’ cierra el álbum y lo hace siguiendo, en no poca medida, las pautas estructurales del penúltimo tema. Es prácticamente una continuación de ‘To The Sun’ con la adición de una dosis extra de garra rockera. A veces esto suena muy afín a los JETHRO TULL de la etapa 77-78 en medio de una hibridación con los YES de la etapa 71-72. En fin, ésta fue la experiencia de “Gumbo Gumbo”, un disco que refuerza el posicionamiento de GURANFOE como una de las entidades más notables dentro de la actual escena progresiva británica. Definitivamente, hay que seguir la pista a este grupo respecto a cualesquiera discos produzca en el futuro próximo, porque disfrutar de este trabajo fonográfico no es solo un acto auditivo sino también práctico, en el sentido de que se siente como un paseo a través de diversos paisajes dentro del espíritu humano. Totalmente recomendable.



Muestras de “Gumbo Gumbo”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

lunes, 7 de noviembre de 2022

Perspectivas desde la isla space-rockera de los italianos JALAYAN

Jalayan - Floating Islands

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos atención al grupo italiano JALAYAN, afincado en Milán y conformado por Alessio Malatesta [teclados y sintetizadores], Vincenzo Calvano [guitarras eléctrica y acústica], Matteo Prina [bajo] y Dario Marchetti [batería y percusión], so pretexto de la publicación de su nuevo disco en la segunda mitad del pasado mes de mayo. El título del mismo es “Floating Islands” y se trata de la segunda obra fonográfica del mencionado grupo, sucediendo por un año y medio al disco “Sonic Drive”. Es un disco conceptual sobre la noción de que nuestro planeta, al igual que cualquier otro cuerpo celestial, es una isla que va flotando a través de las olas de ese mar que llamamos Universo, y siendo tan inestable y tan frágil, la humanidad tiene la obligación de cuidarlo con sigilo. El estilo de JALAYAN se centra en un space-rock progresivo portador de una garra meticulosamente estructurada y un preciosismo melódico; es algo así como una transformación más amable de la confluencia entre las influencias recibidas de los OZRIC TENTACLES y de HIDRIA SPACEFOLK. Los procesos de grabación, mezcla y masterización de este nuevo álbum tuvieron lugar en el año 2021 en los Bad Head Studios de Milán (ciudad del grupo), en manos de Alessio Malatesta. Bueno, repasemos ahora el repertorio de este álbum en cuestión.

Con la dupla inicial de ‘Tilmun’ y ‘Nemesis’, el grupo se muestra dispuesto a poner muchas de sus cartas sonoras sobre la mesa. El primero de los temas mencionados se proyecta desde el mismo punto de arranque hacia un groove de claro predominio cibernético que impulsa la ulterior gestación de un swing rockero generosamente alimentado por vibraciones rockeras de tenor psicodélico gracias al rol protagónico que asumen los riffs y solos de la guitarra. Una segunda sección vira hacia un swing un poco más sofisticado, pero el vigor expresivo del ensamble sigue incólume; mientras tanto, los solos de sintetizador van ornamentando la amalgama grupal con total exquisitez. En cuanto al segundo tema, éste se adentra aún más en los senderos de musculatura grupal mientras los arropa bajo exuberantes ropajes de majestuosidad psicodélica que se sitúan a medio camino entre las tradiciones del stoner y el space-rock. Con estos 10 minutos y pico iniciales, el grupo garantiza holgadamente para sí la atención del oyente. Cuando llega el turno de ‘Edination’, el ensamble adopta inicialmente la estrategia de trabajar con atmósferas cósmicas sobre un groove inspirado por el reggae, concretando así un momento de relativo relax tras los contundentes despliegues de colorido y músculo que se encarnaron en los dos primeros temas. Eso sí, a mitad de camino, la dupla rítmica intensifica su esquema de trabajo, obligando a la guitarra a exhibir un mayor nervio, pero es un interludio que no dura mucho. ‘Star Stairs’ incorpora masivamente elementos de jazz-rock sobre una base armónica y rítmica en la que la logística típica del space-rock es utilizada para remozar (y, en cierta medida, retorcer) un swing en clave de blues. Para la sección epilogar, el grupo elabora un contundente esplendor rockero. ‘Fire Of Lanka’ exhibe un dinamismo muy similar al del segundo tema del álbum, aunque con un particular realce de los ornamentos y secuencias cibernéticas de parte de los teclados. ‘Colliding Orbits’ es posiblemente la pieza más elegante del álbum. Operando sobre un tempo de 7/8 y abriendo abundantes espacios a la incorporación de elementos del jazz-fusion, el grupo desarrolla un groove y unas atmósferas pletóricas de mágica gracilidad y genuina sofisticación progresiva dentro de su esencia space-rockera. El ensamble calcula muy los momentos en los que debe haber ciertas erupciones climáticas a través del desarrollo temático.

Cuando llega el turno de ‘Narayanastra’, advertimos que el grupo quiere proseguir por la senda de sofisticación progresiva que fue tan fehacientemente explorada en el tema precedente, mientras incorpora síntesis estilísticas a partir de las herencias respectivas de los dos primeros temas del álbum. La magnificencia sonora aumenta mientras el cuarteto sigue incrementando las dosis de suntuosidad en su siempre ágil afiatamiento musicales. Durando casi 7 minutos, ‘Shem Temple’ es la pieza más extensa del repertorio y también es la encargada de cerrarlo, y lo hace, como parece ser natural, acogiendo y capitalizando varias resonancias épicas ya vertidas en la secuencia de las tres piezas precedentes. Los matices futuristas de lo cósmico, la garra esencial de lo rockero y los acicalamientos exóticos de tenor fusionesco se compenetran mutuamente a una línea de trabajo que se ha hecho consistente a lo largo del álbum. A mitad de camino, el groove se intensifica notoriamente y, con ello, la ambientación general se torna más urgente y vehemente, preservando el embrujo espacial del bloque sonoro. Todo esto es “Floating Islands”, un trabajo extrovertido y llamativo que debe suponer para el personal de JALAYAN un posicionamiento definitivo dentro de un lugar preferencial dentro de la escena space-rockera de nuestros días. Son más de 45 minutos de música vivaz, muscular y con gancho.



Muestras de “Floating Islands”.-


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

jueves, 3 de noviembre de 2022

Un paso adelante en el camino avant-progresivo del ensamble ruso COMPASSIONIZER

Compassionizer - Narrow is the Road

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tenemos hoy el placer de presentar el nuevo álbum del ensamble ruso de música progresiva ecléctica COMPASSIONIZER, el cual se titula “Narrow Is The Road” y fue publicado el pasado 21 de octubre, hace muy poco. Este proyecto tiene ya algunos años de existencia y está comandado por el músico y compositor Ivan Rozmainsky; en este disco, él se hace cargo de los teclados, los sintetizadores, la kalimba, el vibráfono y la marimba. ¿Nos suena su nombre de algo? Sí, de la banda ROZ VITALIS, fundada en el año 2001 en la localidad de San Petersburgo y cuyo disco debut del 2007 se titula precisamente “Compassionizer”. Ahora este nombre es retomado para nombrar a este colectivo que, al igual que ROZ VITALIS, practica un enfoque avant-progresivo con generosas presencias de elementos folk y ambient que se utilizan, alternadamente, para añadir colorido y densidad a los focos temáticos de cada composición. El ensamble de COMPASSIONIZER se completa con Leonid Perevalov [clarinetes bajo], Serghei Luincenco [guitarras eléctricas y acústicas, rubab, doira y otras percusiones, y flautines] y Andrey Stefinoff [clarinetes]. Todos ellos tuvieron algo que ver con la organización y la producción de las sesiones de grabación de este nuevo material. Algunas colaboraciones ocasionales provinieron de Bayun The Cat (sintetizador bajo, kalimba, tbilat y otras percusiones), Angelina Dortman (flauta), Dmitry Efimchuk (guitarra acústica), Antonina Pozdnyakova (violín) y Oleg Prilutsky (trompetas). Se trata del tercer álbum de COMPASSIONIZER, e incluye piezas inspiradas en poemas de Anastasia Prokhorenko y de Maria Leontieva. Como siempre, el músico y artista gráfico Vyacheslav Potapov se hizo cargo de la portada. El grupo debutó en el año 2020 con el disco “Caress Of Compasion” y ahora tenemos en nuestras manos a “Narrow Is The Road”, un álbum conceptual que gira en torno a la idea de cuán importante es elegir el camino correcto y asumir las consecuencias de dicha elección, lo difícil que es encontrar esa senda de rectitud, la posibilidad de cometer graves errores mientras se está en ello y, a fin de cuentas, la relevancia que tiene ayudar a otros, lo cual puede llevarnos a algún tipo de certeza sobre lo que es correcto. Las ganancias monetarias obtenidas con la venta de este disco serán donadas a una familia de ucranianos emigrados a Hamburgo, Alemania. Bueno, vayamos ahora a los detalles de “Narrow Is The Road”.

Durando poco más de 7 ¼ minutos, ‘Only One Road For The Wayward’ abre el repertorio del álbum y lo hace con una ceremoniosidad que, inicialmente grisácea, pronto pasa a agitarse dentro de un bizarro dinamismo donde se cruzan los universos de ART BEARS y de UNIVERS ZERO, además de algunos elementos de fusión folclórica vanguardista metidos en el entramado sonoro con miras a darle una vivacidad deconstructiva. ‘The Invasion Of A Crying Shame’ sigue a continuación para elaborar un enfoque más caleidoscópico del bien afiatado esquema grupal bajo una atmósfera que oscila entre lo cinematográfico y lo surrealista. Es evidente que aquí resuena un mayor lirismo que en la pieza de entrada, aunque sin renunciar a la desafiante lógica deconstructiva. ‘Black Sky White’ desarrolla una capitalización de los cromatismos y tonalidades exhibidas en la pieza precedente, pero con un acento dramático y una tensión envolvente que ayuda bastante a darle un giro mágicamente extravagante a la maraña de los instrumentos utilizados, la mayoría de ellos, tradicionales. Tenemos aquí un encantador cénit del álbum que establece conexiones estilísticas con los paradigmas de bandas como UT GRET, ZAAL y STOP MOTION ORCHESTRA. Reincidiendo en la exploración de matices basados en instrumentos académicos y étnicos, ‘I Need You To Help’ funge como catalizador de la faceta más relajante de COMPASSIONIZER. No siendo particularmente vitalista per se, esta pieza gestiona cabalmente el esquema sónico que brota desde el núcleo central protagonizado por las maderas y las cuerdas. La quinta pieza del repertorio es la que justamente da título al álbum. Aquí, el ensamble regresa a los recursos de sobrio y misterioso lirismo que empaparon a los temas #2 y #3 mientras lo arropa bajo un aura crepuscular. ‘In Things Too High For Me’ dura más de 8 ½ minutos e instaura un nuevo cénit para el disco. Su ingeniería musical transita por varios parajes, desde lo delicado hasta lo tenso y muchos tintes intermedios. En lo referente a los pasajes más tensos, a veces nos acordamos de ISILDURS BANE en la época de las dos primeras partes de su múltiple concepto “Mind”. También advertimos que hay una majestuosidad persistente que opera abiertamente incluso en las estancias más evocadoras. La sección epilogar asume un talante agradablemente ensoñador.

‘Looking From The Dome’ tiende puentes entre el imponente preciosismo del tema inmediatamente precedente y el juguetón cromatismo que signó a la ilación de las piezas segunda a la cuarta. Los riffs de guitarra aportan una garra especial a la arquitectura global mientras la sección percusiva gesta unas síncopas y unos ornamentos que realzan cabalmente la esencia etérea de la composición. ‘Kramatorsk’ saca buen provecho a su espacio de 14 ½ minutos para instaurar el clímax definitivo del álbum. La estrategia creativa vertida en este tema se centra en retomar asuntos pendientes de ‘In Things Too High For Me’ y llevarlos por una senda de sombría magnificencia, lo cual se traduce en una densidad señorial y un espesor musical que muchas veces muestra sus fauces tenebrosas. Tenemos aquí una cruza entre la tradición de UNIVERS ZERO y los ART ZOYD de la etapa 1982-87 a través de un filtro elaborado en la fábrica de los legendarios RATIONAL DIET y una supervisión de ISILDURS BANE. Las diversas líneas dibujadas por las cuerdas y los vientos, que en varias ocasiones vienen acompañadas por retazos de guitarra, encarnan fehacientemente el tipo de vivacidad inquietante e inescrutable que marca al espíritu de esta pieza. A poco de pasada la frontera del décimo minuto, el ensamble se complace en perfilar un mecanicismo sonoro drásticamente deconstructivo cuya función es la de realzar profusamente el factor tenebroso que, de todas maneras, estuvo siempre presente. Todo aterriza en un epílogo reposadamente oscurantista que parece retratar la primera visión de la trágica debacle de algo. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Road’, la única pieza del repertorio que dura menos de 4 minutos. Centrándose en el piano con sus mesuradamente parcos fraseos que abren campo a las ulteriores florituras de maderas y cuerdas, este tema ofrece un breve momento de contraste frente a la maratón precedente, plasmando un paisaje musical bastante amable. Todo esto es lo que se nos ha brindado con “Narrow Is The Road” desde los cuarteles de COMPASSIONIZER, un ensamble que nos ha brindado una de las obras más notables emergidas de Europa del Este para el presente año 2022. Totalmente recomendable para los amantes del art-rock con un espíritu peculiarmente aventurero y los seguidores del género progresivo en general.



Muestras de “Narrow Is The Road”.-


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sábado, 29 de octubre de 2022

Programa #320 - Surtido variado de rock progresivo

 Hats Off Gentlemen It's Adequate - The Confidence Trick

Con ustedes, estimados podescuchas, el episodio 320 de Cerca de la Orilla.

Esta emisión con un surtido variado y diverso de gran PROG para todos ustedes. Disfruta gran material de John DeMena, Hats Off Gentlemen It's Adequate, Emilio Molina, The Blank Canvas y TangoWhiskyMan.

Podcast: 


Lista de canciones:

Black Lotus - Artista The Blank Canvas, disco Dark Mirage *

Lands - Artista The Blank Canvas, disco Dark Mirage

Back Where I Started - Artista Hats Off Gentlemen It's Adequate, disco The Confidence Trick

Lava Lamprey - Artista Hats Off Gentlemen It's Adequate, disco The Confidence Trick

Eternal Eyes - Artista John DeMena, disco Dreams and Lies

Peter Pan - Artista TangoWhiskyMan, disco The Wait

Head Full of Voices - Artista TangoWhiskyMan, disco The Wait

Aldebaran (Parte 1) - Artista Emilio Molina, disco Aldebaran


Ficha técnica:
Fecha de publicación: 29/octubre/2022
Rúbricas: Nora García (canciones Hatenaki Shoudou y Divine Design de KBB)
Música de fondo: Dancing With The Invisible de Zozimo Rech
Producción integral: Javo Aguirre

¡Saludos virtuosos a todos!



sábado, 22 de octubre de 2022

La nueva gama de colores de KARCIUS

Karcius - Grey, White, Silver, Yellow & Gold

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión presentamos el nuevo disco del grupo canadiense KARCIUS, el cual está conformado por Sylvain Auclier [voz, bajo y percusiones], Thomas Brodeur [batería, percusiones, programaciones y diseño sonoro], Sebastián Cloutier [órgano Hammond B3, pianos acústico y eléctrico Wurlitzer, sintetizadores, mellotrones y coros] y Simon L’Espérance [guitarras, sintetizadores, percusiones y programaciones de loops]. El disco en cuestión fue publicado el pasado 18 de mayo y se titula “Grey, White, Silver, Yellow & Gold”; la publicación se dio por vía independiente, tanto en CD como en vinilo doble. Fundado en Montreal en el año 2001, KARCIUS operó como un ensamble de jazz-prog instrumental en sus tres primeros álbumes, para luego enfilarse hacia un eclecticismo más expansivo donde se incluía elementos de avant-prog y heavy prog, además de canto (“The First Day”, de 2012). El punto de quiebre más notable se dio con el siguiente álbum “The Fold” (2016), cuando el colectivo viró hacia el sendero del prog-metal moderno con matices eclécticos, un rumbo que se refuerza muy dinámicamente con el arribo de “Grey, White, Silver, Yellow & Gold”, una orientación que incluso acapara una nueva gama de colores.

Karcius - Grey, White, Silver, Yellow & Gold

La dupla inicial de ‘Parasite’ y ‘Supernova’ ocupa un total conjunto de 12 minutos, asentando las bases para buena parte del clima general del disco. El primero de estos temas mencionados comienza con un clima psicodélico de base cibernética para, al poco rato, abrirse hacia una explosiva comunión de prog-metal y heavy prog donde la expresividad apasionada está a flor de piel de forma recurrente. El esquema rítmico es razonablemente sofisticado y el enmarañamiento armónico entre los bien pulidos riffs de guitarra y las atmósferas de los teclados es perfectamente impoluto. Se da aquí una electrizante confluencia entre los senderos estilísticos de HAKEN, PORCUPINE TREE (etapa 2002-07) y GHOST TOAST. En lo referente a ‘Supernova’, ésta comienza con un enclave reflexivo que anuncia el despliegue de vulnerable vitalidad que ha de impulsar la espiritualidad general de la canción a través de sus ulteriores desarrollos temáticos. Ahora estamos en el terreno de una hibridización entre el paradigma de los actuales ARENA y el señorial poderío de los RUSH de la etapa 93-96, con algunas sazones de los DREAM THEATER post-2013. Acto seguido, llega el turno de ‘The Ladder’, una de las canciones intrínsecamente climáticas del repertorio dada su duración de 13 ¾ minutos. Los momentos iniciales indican que el grupo aborda aquí una continuidad del dramatismo aguerrido y estilizado de la primera canción, pero mientras va avanzando la ilación de los diversos motivos, advertimos que aquí se da también una remodelación de las vibraciones enardecidas y ansiosas que ya habían tenido efectivos focos de expresión en la segunda canción. En los parajes más etéreos, el grupo explora matices modernistas que apuntan hacia panoramas envolventes, mientras que los más pesados se articulan dentro de una arquitectura tan ágil como contundente. Un solo de sintetizador de tenor Floydiano y un esbelto solo de bajo salen al frente sucesivamente antes de la instauración del último bloque melódico, el cual habrá de incluir uno de los mejores solos de guitarra del álbum. Todo un cénit del disco. ‘Cosmic Rage’ se encarga de rehacer el vitalismo electrizante de la primera canción con un espacio más abierto para la presencia de pasajes atmosféricos. La claridad melódica perfilada en los arreglos se beneficia del empleo de esquemas rítmicos moderadamente vivaces.

‘Distance Kills’ es una hermosa canción concebida como una semi-balada donde confluyen la garra preciosista del prog-metal y la intensidad envolvente de la psicodelia pesada, siendo así que en algunas ocasiones llegan los teclados a aportar un cierto toque sinfónico al asunto. Reemergen las confluencias con los patrones de PORCUPINE TREE y HAKEN. Una vez más, la claridad melódica se expresa con total transparencia a través del suntuoso despliegue de musculatura rockera que se apodera de varios tramos del desarrollo temático. El final celestialmente misterioso de esta canción se engarza con el inicio de ‘A Needle Tree’, canción que con su espacio de poco más de 15 ¼ minutos resulta ser la pieza más extensa del repertorio, y, de paso, la encargada de cerrarlo. Un generosamente amplio solo de piano eléctrico se explaya sobre un modernista trasfondo espacial, siendo sucedido por una sección introspectiva guiada por el dueto de canto y guitarra acústica. Cuando el asunto se torna eléctrico y electrizante, se instaura el imperio de la pasión ceremoniosa, muy al estilo de ARENA (y también de AIRBAG), aunque con una corpulencia más aguerrida. Hay momentos en los que la batería hace lucir sus grooves más sofisticados dentro del bloque instrumental; hay otros momentos en los que el grupo juega con una sutileza muy honda muy cercana al más misterioso solipsismo; todos ellos van uniendo fluidamente todos los suelos y paredes que conforman este atractivo corredor multi-temático. Todo esto fue lo que se nos brindó desde los cuarteles de KARCIUS con “Grey, White, Silver, Yellow & Gold”, un disco diseñado para reforzar el giro estilístico de la banda y, de paso, para poner un importante grano de arena dentro de la faceta más pesada dentro de la escena progresiva de nuestro tiempo. 56 minutos y pico de enérgico esplendor rockero.



Muestras de “Grey, White, Silver, Yellow & Gold”.-


Más criticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

sábado, 15 de octubre de 2022

GRECO BASTIÁN y sus amigos nos abren las puertas del infernal paraíso progresivo de México

 Greco Bastián - With A Little Hell From My Friends

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el enorme agrado de presentar el nuevo disco del músico y compositor mexicano GRECO BASTIÁN, experto en elaborar su propio enfoque de música progresiva vanguardista donde confluyen el Zeuhl, el RIO de tradición continental, el math-rock, el jazz-rock, la música académica y el brutal prog. El disco en cuestión se titula “With A Little Hell From My Friends” y fue publicado en la primera mitad del presente mes de octubre por el sello Azafrán Media. BASTIÁN se hace cargo del piano, los sintetizadores VST y los efectos de teclado, contando, además, con una magnífica pléyade de colaboradores, parte de la crema y nata de la vanguardia internacional. Repasemos la lista de estos colaboradores: Tatsuya Yoshida (batería), Jean-Luc Plouvier (piano), Ryoko Ono (saxo), Pierre Vervloesem (guitarras eléctricas), Matt Lebofsky (bajos), Patrick Shiroishi (saxo), Emmett Elvin (guitarra y bajo), Vincent Sicon-Vantalon (piano y efectos de teclado), Jon Bafus (batería), Samo Šalamon (guitarras eléctricas), José Luis Velasco (guitarra y bajo), Hey Figueroa (bajos), Armando Lagarda (batería), Edson Santana Reyna (guitarra acústica y charango) y Gerardo Ramlop (xilófono). O sea, gente de KOENJI HYAKKEI, SAX RUINS, UNIVERS ZÉRO, GUAPO, MITHKON, CORIMA, UNIT WAIL, SCHERZOO, X-LEGGED SALLY, etc. Vamos, ¡casi nada! Además, para darle un aire verdaderamente sofisticado a la presentación gráfica del álbum, ésta se basa en dibujos del grabador francés JACQUES CALLOT (1592-1635). Natural de Acapulco, el maestro GRECO BASTIÁN (cuyo verdadero nombre es Pablo Eduardo Ibarra Robles) es un veterano que alguna vez fue integrante del grupo progresivo COBALTO CIRCUS, y tras la disolución de éste, siguió por su propio camino de exploraciones avant-progresivas. Hasta el año 2019, BASTIÁN tenía en su haber un puñado de discos y un EP publicados de forma independiente; “With A Little Hell From My Friends” es su primer trabajo publicado por un sello grande, y encima, el sello japonés Disk Union colabora con la difusión del mismo. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio de este disco que tenemos en nuestras manos.

Greco Bastián - With A Little Hell From My Friends

Los primeros 6 ½ minutos del repertorio están ocupados por ‘Proteo Revampirizado’ pone muchas cartas de la baraja avant-progresiva de BASTIÁN sobre la mesa. El enfoque pulsátil de la mayor parte del esquema rítmico y las complejas variantes temáticas que van emergiendo a lo largo del camino revelan una ambientación palaciega situada a medio camino entre lo radiante y lo amenazante en un contexto abiertamente surrealista. La tensión está siempre allí, adoptando diversos disfraces a lo largo del camino, algunos más aguerridos que otros. Chamber-rock denso y continuamente agitado, una especie de versión retorcida de PRESENT, una muy efectiva manera de iniciar el álbum. ‘Zidane Racist’, que dura casi lo mismo, sigue a continuación para proyectar una aureola más traviesa que permite establecer una confluencia ágil y resuelta entre la dimensión más épica de MAGMA y los recovecos propios del aspecto más exigente de FRANK ZAPPA. ‘Zeuhlito Lindo’ es un primer cénit concluyente del álbum, el cual suena como una entidad híbrida entre ESKATON y DR. NERVE que ha sido secuestrada y deformada con precisión quirúrgica por una fuerza derivada de la fusión de los espíritus de KOENJI HYAKKEI, AMYGDALA y UNIVERS ZÉRO. Siendo así que la ambientación general de la pieza es de un jolgorio retorcido que ostenta su infinidad de agitaciones dadaístas, también se nota una fuerte presencia de espacios donde una electrizante oscuridad se hace cargo de las proyecciones instrumentales. Mientras tanto, la imposible arquitectura de las interacciones entre los instrumentos va fluyendo a través de caminos que se van haciendo en este colectivo andar. ‘Oniontown’ no se queda a la zaga con su despliegue de exquisita extroversión bajo la guía de una intensidad filuda cuya fuerza de carácter está tejida con seda futurista y algodón oscurantista. Situándose a medio camino entre las vibraciones imponentes de GA’AN y el señorío inmenso de FAR CORNER, esta pieza despliega una intensidad muy particular que, en algún momento nos sorprende con la emergencia de un interludio sinfónico de cariz tenebroso (un poco a lo GOBLIN). Su epílogo saltarín y jubiloso es el cierre perfecto. En fin, esta pieza encarna otro pasaje culminante de este álbum que, ya a estas alturas, se va revelando como uno de los más aguerridos e interesantes del prog mexicano (y latinoamericano) en el presente año 2022.


‘Aclowntrenós’ establece, a paso firme y sin tambalearse un solo ápice mientras va atravesando las diversas vías de su colorido y tortuoso laberinto, la sinuosidad juguetona del tema #2 y el señorío razonablemente oscurantista del tema #3. La presencia de la percusión tonal atenúa parcialmente la asertiva tormenta sonora que se impone por vía del bien afiatado ensamble de guitarra, teclados, batería y bajo. Eso sí, el cuasi-circense epílogo nos toma de sorpresa de una manera lúcidamente humorística. ‘My First Metal Swing Set’ y ‘D.A.S’ son dos piezas cortas – una dura 2 minutos y pico mientras que la otra dura poco menos de 1 ¾ minutos – que sirven para enfatizar y reforzar algunas atmósferas ya utilizadas en piezas precedentes. En el caso de ‘My First Metal Swing Set’, tenemos un ejercicio de frenéticos juegos dadaístas al modo de una idea perdida de RUINS que fue retomada por una asociación de músicos de DR. NERVE y UNIT WAIL. Por su parte, ‘D.A.S’ se centra en una neblina de arcanas tinieblas sobre la base de un fenomenalmente intrincado esquema rítmico. ‘Don’t Open Til Xmas’ es una pieza centrada en capitalizar con un entusiasmo particularmente radical la lógica laberíntica que marcó crucialmente a la esencia expresiva del segundo tema, enfocándose más en la exploración de nuevos recursos de tensa complejidad que en algo oscuro o inquietante de por sí. A propósito, hay unas breves y simpáticas citas del villancico Jingle Bells (o One Horse Open Sleigh, como se prefiera llamarlo) en el motif inicial. ‘Exit Filming For A Muse’ se encarga de cerrar el álbum y lo hace de una manera muy ceremoniosa. Instaura una atmósfera crepuscular que, a través de su relativamente sosegada ambientación, elabora un desarrollo temático de tenor sinfónico con muy sutiles guiños al paradigma de UNIVERS ZÉRO. Este paraje conclusivo del álbum nos toma un poco por sorpresa, pero, una vez asimilado, nos percatamos de que es el cierre perfecto para el repertorio. En fin, toda esta grandeza encapsulada en “With A Little Hell From My Friends” refleja una magnífica obra del mexicano GRECO BASTIÁN donde, en un espectro de poco más de 40 minutos, cada pieza abre de a pocos las puertas del infernal paraíso avant-progresivo. Y así quedan abiertas de par en par una vez que el oyente ha disfrutado íntegramente de toda la secuencia de las composiciones que forman parte de este disco. ¡¡Totalmente recomendable!! ¡¡Al 1000%!!



Muestras de “With A Little Hell From My Friends”.-
Proteo Revampirizado: https://grecobastian.bandcamp.com/track/proteo-revampirizado-2
Zeuhlito Lindo: https://grecobastian.bandcamp.com/track/zeuhlito-lindo
Oniontown: https://grecobastian.bandcamp.com/track/oniontown-4


Más críticas de César Inca Mendoza en: Autopoietican - Apuntes de música progresiva contemporánea

La hora mágica del excelente ensamble jazz-progresivo japonés HENRYTENNIS

 Henrytennis - Bay Leaf And Singers

HOLA, AMIGOS DE CERCA DE LA ORILLA, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión nos complace sobremanera presentar el nuevo disco del grupo jazz-progresivo japonés HENRYTENNIS, el cual se titula “Bay Leaf And Singers” y fue publicado el pasado 27 de setiembre (hace muy poco) en formato digital a través de su blog de Bandcamp. El ensamble conformado por Yoshihito Okumura [guitarras], Syun Saitou [bajo], Syunsuke Tomioka [saxofones alto y soprano], Takuya Irie [saxofones alto y tenor, y glockenspiel], Kazuma Sakamoto [batería] y MinMin [teclados] nos brinda en éste, su cuarto trabajo fonográfico, una ágil y llamativa mezcla de Canterbury melódico, estándares de WEATHER REPORT y HAPPY THE MAN, además de algunos matices de la faceta más señorial del peculiar cosmos musical del inmortal FRANK ZAPPA. Los orígenes de HENRYTENNIS se remontan al año 2003 cuando el guitarrista Okumura y la teclista-vocalista Chie Takizawa (actualmente, una de las colideresas de MOLESLOPE) unieron fuerzas para hacer música experimental, y ya con un formato ampliado a quinteto, el grupo debutó con el disco de 2006 “Eight Rare Cases”. Ya con el disco de 2017 “Freaking Happy”, el colectivo de HENRYTENNIS – que ya había experimentado algunas importantes variantes en su alineación – se asentó dentro del área del jazz-prog con ornamentos y tintes vanguardistas, y esta línea de trabajo se fortalece sólidamente en “Bay Leaf And Singers”, el disco que ahora reseñamos. Bueno, veamos los detalles de su contenido.

Henrytennis - Bay Leaf And Singers

La pieza titulada ‘Magic Hour’ abre el repertorio con un carácter asertivo y convincente. Poniendo todas las cartas extrovertidas de la baraja sonora de la banda sobre la mesa, activa imparables recursos de agilidad a través de un desarrollo temático bastante atractivo y magnético. El esquema rítmico está muy bien perfilado, abriendo espacios para un groove lleno de distinción. Acto seguido, la dupla de ‘Weather’ y ‘Bay Leaf’ se encarga de ampliar espacios sonoros para el ensamble. El primero de estos temas mencionados instaura un nuevo despliegue de vivacidad dentro de un encuadre bien equilibrado entre el colorido del Canterbury y la faceta más grácil del magnífico señorío de los legendarios HAPPY THE MAN. Definitivamente, el grupo tiene muy en mente focalizar su creatividad bajo un manto de exquisita jovialidad. En cuanto a ‘Bay Leaf’, tiene un enfoque más centrado en la faceta extrovertida de los últimos discos de WEATHER REPORT, añadiéndole algunos matices apropiados del paradigma de los YELLOW JACKETS. Jazz-rock gentil que resulta encantador de una manera totalmente natural por causa de sus esenciales aires festivos. ‘My Essential xx’ básicamente prosigue por la senda de la pieza precedente, capitalizando su luminoso vigor con un tratamiento más sofisticado del groove general y una labor más exuberante dentro de la triangulación entre los dos saxos y la guitarra. ‘Dusk Coast’ se caracteriza por una serenidad un poco mayor que cualquiera de los precedentes, aunque todavía califica como un ejercicio musical extrovertido. En todo caso, los arreglos instrumentales se enfilan más hacia una espiritualidad cálida, haciendo buen uso de un compás inusual para desplegar la atmósfera general. Hay un hermoso solo de guitarra, uno de los mejores del álbum. Se notan aires de familia con las bandas compatriotas JIZUE y MOLESPOLE. Ya en su último tercio, la pieza adquiere una garra extra que se traduce en una mezcla de agilidad y densidad, manteniendo el gancho de manera convincente.

‘Automatic Sky Line’ se centra en establecer una síntesis entre los enfoques estilísticos de las piezas segunda y tercera, lo cual implica un nuevo ejercicio de inteligencia ingenieril donde el entramado de todos los aportes instrumentales funciona con compacta organicidad. Ciertos mecanismos atonales manejados con ensamblada meticulosidad parecen acoger algunas herencias Zappianas. Para cuando llega el turno de la pieza llamada ‘Special One’, ya están perfectamente delineados los patrones estéticos de la banda, pero nos llega una especia de sorpresa con el impacto inicial que generan las vibraciones rockeras del hermanamiento de batería y guitarra, las cuales asientan instantáneamente los cimientos para el impetuoso y jubiloso swing general de la pieza. Es como un esbozo de nu-jazz que ha sido remodelado drásticamente para gestar un sólidamente vivaz ejercicio de jazz-rock con connotaciones funky, el mismo que incluye algunas virtuosas intervenciones de los teclados. Jazz-prog bailable, así como suena. ‘Really Very Hard Bird Sings’ es el simpático título del octavo tema del álbum. En realidad, se trata de un tema explícitamente lírico, bien enfocado en los delicados efluvios melódicos que se van desarrollando a lo largo del camino. Las calculadas intervenciones de los dos vientistas (en conjunto o individualmente) llenan solventemente los espacios organizados por el bloque de los demás instrumentistas. También hay un breve espacio para un hermoso solo de guitarra en alguna parte de la segunda mitad, un solo que opera como catalizador de incrementada sofisticación para el enmarañamiento sónico. El final es tremendamente climático, algo muy oportuno para cerrar el clima de fulgurosa majestuosidad que ha predominado decisivamente a lo largo del tema. ‘For Tomorrow’ da un paso adelante dentro de la senda de evocador lirismo asentada por la pieza anterior y le añade un aura contemplativa a partir de la ambientación otoñal que arropa al desarrollo temático. ‘Don’t Touch My Soul’ regresa prestamente a la senda del jazz-fusion melódico y grácil que tan buenos resultados dio en los temas tercero y cuarto del álbum, añadiéndole algo de la sofisticación crucial del segundo tema. La vitalidad, como siempre, es contagiosa, y las interacciones entre los músicos van fluyendo con total garbo a través del razonablemente complejo esquema rítmico creado para la ocasión.

Durando poco más de 9 ½ minutos, ‘Daylight Fire Section’ es el tema más extenso del repertorio y también es el encargado de cerrarlo. Comienza con un foco temático persistente y bien dibujado cuyos referentes jazz-progresivos no son muy ajenos a los de bandas como COEVALITY, PYMLICO y los ya mencionados MOLESLOPE. Pero, de repente, a mitad de camino, todo vira drásticamente hacia un ejercicio de ágiles tensiones sobre un frenético compás inusual donde se fusionan RIO y jazz-rock. No es un pasaje muy extenso, pero sí tiene suficiente fuerza de carácter como para reorganizar el desarrollo de la pieza como un todo. De hecho, deja sentir el efectista contraste que este pasaje tiene frente al que le sigue, el cual es mayormente reposado y ostenta unas vibraciones etéreas de cierto tenor crepuscular. Cerca del final, un solo de saxo tenor muy al estilo del inmortal Coltrane crea, desde su emporedada soledad, una aureola de expectativa antes de que el bloque grupal entero entre a tallar para la efímera instancia final. En fin, todo esto fue lo que la gente de HENRYTENNIS nos brindó con “Bay Leaf And Singers”, un disco colorido y hermoso con su generosa cuota de surrealismo y espiritualidad traviesa. Queda bastante claro que este grupo es de los más notables dentro de la actual escena progresiva de Japón, lo cual, a su vez, conlleva un aporte excelente para la avanzada progresiva a escala mundial. Totalmente recomendable, sin eufemismos ni exageraciones, totalmente recomendable; es que escuchar este disco implica disfrutar de un momento hermoso y mágico... y no nos queda nada más que decir sobre él de nuestra parte.



Muestras de “Bay Leaf And Singers”.-Weather: https://henrytennis.bandcamp.com/track/weather


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